Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Музыка молодых

№ 5 (121), май 2012

Ощущение внутренней наполненности и, вместе с тем, легкости возникло после посещения аспирантского концерта двух молодых композиторов. Несмотря на молодость, каждая из авторов – индивидуальность, со своим оригинальным музыкальным стилем, органично вписанным в контекст современного искусства и говорящим со слушателем «на одном языке». Концерт состоялся в зале им. Мясковского 10 апреля – на пороге весны.

Екатерина Хмелевская (класс проф. Ю. В. Воронцова) – организатор фестивалей, руководитель и солист эстрадного вокально-инструментального ансамбля «3×3», педагог, автор литературных произведений. В программе концерта она представила многоцветную палитру своей музыки 2007-2012 годов. Вечер открылся афористичным Циклом вокальных миниатюр на стихи Омара Хайяма, где каждая из частей – словно сверкающая на солнце капля росы, а вместе они создают единый прихотливый узор. Иными музыкальными средствами решена мультиинструментальная медитация-песня «Дрема», которую автор выразительно исполнила в дуете с Еленой Лилеевой. Этнические инструменты, появлявшиеся словно из «волшебного сундука», были созвучны общему сюрреалистическому колориту композиции, который накладывается на фольклорную основу. Фортепианные сочинения «Тектоника» и «Меланхолия» тяготели к минималистской стилистике, а струнный квартет «for four» сочетал в себе лирическую напевность и драматизм.

Татьяна Шатковская-Айзенберг (класс проф. А. А. Коблякова) – пианистка, пропагандист современной музыки, организатор международных фестивалей, а ее музыка имеет скорее лирико-философскую направленность. Вокальный цикл «Пять медитаций» на стихи китайских поэтов, исполненный сложившимся дуэтом Натальи Семеновой (сопрано) и Алиной Леер (ф-но), отличала тонкая звукопись, гармоничное отражение поэтических образов в музыке. «Жест времени» для 2-х фортепиано, прозвучавший в интерпретации дуэта «ShAT» (Анна Шатковская и Татьяна Шатковская-Айзенберг), содержал в себе идею разных временных пространств, как отражение категорий вечного и преходящего. Блестяще было исполнено Иваном Кобыльским, Асей Сафихановой и автором «Притяжение» для гобоя, флейты и фортепиано. А кульминацией вечера стала развернутая сценически-выразительная композиция «El y Ella» (Он и Она) – драматические испанские сцены для сопрано, чтеца, скрипки, гитары и аккордеона на стихи Ф. Г. Лорки. Благодаря богатому инструментарию в музыке возник настоящий испанский «накал», разрешившийся в конце просветленным Memento.

Собкор «Трибуны»


В зале им. Н. Я. Мясковского 31 марта состоялся очередной, но далеко не обычный концерт из произведений студентов Композиторского факультета. Уже «Хармсфония» первокурсника Д. Писаревского – сочинение для артистов, вокалистов и инструменталистов, вынесенное им на суд публики, – поразила масштабами: в ней задействовано 28 (!) исполнителей (включая актеров и дирижера), а длительность составляет более 50 минут! Д. Писаревский проявил себя и как талантливый композитор, и как блестящий организатор, режиссер-постановщик, сценарист, ведь его «Хармсфония» – произведение синтетическое, которое включает в себя не только музыку, но также драматический и инструментальный театр, вокальное искусство, слайд-шоу. Свой «глобальный» труд композитор посвятил выдающемуся русскому поэту и писателю Даниилу Ивановичу Хармсу. Это важно потому, что намеченная в современном отечественном искусстве тенденция к полной ассимиляции с Западом, когда даже названия даются не на родном языке, все более и более захватывает умы. Однако это – другая тема…

Музыка Фуги для фортепиано В. Маслова и Сонаты для скрипки и фортепиано Е. Федяниной была достаточно оригинальной, несмотря на традиционность избранного жанра. В фуге была предпринята еще одна попытка гипертрофировать правила, которые так хочется нарушать, выходя «сухим из воды»; заметно и нежелание мириться с занудностью, замкнутостью, пессимизмом и ужасами жизни. Сочинение Е. Федяниной стало философским центром программы: в ее сонате ощутимы глубина мысли, строгость в выражении чувств и, вместе с тем, искренность и простота.

Вечер завершился весьма нестандартным для кафедрального концерта номером – импровизацией в исполнении композиторов К. Широкова, М. Полеухиной и А. Сысоева. Главная идея импровизации отражена в названии – «Марта тридцать первое две тысячи двенадцатого года» – день, «породивший» данное музыкальное действо, который больше никогда не повторится. Подобная экспериментальная философия искусства, возникшая в годы так называемого авангарда «второго бума», всегда вызывает колоссальный интерес. Ведь никогда не знаешь, что же из этого хеппенинга выйдет в итоге. Относительно данной импровизации можно смело констатировать: получилось интересно…

Евгения Бриль,
студентка
II курса КФ

Во время снегопада

Авторы :

№ 2 (118), февраль 2012

Снег идет, густой-густой.
В ногу с ним, стопами теми,
В том же темпе, с ленью той
Или с той же быстротой,
Может быть, проходит время?

Может быть, за годом год

Следуют, как снег идет?

Борис Пастернак

16 декабря в 23 классе прошла ежегодная осенне-зимняя междисциплинарная встреча из цикла: «Консерватория + Университет» (руководитель – проф. М. В. Карасева). Тема нынешней «Междисциплинарки» как обычно звучала завлекательно: «Музыкальные клипы: философия, штампы, находки». За земляничным соком и собственноручно испеченными кексами встретились студенты, казалось бы, принципиально разных профилей: музыковеды и дирижеры из «Консы» и социологи и экономисты из «Вышки» (Высшей школы экономики). Лейтмотивом встречи была проблема музыкальных клипов – как на популярную, так и на академическую музыку, – однако разговоры зашли гораздо дальше!

Для меня особенно интересным оказалось то, что совершенно случайно (впрочем, кто знает…) были затронуты темы, которые для музыкантов не слишком «удобны» и которые, как кажется, не принято обсуждать. Почему для нас так важны выступления на публике? Почему, даже испытывая перед сценой страх, мы все равно готовы отменить все свои планы, пренебречь занятиями и собственным обедом, истратив последнюю стипендию на концертный костюм и билет на электричку к месту выступления? Оказалось, что именно вопросы о том, что прочно вошло в жизнь и делается почти на автомате, особенно заставляют задуматься. Прозвучали разные варианты: выступление как служение, удовлетворение потребности быть услышанным, понятым… и внезапно – обыкновенная зависимость! В таком сложно себе признаться, однако, проговорив, отчего-то становится понятнее и легче.

Под самый конец встречи, в завершение темы музыкальных клипов, мы обсудили материал, предложенный музыковедом Ксюшей Ефремовой – фрагмент вышедшего летом фильма Ларса фон Триера «Меланхолия»: самое его начало целиком положено на музыку вступления к «Тристану и Изольде» Вагнера (к восторгу ряда вагнерианцев, присутствовавших на «Междисциплинарке»). Удивительно, что гости из «Вышки», раньше не слышавшие эту музыку, не знавшие, какому сюжету и какой философской направленности она соответствует, и свободные от гнета своего рода «культовости» этого произведения, невероятно точно определили характер и смысл музыки, назвав среди прочего то, что она постоянно держит в напряжении по предчувствию чего-то катастрофического и неотвратимого. Вот такое подтверждение необъятной гениальности Рихарда Вагнера, музыка которого, как оказалось, при своей «технической» сложности и гармонической запутанности не только становится уделом вагнерианцев и узких специалистов, но точно так же трансформирует и «изматывает» души тех, кто не занимается музыкой профессионально…

На меня встреча произвела поражающе приятное впечатление. Сидеть можно было бы целую ночь, если бы не прекрасный снегопад – один из первых в этом сезоне. Может быть, снег решил пойти именно из-за того, что у нас было так хорошо?

Наталия Абрютина,
студентка
I курса KФ

Услышать друг друга

Авторы :

№ 1 (117), январь 2012

Латышская пословица гласит: «Не начинай ничего не вовремя». Музыка Латвии в Рахманиновском зале зазвучала вовремя, без промедлений, а именно – 13 октября, в 19 часов, в рамках проекта «Европа глазами россиян. Россия глазами европейцев».

Проект был запущен в консерватории в марте прошлого года. Специально для этого ведущие композиторы каждой страны написали сочинения, так или иначе связанные с культурой и национальным колоритом России. Ответный жест потребовался и от русских авторов. Для участия в проекте была приглашена композитор Гундега Шмите, прозвучали сочинения и других латышских авторов – Андриса Дзенитиса и всемирно известного Петериса Васкса. С российской стороны откликнулись Ольга Бочихина и Ярослав Судзиловский.

В исполнении ансамбля «Студия новой музыки» под управлением Игоря Дронова в концерте прозвучали три мировые премьеры: два сочинения, посвященные Латвии, одно – России. Интересно, что все композиторы подошли к проникновению в новую национальную культуру с похожих позиций – фольклора, архаики, даже сказки. А это большой шаг к осуществлению главной задачи, которую профессор В. Г. Тарнопольский, художественный руководитель проекта, сформулировал как «услышать друг друга».

Ярослав Судзиловский латышские мотивы увидел непосредственно во дворе консерватории, «на фермате»: родина В. Мухиной – скульптора памятника П. И. Чайковскому – Рига. В сочинении «Чайcolossus» памятник представляется композитору неким хранителем особого замедленного времени консерватории. Опыты музыканта в поиске новых тембровых оттенков хорошо известны. В этом сочинении помимо звуковых исканий воплощается идея «некого универсального жанра, качественно иного направления для академической сцены». Притча для препарированной виолончели, поющего виолончелиста и большого барабана вначале может шокировать «академического» слушателя: звероподобные звуки, направляемые внутрь барабана автором-исполнителем и сопровождаемые шумами виолончели, воспринимаются очень эксцентрично. Однако, вслушиваясь, понимаешь, что сочинение-перформанс «расширяет подсознание» не только «для человека на сцене», как это определяет Я. Судзиловский, но и для человека в зале.

Замысловатое название произведения Ольги Бочихиной «Koru Kari» для камерного оркестра восходит к латышской народной традиции состязания хоров. Кроме хоров в соревнованиях участвовали различные ансамбли духовых, народных инструментов, среди которых необычны состязания коклеистов (исполнителей на кокле – латышских гуслях). Композитор комментирует сочинение: «В моей пьесе есть метафорическое состязание двух образов – кокле и пастушьего рожка, группы струнно-щипковых и духовых инструментов, лиры и авлоса… Это битва инструментальных миров. Как решится спор в этот раз?» Вопрос риторический. Но контраст антифонных звучностей явно присутствует как «заземленное» и «писклявое». Автор выбирает самые разнообразные приемы звукоизвлечения: скрежет по струнам арфы, дышание в духовые инструменты; продуманы каждый жест, движения и расстановка исполнителей. Это настоящий инструментальный театр, где национальные традиции показаны самыми современными средствами.

Яркое впечатление произвели «Мистицизмы» Гундеги Шмите, инспирированные живописью Марка Шагала. До этого композитор уже обращалась к художественному творчеству в качестве основы сочинения: в 2003 году был написан цикл по картинам Ван Гога. «Меня интересует звук, его нюансы и сонористические возможности, поэтому я ищу нетрадиционные составы инструментов, – говорит автор. Особое внимание уделяю нюансировке и тонкости игры». Все это относится и к новому сочинению. Пять картин – пять пьес в цикле. Интересно, что в латышском произведении ясно ощущалась русская атмосфера, пропущенная через художественный объектив Шагала.

Радостно, что возможность услышать друг друга есть не только у композиторов, но и у слушателей!

Ольга Бальцевич,
студентка IV курса ИТФ

«Мерзляковке – 120!»

№ 1 (117), январь 2012

Этот остров музыкальный,
то счастливый, то печальный,
Возвышается в тиши.
Этот остров неизбежный,
Словно знак твоей надежды,
Словно флаг моей души.

Б. Окуджава

…Проходишь по Гоголевскому бульвару, огибаешь храм Феодора Студита, сворачиваешь налево. И через пару шагов – вот она, родная Мерзляковка! Торжественным концертом 15 декабря в Большом зале консерватории Академический музыкальный колледж при МГК имени П. И. Чайковского отметил солидную дату: 120 лет со дня основания.

От 22-х человек, начавших свое профессиональное становление в Общедоступном музыкальном училище В. Ю. Зограф-Плаксиной 12 октября 1891 года, и до сегодняшнего дня – в комплексе, включающем в себя начальное и среднее профессиональное образование, – тянется прочная нить проверенных уже более чем столетним существованием традиций.

«Мы очень волнуемся. Но все будет здорово!» ‑ такими словами завершил свою приветственную речь директор колледжа В. П. Демидов. И все действительно получилось! В течение двух отделений перед зрителями предстал калейдоскоп самых разнообразных и талантливых номеров.

Первая часть концерта была отдана малым формам и солистам. Каждый отдел колледжа был представлен максимально широко: струнный выдвинул ансамбль виолончелистов – учеников класса проф. А. Н. Селезнева, ансамбль солистов «Премьера» (худ. руководитель проф. И. А. Дронов, дирижер В. Ю. Таланов) и примкнувший к ним ансамбль скрипачей Детской музыкальной школы АМК при Московской консерватории (худ. руководитель А. В. Вандышева).

Духовой отдел выступил как в камерном ансамбле, так и сольно. Квинтет Ф. Вольбаха исполнили Дарья Редина (фортепиано), Мария Шарпило (гобой), Дмитрий Артемов (кларнет), Иван Шатковский (фагот), Филипп Бесядовский (валторна, класс преп. Т. Н. Голик). Концертная фантазия на темы из оперы «Норма» В. Беллини – Д. Ловрельо прозвучала в блестящей интерпретации Алексея Заводова и Марии Шарпило (классы проф. Р. О. Багдасаряна и В. Н. Тамбовцева).

Яркими сольными номерами стали Речитатив и ариозо Эвридики из оперы «Орфей и Эвридика» Й. Гайдна (Карина Демурова, класс преп. Г. С. Королевой) и Тарантелла из Второй сюиты для двух фортепиано С. Рахманинова. Исполнители – студенты IV курса Максим Кинасов и Александр Широков (класс преп. Т. В. Директоренко) ‑ поразили публику захватывающим потоком музыкальной силы и вдохновения.

Квинтет солистов – Елена Безгодкова, Юлия Караваева, Константин Сучков, Рубэн Навасардян, Михаил Винницкий и ансамбль «Премьера» с успехом представили отрывок из оперы Д. Чимарозы «Импресарио в затруднении» в постановке Игоря Ушакова. Знаменательное окончание первого отделения – ведь традиции оперных постановок силами студентов колледжа уже более 100 лет! Через 7 лет после основания, в 1898 году, в училище была поставлен первый спектакль ‑ опера И. Н. Протопопова.

Во втором отделении на сцене царили оркестр (худ. руководитель и главный дирижер проф. А. А. Левин) и хор (худ. руководитель Л. Н. Павлов) колледжа. Был исполнен знаменитый Вальс из балета «Спящая красавица» Чайковского, а Концерт для виолончели с оркестром ля минор К. Сен-Санса предстал в интерпретации талантливых выпускников колледжа: дирижера Тимура Зангиева и победителя XIV конкурса им. Чайковского Нарека Ахназаряна. Блестящее выступление вызвало бурные овации публики, которая долго не хотела отпускать музыкантов со сцены. Триумфальным завершением вечера стало исполнение Фантазии для фортепиано, хора и оркестра ор. 80 до минор Бетховена (солист Андрей Писарев). Масштабное многоголосное звучание торжественного финала подвело итог всему юбилейному концерту.

Поздравляя родное училище, желаю ему модернизироваться и развиваться, сохраняя и приумножая вековые традиции и опыт великих педагогов. И не забывать замечательные слова Б. Окуджавы из стихотворения «Мерзляковский переулок»: «Даже если зло восстанет, даже если перестанет мир права свои качать – будет музыка звучать!»

Ольга Ординарцева,
студентка III курса ДФ

Любимая Италия

Авторы :

№ 9 (116), декабрь 2011

«Натюрморт студентам показывать пока не рискую: боюсь голодных обмороков…» – я думаю, многие сразу вспомнили всеми нами любимого Василия Григорьевича Кисунько… 5 ноября в Рахманиновском зале состоялся вечер «Любимая Италия», посвященный памяти профессора. У многих, наверное, возникает вопрос: «Но почему именно Италия?» Эта страна – синоним культуры, искусства и истории, и именно здесь Василий Григорьевич стажировался в 1981-1982 годах.

В концерте, который был полностью посвящен Италии, звучала музыка разных эпох: и хорошо знакомые слушателям композиторы, такие как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Джироламо Фрескобальди, Доменико Скарлатти, Джакомо Пуччини, Джузеппе Верди, и не очень знакомые – Джулио Бриччальди, Акилле Симонетти. В концерте принимали участие студенты и выпускники Московской консерватории и ВГИКа, где работал Василий Григорьевич.

В переполненном Рахманиновском с трудом удалось найти место на подоконнике, и с самого начала в зале возникла теплая атмосфера. Музыкальные номера были «разбавлены» видеосюжетами, которые подготовили Ян Ионов и Мила Разгон, а также Владимир Ефременко и Анастасия Бельская. Среди музыкальных номеров были сольные – Мария Лесовиченко (клавесин), Елена Тарасова (фортепиано), Вера Альперович (фортепиано), Михаил Турпанов (фортепиано); дуэты – Мария Лесовиченко и Анастасия Лесовиченко (гобой), Юлия Покровская (скрипка) и Иван Покровский (скрипка); Анна Ларионова (альт) и Елена Власова (фортепиано); вокальные номера – Екатерина Шевалдина (сопрано) и Алиса Куприёва (партия фортепиано), Людмила Ляхова (меццо-сопрано) и Михаил Турпанов; звучал духовой квинтет консерватории «Modus Vivendi».

В завершение концерта состоялась премьера короткометражного фильма «Полет…» (режиссер – Ян Ионов), в котором была использована запись мотета «Tu es Petrus» Дж. Палестрины в исполнении вокального ансамбля «Intrada» (художественный руководитель – Екатерина Антоненко). Это действительно был Полет, и, может, оказавшись ненадолго в небе – мы смогли стать ближе к Василию Григорьевичу…

Концерт был полностью подготовлен преподавателями Московской консерватории – Еленой Тарасовой и Романом Кузьминым и, конечно же, студентами, которые помнят и любят Василия Григорьевича. Каждый, кто выходил на сцену, выкладывался на все 100 процентов. Это чувствовалось, и стоит сказать «cпасибо!» всем, кто участвовал в организации.

«Что такое музыка? Это организация звукового материала»… – говорил Василий Григорьевич. И любил вспоминать: «После лекции подходит ко мне “утонченная” натура, как правило, мужского пола и говорит, запинаясь и нервничая: “Но… ведь это же не просто… организация… звукового материала?..” На что я отвечаю: “Я и не говорю, что просто. Это очень непросто“».

Снежана Сунцова,
студентка
IV курса ИТФ

Редкая гостья

Авторы :

№ 8 (115), ноябрь 2011

Просмотрев афишу всех консерваторских залов на несколько месяцев вперед, убеждаешься: современной музыке в ней отведено весьма скромное место. В основном мелькают имена Баха, Бетховена, Моцарта, Шумана (нередко отдельные произведения и даже целые программы звучат несколько раз за сезон). Чтобы встретить сочинения новых авторов (как русских, так и европейских), приходится потрудиться.

Консерватория ежегодно выпускает 10-15 молодых композиторов – где же звучать их музыке, как не в стенах Alma Mater? Однако она нередко вообще остается неисполненной либо звучит в филармонических залах, галереях современного искусства, на различных площадках страны и даже Европы – словом, везде, кроме консерватории. К сожалению, это наши реалии, но бывают и приятные исключения.

Одним из таких исключений стал сентябрьский музыкальный фестиваль «Творческая молодежь Московской консерватории». В рамках форума были заявлены не только выступления молодых исполнителей, но и композиторский концерт, посвященный творчеству выпускников 2011 года, а ныне аспирантов Композиторского факультета, лауреатов всероссийских и международных конкурсов Александра Хубеева и Николая Попова.

Концерт состоялся 19 сентября в Рахманиновском зале. Первое впечатление заставило задуматься – лестница перед входом в зал была заполнена гостями: здесь были и профессура, и студенты, и просто заинтересованные слушатели. Такой публикой мог бы гордиться любой исполнитель – понимающая, чуткая, готовая к адекватному восприятию. На всем протяжении концерта в зале царила сосредоточенная, но в то же время доброжелательная атмосфера. Причем, по словам организаторов и исполнителей вечера, никакой специальной работы по приглашению слушателей не проводилось – обычные афиши, обычная интернет-рассылка… Это еще раз подтверждает неоспоримый факт: современная музыка интересна слушателю и очень востребована. При правильной подаче.

В концерте приняли участие два коллектива – «Ансамбль ударных инструментов» под руководством Марка Пекарского и ансамбль «Галерея актуальной музыки» под руководством Олега Пайбердина. Программа была выстроена очень умно: чередовались пьесы с электроникой и без нее, с видеорядом и без него; звучала и собственно акустическая музыка. В процесс чередования были вовлечены и исполнители – ансамбли также попеременно сменяли друг друга.

Композиторы представили слушателям актуальный продукт для своего времени: новые формы, новые звуки, новые возможности в сочетании инструментов. Были использованы и видеоряд, и электроника, и элементы инструментального театра. Естественно, для осуществления замыслов, отвечающих сегодняшним реалиям, необходимо соответствующее техническое оснащение. Оно было предоставлено Центром электроакустической музыки Московской консерватории, которым руководит профессор И. Л. Кефалиди. Было сделано все, чтобы заинтересовать слушателя, погрузить его в состояние чего-то нового, порой эпатажного.

По словам А. Хубеева, его интересует, что именно в звуке можно использовать как объект. Нередко за основу берется необычный материал. Например, в пьесе для ансамбля ударных «Glassary» автор создал своеобразный словарь приемов игры на стаканах, что отражено в названии (оно образовано от «glass» /стакан/ и «glossary» /словарь/). Для ее исполнения необходимы 8 стаканов, 6 пластиковых карточек, 4 смычка, 4 спицы и 4 линейки. На протяжении сочинения композитор находит все новые инварианты их звучаний. Первая и заключительная часть – монотембровы, в них использованы разнообразные приемы игры лишь на стаканах; в среднюю часть вовлекаются другие названные предметы.

Украшением вечера стала музыка к польскому анимационному кино второй половины XX века. В работе над фильмом «Kundelku ujadaj perelko rob pieklo» А. Хубеев оттолкнулся от структуры изображения, которая состоит из шести блоков. К каждому из них композитор создал тембровую зарисовку, исходя из единства звука и «картинки». А в мультфильме «Флаг молодых», созданном в 60-е годы (реклама популярного печатного издания), композитор Н. Попов избирает другой путь. Изображение пестрит хроникой того времени, а музыка представляет собой единый крещендирующий пласт, в котором, как некий символ эпохи, время от времени возникают ритмы танго.

(далее…)

Сохраним традиции?

Авторы :

№ 6 (113), сентябрь 2011

В прошлом году мне посчастливилось попасть на все концерты абонемента, который ежегодно устраивает Фольклорный ансамбль Московской консерватории. Его участники – в основном бывшие и нынешние воспитанники консерватории, для которых пение в ансамбле – занятие для души, способ творческой реализации. Цикл из трех концертов назывался «Музыка русских календарных праздников» и был построен на смене времен года: «лето – осень», «зима», «весна».

Каждый раз профессор Н. Н. Гилярова, художественный руководитель ансамбля, приглашает гостей. В первом концерте выступили фольклорный ансамбль Санкт-Петербургской консерватории и московский ансамбль «Народный праздник». На второй были приглашены народные исполнители станицы Казанская Краснодарского края, ансамбль «Околица» ДШИ им. С. П. Дягилева (Зеленоград), фольклорные ансамбли «Ромода» и «Веретенце». Гостями третьего были фольклорные ансамбли «Аринушка» из Вильнюса и «Межа» из Твери.

Наиболее интересным для меня оказался второй концерт. Его программа включала песни разных регионов России, которые исполняли дети и совсем уже пожилые бабушки и дедушки. Публика в зале была самая разнообразная – и любители народной музыки, и профессиональные музыканты, и родители детей, участвующих в концерте. Были даже иностранные гости. Атмосфера в зале царила доброжелательная, а чтобы зал не скучал, ансамбль Натальи Николаевны придумал интересную забаву: у желающих попросили кольца и начали гадать (женщине, сидевшей неподалеку, выпало: «Будет у тебя муж из соседней деревни»). Но самыми запоминающимися для меня и, думаю, для многих в зале были дети. Они не просто пели, а очень органично двигались на сцене, – так, что и мне тоже захотелось пойти в пляс. Особенно хорошее впечатление осталось от выступления мальчиков, которые были открытыми, не скованными и танцевали от души!

(далее…)

Быть «правильным» – ужасно для искусства!

Авторы :

№ 5 (76), май 2007

Одним из интереснейших событий прошедшего фестиваля «Московский форум» стал приезд Марка Понтюса, прославленного интерпретатора современной музыки. Марк Понтюс – пианист, дирижер, лауреат премии Тэнна за достижения в области искусств. Один из первых исполнителей сочинений Ксенакиса, Штокхаузена, Булеза, он основал в Нью-Йорке Институт Современной Музыки, где ведет теперь спецальный курс и ежегодно устраивает фестивали, приглашая на них музыкантов со всего мира.

Московский концерт М. Понтюса носил примечательное название «Молоточковый клавир и мастер»: французский пианист блестяще исполнил сонату ор. 106 (für das Hammerklavier) Бетховена и вторую сонату Булеза. Эти произведения, по его словам (из буклета), «будто раскаленным клеймом отметили свое время в области, более обширной, нежели только музыкальная. Они открыли сферы, где мощно проявлены динамические силы мысли, …где мысль и синтаксис образуют взрывчатое вещество чистой энергии, продолжение ницшеанского опыта. Эти сочинения достигают пределов в вопросе об эпистемологическом фундаменте музыкального события».

Каждое из произведений – признанная вершина пианизма в соответствующих стилевых направлениях. И каждое из них представляет огромные сложности для исполнителя, хотя, конечно, разного рода. Сочинение Булеза требует прежде всего постижения его музыкального языка. Однако вряд ли можно считать, что уже установился определенный эталон интерпретации (при том что сегодня существуют разные записи). Произведение же Бетховена в наше время имеет классические традиции исполнения, выражающиеся, помимо прочего, в высочайшем техническом уровне пианизма. С. Е. Фейнберг писал в частности, что «пианист, решивший изучить и освоить это величайшее из всех сонатных произведений, должен учесть диапазон своих виртуозных данных: память, техническое совершенство, выдержку, свой лирический дар – и силу руки, гармоническую чуткость и отчетливость голосоведения».

Исполнение М. Понтюса, блистательное в техническом отношении, поражает глубиной и мощностью его интерпретаций, оригинальной трактовкой сонаты Бетховена. Кроме того, отнюдь не случайно объединены в одном концерте столь различные произведения. По мнению М. Понтюса, соната Булеза «берет некоторые конструктивные элементы от «Hammerklavier». В широком смысле она использует те же пропорции и те же формальные очертания, возникающие в сходных измерениях и общих структурах организации». И это родство, вплоть до мельчайших интонаций, ясно слышится при исполнении французского пианиста!

Концерт в целом оставил столь яркое и необычное впечатление, что возникло желание ближе познакомиться с личностью музыканта, его школой, взглядами на проблемы интерпретации, музыкальное образование и проч. Господин Понтюс любезно согласился уделить нам время и рассказать о себе:

Я учился игре на фортепиано сначала в Париже у ассистентки Корто (мадам Паскурель), затем у Клаудио Аррау. Занимался дирижированием у Пьера Дерво (Париж), Франко Феррара (Рим), а также в Джульярдской школе (Нью-Йорк), изучал философию в университете Нью-Йорка. Однако я предпочитаю говорить не о лицах, а об идеях.

Я не отделяю философию от литературы или поэзии. В эпоху Ницше, например, для меня большим философом был Артюр Рембо. То же и в других сферах – в театре, в пластических искусствах, в музыке. Работа философской мысли не должна быть отделена от музыкальной работы. Меня сейчас интересуют труды Мишеля Фуко и Жиля Делёза, и для меня естественно находиться в некоей сфере деятельности, которая не имеет границ между разными интеллектуальными областями. Это позволяет иметь более широкие взгляды, без оков конформизма.

Конформизм, то есть пассивное принятие господствующих мнений, консерватизм, косность – вот проблемы музыкального образования. В отличие от образования в других искусствах оно требует очень долгого времени (художнику, например, не надо стольких лет для подготовки). В результате при специализации инструменталистов возникает опасность рутины: молодые музыканты учатся соответствовать определенным шаблонам вместо того, чтобы искать свой собственный путь. И это особенно проявляется в работе над техникой. Среди пианистов, скрипачей есть много молодых людей, которые, работая над пьесой, повторяют ее огромное количество раз, вследствие чего происходит своего рода отрицание мысли. Часто это создает трудности в работе над сложными вещами в современной музыке. Молодые музыканты, которые сформировались на классических сочинениях (что я считаю необходимым), иной раз теряют контакт с мыслью, предпочитая физический способ – «думать через руки», что, на мой взгляд, ужасно. Другая проблема – разделение в интеллектуальном плане композиторской и исполнительской деятельности.

Есть много инструменталистов, которые слишком долго учатся под руководством педагогов. Они думают, что получат всё, в чем нуждаются как артисты. Но то, в чем музыканты действительно нуждаются, они должны создать сами! Однажды по просьбе своего друга я слушал его ученика, который играл на концерте «Hammerklavier». Это был молодой блестящий пианист. После концерта мы разговаривали с его педагогом. И я уловил проблему: этот пианист играл «Hammerklavier» для своего педагога! По-моему, необходимо быть одному перед лицом такого сочинения и иметь с ним прямой контакт. Образование, которое получают от других людей, – помогает пониманию, но это же отрывает от прямого контакта с сочинением…

Я учу текст очень тщательно по разным изданиям, чтобы сделать выбор, узнать сочинение по возможности лучше. Проделав эту интенсивную работу, я затем полностью освобождаюсь от всего: от нот, от изданий. Надо почти «сжечь» их в уме, чтобы быть свободным! Свободным и от ожиданий публики. Ведь когда публика имеет представление о том, что должна услышать, она и услышит то, что имеет в голове, а не то, что ей преподносят. А это сильно ограничивает, так как Бетховен, например, на самом деле намного шире.

Нет одного способа играть. Если есть только одна манера игры – то это худшая манера. Есть столько перспектив! В современной музыке у публики нет такого четкого и определенного ожидания, и это позволяет вырваться из оков рутины. Когда я замечаю, что в моем исполнении есть что-то, принадлежащее какой-либо «школе», то я меняю направление поисков. То же самое – и при анализе музыки. Нужно составить себе представление, какие элементы и структуры важны для сочинения. Нельзя, однако, довольствоваться только сложившимися идеями о сочинении, взгляд на музыкальное произведение как на нечто неподвижное – не годится. Необходимо стараться выработать способ анализа, близкий к реализации произведения в живом времени. И это тоже может быть проблемой. Важно знать разные точки зрения, но надо иметь смелость для собственного поиска.

Чтобы найти свой путь, иной раз приходится делать много ошибок. Однако надо приобретать опыт и не бояться быть «неправильным». Быть «правильным» – ужасно для искусства! Это подходит для администраторов, но не для артистов…

С М. Понтюсом беседовала Е. Дубравская,
студентка
III курса

Петербургские встречи: возрождение традиций

№ 4 (75), апрель 2007

Как важно общение между людьми! Особенно между людьми творческих профессий. С 21 по 24 марта состоялась концертная поездка в северную столицу студентов II курса композиторского факультета в составе: А. Ващина, А. Кравцов, Н. Прокопенко, А. Сеилова, А. Стрельникова, Е. Старенкова, А. и Т. Шатковские.

Санкт-Петербургская консерватория во главе с ректором А. В. Чайковским организовала два концерта-встречи, в которых участвовали петербургские и московские студенты-композиторы. В камерном зале прозвучала инструментальная и вокальная музыка. Ансамбль студентов МГК п/у Юлии Тихоновой с большим успехом исполнил хоры собственного сочинения и народные песни.

Сопровождавшая студентов композитор Т.А.Чудова сказала: «Творческий обмен между студентами-композиторами Петербурга и Москвы – процесс чрезвычайно интересный и нужный. Хочется верить, что такие концертные поездки будут продолжаться. Ждем петербуржцев в Москве!».

Хочется выразить благодарность всем, кто организовал это культурное мероприятие: декану композиторского факультета МГК проф. А. А. Коблякову, ректору Санкт-Петербургской консерватории проф. А.В.Чайковскому, декану композиторского факультета Санкт-Петербургской консерватории проф. А. Д. Мнацаканяну, композитору С. В. Лавровой.

Анна Стрельникова,
студентка
II курса

12 марта 2007 года в Малом зале Санкт-Петербургской консерватории им. Н. А. Римского-Корсакова состоялся концерт «Профессор Вениамин Савельевич Марголин и его ученики», посвященный выпуску в Голландии новой трубы «Марголин». Выдающийся трубач России, В. С. Марголин более 30 лет был солистом симфонического оркестра Ленинградской филармонии п/у Е. А. Мравинского. В 1998 г. он был удостоен золотой медали Американского географического института в номинации «Лучшие трубачи XX века».

В концерте принимали участие ученики профессора Марголина – студенты и уже зрелые музыканты. По приглашению консерватории Санкт-Петербурга в концерте выступил брасс-квартет МГК (класс преп. А. В. Раева) в составе: Михаил Гели (труба), Андрей Ершов (труба), Антон Илюшин (тромбон), Сергей Коршилов (туба). Ребята достойно представили московскую школу, прекрасно исполнив «Квартетино» Х. Фугераса.

Теплый, душевный прием москвичей на питерской сцене подтвердил, что вся творческая элита Московской и Петербургской консерваторий приветствует возобновление тесных контактов и совместных проектов двух вузов. Санкт-Петербургская консерватория прислала благодарственное письмо, в котором особо отмечено мастерство нашего квартета и выражена уверенность в продолжении взаимного сотрудничества ведущих консерваторий России.

Коллектив брасс-квартета выражает особую признательность за поддержку ректору МГК проф. Т. А. Алиханову и зав. кафедрой духовых и ударных инструментов проф. В. С. Попову.

Солисты брасс-квартета

Творческие встречи

Авторы :

№ 2 (73), февраль 2007

Музыковед, оканчивающий консерваторию, знает огромное количество музыки – средневековой и барочной, классической и романтической… А знаем ли мы так же хорошо творчество тех, кто живет рядом с нами и создает сегодня музыку, которая, возможно, когда-нибудь станет классикой?

Увы, ответ на этот вопрос чаще всего отрицательный. Вероятно, еще и потому, что творчество наших современников в общем-то и не очень известно, и не всегда понятно. Ведь для того, чтобы понять современную музыку, зачастую недостаточно даже самого развитого музыковедческого аппарата. Требуется комментарий самого автора. Поэтому встречи с современными композиторами – вещь очень важная, хотя и трудно организуемая.

В Московской консерватории с недавнего времени существует Клуб молодых композиторов, куда приглашаются как очень известные мастера – такие как Гия Канчели, Андрей Эшпай, Эдуард Артемьев, так и авторы, только начинающие свой путь. Организаторы клуба – необыкновенно деятельные выпускники консерватории — композиторы К. Бодров и А. Гущян.

Хотелось бы вспомнить о прошедшей недавно в клубе встрече с Виктором Екимовским. Весьма интересный современный автор, он находится в самом расцвете сил и таланта. На встрече композитор кратко рассказал о принципах своего творчества. У меня вообще сложилось впечатление, что он не очень любит теоретически анализировать свои сочинения, предпочитая в отведенное время показать больше музыки.

В числе прочего он поставил запись сочинения – «Вечное возвращение» для бас-кларнета, которое осталось у меня в памяти благодаря своей оригинальной идее. Известно, что Екимовский много работает в излюбленной алеаторической манере, что отчасти было заметно и здесь. С другой стороны, это произведение все же не алеаторическое. Оно абсолютно точно зафиксировано в нотах, но сыграть его каждый раз одинаково практически нереально, что отметил и сам автор.

В. Екимовский – очень живой и открытый в общении музыкант. Встретиться с ним было по-человечески приятно, за что все присутствующие благодарны руководству Клуба.

Наталья Кравцова,
студентка
IV курса