Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

На пути к успеху

Авторы :

№2 (181), февраль 2019

27–29 января 2019 года в образовательном центре «Сириус» города Сочи состоялась III Всероссийская конференция «Путь к успеху», в которой приняли участие 150 студентов, получающих гранты Президента России. Ведущие педагоги, научные работники, ученые и представители высокотехнологичных компаний – всего более 800 человек – собрались, чтобы обсудить стратегию поддержки одаренных детей и талантливой молодежи, а также актуальные вопросы в рамках национального проекта «Образование». Организатор конференции – фонд «Талант и успех» – предложил уникальную площадку для выявления и поддержки одаренной молодежи.

Самым обсуждаемым вопросом конференции оказалось создание региональных образовательных центров, подобных «Сириусу». По его модели на данный момент уже работают 27 организаций, в которых подрастающее поколение сможет получить комплексное образование. Его особенность заключается в том, что ребенок имеет возможность полной реализации своего потенциала в стенах одного здания, независимо от места жительства и социального положения, а также практикует свои навыки и умения под руководством передовых специалистов в данных областях.

Студенты активно работали на конференции – принимали участие в рабочих совещаниях, которые были разделены на небольшие группы в целях генерирования новых идей и способов улучшения образования в стране. Как непосредственные участники образовательного процесса они также получили возможность представлять главные проблемы в своих сферах деятельности.

Специальными гостями события стали А. Фурсенко, помощник президента Российской Федерации; Е. Шмелева, руководитель Образовательного фонда «Талант и успех». Из мира искусства были приглашены С. Андрияка, ректор «Академии акварели и изящных искусств С. Андрияки»; В. Пясецкий, директор ЦМШ при МГК им. П.И. Чайковского; Е. Гудова, директор МГКМИ им. Ф. Шопена и другие.

Главными темами секции, посвященной основным путям развития музыкального образования среди детей и юношества, стали наиболее злободневные: проблема сохранения и приумножения традиций исполнительского искусства, система работы с одаренными детьми как и содействие их дальнейшему профессиональному развитию, а также продвижение академической музыки – одной из важнейших составляющих духовно-нравственного воспитания молодого поколения.

В рамках конференции прошел скрипичный мастер-класс лауреата XV Международного конкурса им. П.И. Чайковского и многих других престижных конкурсов Павла Милюкова. В нем приняли участие студентки Московской консерватории Ангелина Гвоздарева и Зиновия Нестеренко. А в завершение вечера состоялась творческая встреча с артистом, который выбрал для исполнения в стенах «Сириуса» Скрипичный концерт №1 Ф. Мендельсона, написанный юным гением в возрасте 13 лет. Присутствующим представилась уникальная возможность услышать звучание одной из скрипок Страдивари,  изготовленной в начале XVIII века. В данный момент инструмент принадлежит Государственной коллекции.

Конференция подарила участникам шанс задать вопросы экспертам во многих областях науки и искусства, обогатиться опытом ведущих специалистов, расширяя свои знания и представления о разных сферах деятельности, получить консультацию и поддержку для реализации грантовых проектов. И, конечно же, для всех это был заряд вдохновения, энергии и мотивации для дальнейших свершений.

Юлия Милонова, II курс ИТФ

Балет читаемый, играемый и танцуемый

Авторы :

№1 (180), январь 2019

Самая громкая прошлогодняя премьера Большого театра – балет «Нуреев» – продолжает собирать полный зал и в нынешнем сезоне. В октябре уже были даны три представления. Ожидаются и февральские спектакли.

Ажиотаж вокруг новой постановки Кирилла Серебренникова (автор либретто, режиссер и сценограф), Юрия Посохова (хореограф) и Ильи Демуцкого (композитор) продолжался вплоть до премьеры в декабре 2017 года. С одной стороны, интерес публики подогревал скандальный арест Серебренникова, которого обвиняют в краже государственных средств. Заключение режиссера получило широкий резонанс у культурной общественности и спровоцировало появление целого движения в поддержку обвиняемого. С другой стороны, дополнительный интерес вызвал перенос премьеры балета. В прессе начали распространяться слухи о том, что «Нуреев» попал в прокрустово ложе отечественной цензуры из-за пропаганды гомосексуализма. Однако дирекция Большого театра аргументировала это решение неготовностью спектакля ввиду нехватки репетиционного времени. И спустя полгода премьера состоялась.

Какими бы ни были догадки и предположения, сегодня каждый может купить билет и оценить качество благополучно прижившегося спектакля. Несмотря на то, что у Серебренникова есть действительно интересные картины и впечатляющие постановки, эта работа вряд ли станет долгожительницей. По существу, «Нуреев» – балет среднего уровня, и причины считать его таковым не имеют никакого отношения к ситуации с арестом режиссера.

В основе сюжета – биография Рудольфа Нуреева. Лейтмотивом всего спектакля задуман аукцион, где уходят с молотка личные вещи танцовщика. С него и начинается  действие. Далее сюжет разворачивается в соответствии с хронологией событий. Сначала – годы учения в Вагановском училище и первые шаги в труппе Кировского театра. Затем – скандальные парижские гастроли и обвинения в «нарушении режима нахождения за границей». На сцене между танцовщиком и советским строем возникают баррикады в виде железных ограждений. Нуреев сбегает, а оставшийся по эту сторону хор соотечественников самозабвенно поет «Родину-мать себе не выбирают». Тем временем, главный герой наслаждается обретенной свободой, проводя время в обществе трансвеститов на окраине Булонского леса. Затем, в качестве лирического отступления, зачитываются воспоминания коллег и учеников Нуреева. В сюжетной канве не обошлось и без известной фотосессии, где обнаженный Нуреев позирует перед камерой Ричарда Аведона. Завершает первое действие романтический дуэт главного героя с Эриком Бруном.

Во втором действии также не обошлось без пения и длинных прозаических текстов, разве что возросло количество блеска и пафоса. Какое-то время Нуреев находится на пике своей карьеры и купается в лучах славы. Дальше – внезапный срыв, неизлечимая болезнь и отказ от карьеры хореографа. В финале измученный артист занимает место дирижера и руководит показом сцены теней из «Баядерки». Последние такты балета завершаются глубокомысленным многоточием: оркестр умолкает, артист продолжает дирижировать.

Одним из режиссерских нововведений стало чтение и танцевальное иллюстрирование писем учеников, коллег и партнерш Нуреева. Всего было использовано пять текстов, чтение которых лишь добавляло «воды» в уже набравшееся «море» лишних комментариев. В целом режиссерская концепция «Нуреева» напомнила ликбез для непросвещенной публики, состоящий из банального пересказа биографии и назойливого комментирования сценического действия. Поэтому от ожиданий гениальных открытий и откровений пришлось отказаться еще в первом акте. Постановка походила, скорее, на лекцию – читаемую, играемую и танцуемую.

Партитура И. Демуцкого состояла, в основном, из удобных для хореографа стилизаций. При упоминании о ключевых партиях Нуреева прямолинейно цитировались  фрагменты из «Баядерки», «Лебединого озера», «Жизели», «Щелкунчика». О музыке «Нуреева» сложно говорить как о самостоятельной, индивидуализированной части постановки. Она выполняет, скорее, прикладную функцию, и при желании ее можно как конструктор разобрать на части и применить в любом другом проекте.

Хореография Ю. Посохова придется по вкусу, скорее, любителям традиционных постановок, привыкшим к эталонам классического балета. Поклонники авангарда вряд ли найдут в ней значительное количество радикальных жестов. Несмотря на то, что жанр постановки обозначен как балет, танец в ней не занимает главенствующего положения. Создается впечатление, что хореография в этом синтетическом действе остается в тени режиссерской концепции Серебренникова.

Страсти, развернувшиеся вокруг премьеры «Нуреева» и дела «Седьмой студии», никак не повлияли на дальнейшую судьбу постановки в Большом театре. Горькие сожаления о том, что балет никогда не увидит сцену – в прошлом, и все, кто хотели взглянуть на «запретный плод», получили такую возможность. Но, несмотря на эффектный старт «Нуреева», степень жизнеспособности этого произведения справедливо определит только время.

Алина Моисеева,

I курс, муз.журналистика

Фото Дамира Юсупова

Москва «стóит Мессы»

Авторы :

№1 (180), январь 2019

Этой осенью в Москве уже в седьмой раз состоялась ежегодная музыкальная выставка-форум NAMM Musikmesse Russia, которая собрала в одном месте большое число производителей музыкальных инструментов и звукового оборудования. В выставочном центре «Сокольники» развернулся целый город с открытыми и закрытыми площадками, на которых проходили не только презентации, но и мастер-классы, лаборатории, форумы и даже мини-фестивали. Полнедели в четырех павильонах, пяти конференц-залах, студии звукозаписи («Черный кабинет»), у бесчисленного количества стендов и на уличной сцене звучало абсолютно все (а в павильон с ударными установками даже заходить было страшно!).

Поскольку NAMM Musikmesse посвящена различным звуковым технологиям, стилистических ограничений здесь нет. Если пройтись по павильонам, можно услышать как музыку Рахманинова, так и блюзовые композиции Би Би Кинга, можно забрести на фестиваль гитарной музыки Daddario Guitar Festival или просто обнаружить популярных исполнителей и представителей музыкального блоггинга.

Для любителей музыки на улице развернулся огромный флэшмоб, где около сотни непрофессионалов исполняли известные рок-хиты. Для представителей музыкальной индустрии выставка стала площадкой для продвижения собственного бренда, налаживания связей и поиска партнеров. На стендах были представлены новенькие рояли «Аккорд», которые все желающие могли протестировать, а по факту можно было без зазрения совести позаниматься учебной программой по фортепиано (студентам на заметку: в следующем году выставка будет проходить там же с 12 по 14 сентября).

Впрочем, для образованного музыканта основная часть мероприятий не представляла особого интереса: порой было забавно наблюдать, как некие гитарные блоггеры пытаются рассуждать о музыкальной философии, мало что понимая в том, о чем они говорят. Названия некоторых лекций и мастер-классов (например, «как стать эффективным собственником музыкальных произведений», «как начать писать музыку самому», «как музыканту пиариться в соцсетях», «имидж артиста – тренд или необходимость?») тоже не вызывали желания «культурно просветиться».

Но благодаря тому, что программа NAMM Musikmesse поистине огромная, были в ней и действительно интересные мероприятия. Как правило, это встречи с самыми топовыми (по меркам форума) музыкантами и блоггерами, на которые собирался полный конференц-зал. К таковым относятся, например, мастер-класс Александра Пушного, ведущего блог про электрогитары, домашнюю звукозапись и кавера; мастер-класс гитариста Сергея Маврина (группы «Ария», «Маврин»); встреча с блоггером, автором музыкально-образовательного канала «Нескучный саунд» Александром Зилковым и некоторые другие. Каждый из них показал то, что умеет, и не собирался учить публику. Например, посетители мастер-класса Маврина лишь слушали его композиции – и, пожалуй, это наилучший вариант.

Помимо перечисленного, в эти четыре дня проходили педагогические семинары и круглые столы для преподавателей музыки, музыкальная лаборатория «Muzzlab», конкурсы с розыгрышем призов. Хотелось бы сказать, что каждый смог найти то, что ему по душе – но это будет неправдой, если учитывать качество мероприятий, а также невозможность сориентироваться в бесчисленном количестве параллельных секций и выбрать для себя нечто нужное (а оно там определенно есть). Зато уж точно никто не отнимет полезнейшую функцию выставки как большого публичного репетитория.

Виталия Кононова,

II курс, муз.журналистика

Фото Анны Пигаровой

Шопен и его рояли

Авторы :

№8 (178), ноябрь 2018

В сентябре этого года список крупных фортепианных конкурсов, носящих имя Фредерика Шопена, пополнился еще одним. Однако от остальных его отличает историческая направленность: вся программа должна исполняться на инструментах, являющихся копиями или вовсе оригиналами шопеновского времени. Первый конкурс имени Шопена на исторических инструментах прошел в Варшаве сразу после фестиваля, посвященного его же музыке. Кажется логичным, что первое место в конкурсе взял польский музыкант, но особенно радостно, что им оказался Томаш Риттер, студент ФИСИИ. По его словам, опыт, полученный здесь, помог ему подойти к Шопену «с другой стороны». Членами жюри, кроме прочих музыкантских достоинств Томаша, было отмечено отсутствие типичных польских исполнительских клише.

Томаш Риттер – лауреат первой премии конкурса

Это событие стало поводом к встрече под названием «Шопен и его рояли». Один из членов жюри, профессор Алексей Борисович Любимов, поделился впечатлениями об организации и уровне исполнителей. Томаш рассказал о конкурсе с позиции участника, а выступление реставратора Алексея Ставицкого было посвящено тонкостям его мастерства. И, разумеется, главной темой встречи были рояли: оригиналы и копии, особенности и отличия, нюансы звучания и яркая индивидуальность каждого.

Для конкурсных прослушиваний участникам предоставлялось пять инструментов на выбор: две копии и три оригинальных рояля XIX века. Из предложенных Институтом Шопена мастерами и коллекционерами роялей были отобраны следующие: Эрар (Erard) 1837 г. из коллекции Э. Бьонка; Плейель (Pleyel) 1842 г. из коллекции Э. Бьонка (инструменты именно этого производителя Шопен ценил больше остальных); Бродвуд (Broadwood) 1847–1948 гг. из коллекции Криса Маане; Фредерик Буххольц (FBuсhholtz), копия 1825 г. работы Пола МакНалти; Граф (Graf), копия 1819 г. работы Пола МакНалти.

Erard 1838 г. из коллекции Института Ф. Шопена. Фото Waldemar Kielichowski Institute of Music and Dance Warsaw

На встрече были просмотрены записи выступлений конкурсантов на этих инструментах, и разница между их звучанием оказалась даже более поразительной, чем можно было себе представить – каждый рояль имеет свой голос и неповторимый характер, и, конечно, требует особого подхода от музыканта. Все они отличаются друг от друга гораздо более принципиально, чем современные рояли, различные собой. О разнице первых и вторых не стоит и говорить: натяжение струн на нынешних инструментах больше едва ли не в два раза, а самый громкий нюанс на том же Плейеле – в веке XXI больше похоже на mp.

Институт имени Ф. Шопена, в стенах которого прошел конкурс, располагает огромной коллекцией оригинальных роялей XIX века. У конкурсантов была возможность познакомиться с каждым из них, и, по выражению одной из участниц конкурса, Елизаветы Малышевой (также студентки ФИСИИ), они чувствовали себя «как дети в кондитерской». Конечно, для любого музыканта, интересующегося историей своего инструмента или занимающегося историческим исполнительством профессионально, возможность прикоснуться к роялю, на котором мог музицировать сам Шопен, стала бы одним из самых сильных впечатлений. Здесь подобных впечатлений хватило на всех.

Конкурс стал результатом титанического труда, проделанного Институтом Шопена, его научной и практической работы по изучению и сохранению музыкального наследия XIX века, не ограничивающегося Шопеном и нотными текстами. Принципиальное отличие инструментов того времени от современных в корне меняет восприятие романтической музыки вообще. Конкурс не только поднял проблему сохранения исторических инструментов и традиций игры на них, но и собрал в одном месте истористов и академистов: в жюри бок о бок сидели представители и тех, и других. По словам А.Б. Любимова, при частных замечаниях к игре конкурсантов в решениях жюри возобладала объективность.

Действительно, затянувшийся спор между сторонниками привычной сегодня традиции и приверженцами исторически информированного подхода не имеет цели выявить победителя. Напротив, результатом взаимодействия этих течений являются такие невероятные мероприятия как Первый конкурс им. Шопена на исторических инструментах в Варшаве Хочется верить, что подобное бережное отношение к прошлому распространится повсеместно, и история исполнительского искусства выйдет на новый виток мастерства.

 Анна Брюсова,

IV курс ФИСИИ

В атмосфере весны и молодости

Авторы :

№8 (178), ноябрь 2018

26 и 27 сентября в МГИМ им. А.Г. Шнитке, недавно отметившего сто лет со дня основания, состоялась премьера оперы Родиона Щедрина «Не только любовь»  в постановке Алексея Большакова. Событие было организовано в честь юбилея ректора института Анны Иосифовны Щербаковой.  Спектакль осуществили силами студентов хора и оркестра оперной студии. Дирижером-постановщиком стал заслуженный артист России, профессор И.Ю. Громов, хормейстерами – Екатерина Наумова и Сергей Марков, балетмейстером – Нелли Бондаренко.

«Не только любовь» (1961) – первая опера Щедрина. Сюжет ее обращен к жизни простых людей, работающих в колхозе. Основой сценических коллизий становится любовный треугольник, возникший между принципиальной, требовательной к себе и к другим председателем колхоза Варварой Васильевной, слабохарактерным и самовлюбленным Володей и искренне любящей Володю дояркой Наташей. В опере сменяют друг друга хоровые сцены, стилизованные под народные частушки, и сольные номера, в которых посредством протяжной лирики выражаются переживания главных героев.

Несмотря на то, что местом действия является колхозная деревня, и, следовательно, народные хоровые сцены играют важную роль, развивая и комментируя сюжет, опера не выглядит масштабным эпическим полотном. Ее отличительными качествами являются камерность и лиричность. При первых постановках, которые не пользовались большим успехом у публики, эти свойства были не сразу поняты и воплощены – режиссеры «крупным мазком» представляли деревенскую коллективную жизнь. И только в 1965 году студентами ГИТИСа под руководством Б.А. Покровского опера была поставлена на камерной сцене. Именно тогда раскрылась лирическая, а не эпическая первооснова сюжета и тонкий психологизм, которым наделены его герои.

Студенты МГИМ им. А.Г. Шнитке продолжили традицию камерной оперы. Концертный зал института хорошо подошел по масштабным и акустическим параметрам. Декорации в постановке Большакова были задействованы минимально. Режиссер использовал лишь деревенский забор, занимающий разные позиции в каждом из действий. Таким образом, он создал на сцене условную стилизацию деревенского пейзажа подобно тому, как Щедрин сделал это в музыке, стилизовав жанр частушки.

Профессионализм и мастерство исполнителей главных ролей и участников хора оказались очень высокими. Екатерина Пыжова в роли Варвары Васильевны, сконцентрировала вокруг себя все действие. Представ сначала в образе женщины твердой, требовательной и закрытой, она менялась от действия к действию, постепенно раскрывая  страстность своей натуры и способность любить. В сцене пляски истинная сущность Варвары Васильевны проявляется окончательно. В один миг она распускает строго зачесанные волосы и срывает мрачный армейский ватник, под которым скрывается ярко-красная одежда, подобно тому, как за аскетичным образом председателя колхоза – мягкая, нуждающаяся в любви душа.

Роль доярки Наташи прекрасно исполнила Анастасия Шишкина. Особенное впечатление произвела пантомима. В момент, когда затерявшаяся в толпе Наташа наблюдает нескрываемый обоюдный интерес своего возлюбленного Володи к Варваре Петровне, певица мимикой и жестами выражает все противоречивые чувства, которые только может испытывать любящий человек в момент предательства. Отдельного упоминания заслуживает Елисей Лаптев: артист замечательно вжился в образ Федора Петровича, бригадира трактористов. Он безответно любит Варвару Петровну и пытается избавиться от своего соперника Володи, который молодостью и городской легкостью привлекает всех женщин колхоза.

Именно Володя Гаврилин, партию которого  исполнил Артем Попов, становится причиной личной драмы обеих героинь. Его герой, ветреный и эгоистичный, с развитием действия претерпевает нравственное становление, и Варвара Петровна замечает, что «парень он хороший». Духовное взросление Володи оказывается возможным только потому, что женщины, которые его любят, не нарушают нравственных границ. Варвара Петровна, переступая через свои чувства, отказывается от проявлений любви и возвращается к ежедневным председательским заботам, а Наташа находит в себе силы простить Володю.

Опера завершается хором, который в постановке Большакова оказался весьма обаятельным комментатором. Хорошие, сильные голоса исполнителей, живая мимика и юные лица естественным образом передали атмосферу весны, молодости и деятельности, которая по замыслу должна царить в колхозе послевоенного времени. В целом, работа режиссера и всей команды была принята зрителями с большой симпатией и, безусловно, удалась.

Мария Невидимова,

III курс ИТФ

Нескучное барокко

№7 (177), октябрь 2018

С 2 по 13 сентября 2018 года в Театре им. Н.И. Сац прошла Академия старинной музыки Opera Omnia. Уже не первый год на занятиях Академии разбираются партитуры барочных опер, проводятся мастер-классы для режиссеров, исполнителей и музыковедов. Завершается каждая сессия показом оперной постановки, участие в которой могут принять как опытные музыканты, так и те, кто впервые хочет попробовать себя на этом поприще. Основателем академии и ее директором является Эндрю Лоуренс-Кинг – один из самых авторитетных и именитых барочных арфистов мира, лауреат премий Grammy, Gramophone, основатель ансамбля The Harp Consort.

В рамках предыдущих Академий были осуществлены постановки испанской оперы «Любовь убивает» Хуана Идальго де Поланко и оперы-оратории итальянского композитора Эмилио де Кавальери «Представление о душе и теле». В прошлом году перед зрителями возникло уникальное явление: «восстановленная» Лоуренсом-Кингом опера Монтеверди «Ариадна» (см. – «Трибуна молодого журналиста», 2017, №8). В этом сезоне планировалась постановка английской оперы, и 12 и 13 сентября прошли показы «Короля Артура» Генри Перселла.

Началась Академия двухдневным лекционным курсом, который открыл Георгий Исаакян, художественный руководитель театра Сац. Размышляя об опере, он пришел к выводу, что сейчас невозможно поставить аутентичную барочную оперу, не хватает главного «ингредиента» – барочного зрителя. Его выступление продолжила своеобразная конференция, посвященная творчеству Перселла и барочной опере в целом.

Эндрю Лоуренс-Кинг представил свой метод работы над музыкально-театральными произведениями: по его мнению, первоначально внимание нужно уделить либретто, в котором уже содержатся все музыкальные и сценические решения, ведь они были приближены к жизни, к разговорам и непосредственной реакции человека на происходящее. Каждое выступление на конференции не ограничивалось рамками теории и всегда переходило в практику: вместе с Лоуренсом-Кингом слушатели воссоздали с помощью изобразительной декламации текста сцену в волшебном лесу.

О музыкальном инструменте, возникшем в эпоху барокко, рассказал доцент Московской консерватории Ф.В. Нодель. Он не только сделал экскурс в историю гобоя, но и в дуэте с теорбой исполнил сонату французского композитора. Лекцию о барочном жесте прочла Екатерина Ким, познакомив слушателей с основами сценического движения и дав возможность представить себя в разных амплуа героев барочной оперы. Об искусстве basso continuo поведал Хавьер Диаз Латорре. Слушателям было предложено спеть характерные для старинной музыки гармонические последовательности. А заключительный доклад про барочный танец переместил всех на сцену, и под руководством Тани Скок и аккомпанемент Лоуренса-Кинга получилась прекрасная барочная танцевальная композиция.

Второй день открывал Эндрю Лоуренс-Кинг. Он рассказал о своих проектах в сфере старинной музыки. Оказывается, его опыт с «Ариадной» – не первый. Есть еще одна опера – «Калевала», в основу которой положен финский эпос и национальные мелодии. Говоря о сегодняшней постановке, Кинг признался, что он дописал часть «Короля Артура», ровно столько же, сколько осталось текста Монтеверди в «Ариадне». А также поделился планами на будущее – воссоздать оперу «Гамлет» на основе сохранившегося знаменитого монолога, который переложил на музыку Семюэл Пипс.

В рамках Академии прошли два концерта старинной музыки: участников Академии и ее учителей. Второй концерт представлял собой некое единение музыки, поэзии и танца. Исполнялись произведения Монтеверди, Перселла, Люлли и других композиторов того времени. Простота и изящность музыки никого из слушателей не оставила равнодушными, а звучание теорбы и арфы словно перенесло в ту эпоху. Помимо инструментальных сочинений на концерте звучали арии из опер и песни, исполняемые знаменитым контратенором Майклом Чансом. Многие музыкальные произведения дополнили хореографические импровизации Тани Скок. Все мероприятия проходили в Малом зале, что создавало некий уют и камерную обстановку: музыка не терялась в пространстве зала, а звучала по-настоящему.

Десять дней упорного «штурма» студентами сессии музыкальной вершины под названием «Перселл» завершились постановкой его семиоперы «Король Артур». Этому неспешному пятиактному действу с множеством персонажей и подтекстов как нельзя лучше подходит определение Эндрю Лоуренса–Кинга, – «double–opera». Действительно, только «опера в квадрате» может вместить в себя пространные разговорные эпизоды, вычурные театральные жесты, развернутые музыкальные номера и танцевальные маски. Такое жанровое разнообразие невольно вводит слушателя в мир аллегорий и условностей театра барочного, с его насыщенной, местами импровизационной драматургией.

Главный режиссер и музыкальный руководитель подчеркнул, что вся постановка от начала до конца носит характер смелого учебного эксперимента. Отчасти – из–за обилия музыкального материала, который предстояло осилить в сжатые сроки. Но, главное, из–за сложностей режиссуры самой барочной оперы, которые маэстро, однако, с блеском удалось решить. Даже очевидные «недоработки» – исполнение партий по нотам, легкий эклектизм в декорациях и костюмах, смотрелись органичной частью единого творческого эксперимента. А режиссерская изобретательность Лоуренса-Кинга вкупе с запоминающейся сценической игрой каждого из артистов смогли донести до слушателей сам дух английского театра XVI века, в котором шекспировские страсти, политические аллегории и незамысловатый народный юмор бурлили в одном волшебном котле.

Перед участниками сессии стояла непростая задача: им предстояло постичь тонкости барочного жеста, танца, речевой и вокальной нюансировки, технику игры на барочных инструментах – одним словом, все то, что составляет богатство и разнообразие перселловской партитуры. В этом смысле студентам тоже приходилось выступать в особой «double» роли, успешно совмещая сразу несколько функций и периодически меняя бутафорский плащ на лютню. Вместе с ними главные роли в постановке исполняли артисты театра имени Н. Сац, а также сами ведущие сессии – Хавьер Диаз Латорре в роли волшебника Осмонда, Таня Скок в харизматичном амплуа духа Земли Гримбальда, наконец, Эндрю Лоуренс–Кинг непревзойденно продекламировал партию Короля Артура.

Частью разворачивающегося на сцене «эксперимента» неожиданно стали сами зрители, вовлеченные в театральное действо еще до спектакля, в фойе театра, где главный хореограф постановки Таня Скок дала урок Контрданса под живое звучание барочного оркестра. Этот же танец они исполнили вместе с артистами в одной из массовых сцен оперы, перейдя из ранга скромных «свидетелей» в статус полноправных «участников» события.

Еще на первой встрече Георгий Исаакян, говоря об опере, назвал ее самым прекрасным из всего того, что создало человечество. А барочная музыка, чистая и возвышенная, звучит неким противовесом дисгармоничной современности и словно напоминает о давно утраченном рае.

 Анастасия Хлюпина,

II курс, ИТФ

Александра Мороз,

 II курс, муз.журналистика

Фото Елены Лапиной

В гостях у Петра Ильича

Авторы :

№7 (177), октябрь 2018

Прошедший сентябрь оказался для студентов консерватории настоящим марафоном из мероприятий. Сперва, по традиции, ребята приготовили музыкальное приветствие для первокурсников на Торжественном открытии нового учебного сезона в Малом зале. Вслед за этим последовал концерт «Молодые звезды Московской консерватории» в Большом зале, где выступили выпускники 149 выпуска, а теперь уже и ассистенты-стажеры нашей Alma mater. В те же дни состоялось открытие нового здания студенческого общежития. И наконец, заключительным этапом сентябрьского марафона стала долгожданная поездка в Клин – в музей-усадьбу П.И. Чайковского.

У студентов появилась возможность посетить один из старейших мемориальных музеев мира, познакомиться с письмами, музыкальными автографами и другими уникальными материалами. Изначально студенческий комитет вместе с помощником ректора, преподавателем Я.А. Кабалевской задумывали эту поездку как возобновление давно существовавшей в консерватории традиции посвящения в студенты. Мероприятие вызвало настолько большой резонанс, что стало очевидно – в поездке примут участие не только первокурсники, но и студенты старших курсов, преподаватели и проректор по учебной работе, профессор Л.Е. Слуцкая.

Невозможно оставить без внимания гостеприимство музея: вместо запланированных двух часов экскурсовод провела с нами около четырех, сопровождая ребят по парку с усадебными постройками. Путешествие по комплексу началось с выставки из фондов музея: нашему вниманию были представлены коллекции, сформированные за 120 лет существования первого в России мемориального музыкального дома-музея. В коллекциях сохранились документы о жизни, творчестве П.И. Чайковского, сценической истории и истории исполнительских интерпретаций его произведений. Знакомство с материалами стало хорошим поводом для начала активного диалога между экскурсоводом и студентами. Также удалось посетить фонотеку, где нам предложили ознакомиться с коллекцией произведений фонда музея.

Следующая часть комплекса, в которой мы побывали – это дом композитора с полностью сохранившейся обстановкой XIX века. Во время экскурсии нам удалось услышать в записи звучание рояля Чайковского. Удалось увидеть кабинет Модеста Ильича –создателя, первого директора, хранителя и научного сотрудника музея в одном лице, заложившего практически все направления его деятельности. В завершении экскурсии мы отправились на постоянно действующую экспозицию «Демьяново – усадьба В.И. Танеева. 1883–1919 гг.». В заключение сделали несколько фотографий на память о нашей замечательной поездке. Самой дорогой для всех студентов стала общая фотография у памятника Чайковскому в сквере между административным корпусом и мемориальным домом.

Прошедшая поездка, безусловно, возобновила прекрасную традицию, надолго запомнилась студентам консерватории и оставила исключительно положительные воспоминания. В грядущем учебном сезоне это не последний наш визит в город Клин – зимой студенческим комитетом будет организована поездка в музей елочной игрушки «Клинское подворье».

Марта Глазкова,

председатель студенческого профкома МГК

Камертон в руке журналиста

Авторы :

№6 (176), сентябрь 2018

В Большом зале консерватории 8 сентября прошло вручение национальной премии Союза журналистов России «Камертон» имени Анны Политковской – российской журналистки, правозащитницы и писательницы. Автор документальных книг о событиях в Чечне 2000-х годов, лауреат премии «Золотое перо России» за серию репортажей о военных действиях, она была убита 7 октября 2006 года. Премия за достижения в области защиты прав человека и свободы прессы была учреждена 30 августа 2013 года в день рождения Политковской и вручается каждый год в Международный день солидарности журналистов.

Церемония награждения объединилась с благотворительным концертом «Памяти погибших журналистов», все сборы от которого пошли в фонд поддержки их семей. Открыли вечер лауреаты престижных международных конкурсов, в том числе, XIII конкурса имени П.И. Чайковского – Никита Борисоглебский (скрипка) и Мирослав Култышев (фортепиано). Музыканты сыграли Крейцерову сонату Бетховена, «Листок из альбома» Вагнера и Сонату №3 Брамса. В руках российских исполнителей звучали уникальные инструменты Антонио Страдивари и фирмы Steinway.

Награда Союза журналистов России представляет собой камертон 440 герц. Как идеальный ориентир точности звука и гармонии, камертон символизирует остроту и современность проблем, которые журналисты отстаивают с позиции гражданской ответственности, честности и сострадания, защищая принципы свободы слова и человеческого достоинства.

Для вручения наград на сцену были приглашены проректор Московской консерватории В.А. Катков, председатель Союза журналистов России Владимир Соловьев (не путать с телеведущим!), инициатор и учредитель «Камертона» Георгий Каретников и участвующие в концерте музыканты. Во вступительной речи В. Соловьев обратился к залу: «Пятый год подряд на прекрасной сцене Московской консерватории вручается премия «Камертон» имени Анны Политковской. Эта награда дается обычно тем нашим коллегам, жизнь которых подвергается опасности. Премия является проявлением общественного признания журналистского труда и журналистской солидарности».

В прошлом году эту награду получили журналисты, которые, по словам Соловьева, по-разному рисковали собой – военный корреспондент ВГТРК Евгений Поддубный, постоянно ведущий репортажи из горячих точек, а также обозреватель «Новой газеты» и радиостанции «Эхо Москвы» Юлия Латынина, которая из-за угрозы жизни была вынуждена покинуть страну.

В этом году номинантами «Камертона» стали бывший глава СЖР Всеволод Богданов, журналисты Елена Милашкина и Алексей Симонов, а также находящийся под арестом на Украине главный редактор «РИА Новости Украина» Кирилл Вышинский, которому большинством голосов и была присуждена премия (ее забрала супруга журналиста Ирина).

Члены жюри посчитали, что К. Вышинский находится в большой опасности – он заключен в тюрьму за свою профессиональную журналистскую деятельность. И хотя некоторые из присутствующих остались явно недовольны подобным решением и громогласно покинули церемонию, основная часть публики продолжала пребывать в зале, оказывая уважение событию и слушая прекрасную музыку Рихарда Вагнера и Йоганнеса Брамса.

«Те, кто помогает нам в организации, достойны наград Союза журналистов России, которые мы вручаем в качестве общественного признания не журналистам, а известным общественным деятелям. Почетным знаком Союза журналистов России за заслуги перед профессиональным сообществом награждается ректор Московской консерватории Александр Сергеевич Соколов, а также проректор по концертной деятельности Виталий Александрович Катков», – продолжил церемонию В. Соловьев. Награды были вручены и исполнителям – Н. Борисоглебскому и М. Култышеву, которые уже в завершение концерта еще раз порадовали публику своей великолепной игрой, сыграв на бис «Созерцание» Брамса.

Антонина Чукаева, муз.  журналистика, III курс

Известные и незаслуженно забытые

Авторы :

№6 (176), сентябрь 2018

2 сентября в Московской консерватории под голубыми сводами Рахманиновского зала состоялся концерт «Русская музыка серебряного века», посвященный композиторам первой половины          XX века. Среди них были известные, а также незаслуженно забытые авторы: Владимир Дешевов, Арсений Авраамов, Николай Рославец, Александр Кенель, Алексей Станчинский, Ефим Голышев, Михаил Квадри, Всеволод Петрович Задерацкий, Артур Лурье, Сергей Протопопов. Организатором концерта выступил А.А. Ровнер – композитор, преподаватель кафедры междисциплинарных специализаций музыковедов.

Формат вечера напоминал «концерт-лекцию». Исполнение каждого сочинения предваряло вступительное слово Антона Аркадьевича Ровнера. Предлагая небольшую историческую зарисовку о судьбе и творчестве композиторов, ведущий буквально захватывал слушателей своим красноречием и глубокими познаниями в столь малоизвестном «уголке» музыкальной истории.

Невзирая на то, что большая часть композиторов в программе были яркими представителями раннего русского авангарда, в программе фигурировали их ранние, более традиционные по музыкальному языку пьесы. К примеру, цикл «Медитации» В. Дешевова для фортепиано в потрясающем исполнении Ксении Зиновьевой напоминал музыку французского импрессионизма. Романс А. Авраамова, который представили солисты ансамбля «XX век» Мария Ходина (скрипка) и Александра Лазутина (фортепиано), отличался страстным романтическим пафосом, созвучным эпохе романтизма.

Прекрасно прозвучали «Афоризмы и эпиграфы» по «Маскараду» Лермонтова А.  Кенеля в интерпретации фортепианного дуэта «ShAT» (Анна и Татьяна Шатковские). Музыка потрясала неистовым драматическим колоритом. Эффектную краску дополнило художественное слово Анны Романовой, с пафосной актерской харизмой декламировавшей отрывки из поэмы великого поэта. Четыре шотландских песни на стихи Бернса А. Станчинского (Марлена Мош – сопрано, Александр Малкус – фортепиано) овеяны пасторальным колоритом. Примечательна особая манера пения М. Мош, которая слегка имитировала звучание шотландской волынки. Двенадцатитоновое струнное трио Е. Голышева в пяти частях написано в технике, которую А. Ровнер назвал квазидвенадцатитоновостью. Произведение, которое сыграли М. Ходина с Владимиром и Надеждой Гребенниковыми, было проникнуто глубокой серьезностью и трагическим пафосом.

Особое событие в программе концерта – московская премьера Сонаты №1 для фортепиано М. Квадри в превосходном исполнении А. Малкуса. Выступление предварил яркий рассказ доктора искусствоведения, профессора кафедры истории русской музыки Е.С.  Власовой о личности композитора. В трех частях сонаты ощутимо суровое настроение с элементами тревоги, словно сочинение предвосхищает будущий трагический финал жизни автора (в 1929 году он был расстрелян).

Из двух романсов В.П. Задерацкого «Свет мой» и «Мандолина» в исполнении Елены Золотовой (сопрано) и Татьяны Ровнер (фортепиано) особенно впечатлил последний. Бархат гармонических фигураций вызвал ассоциации не только с «нежным блеском» мандолины, но и с «волнами» арфы. А «Phoenix Park Nocturne» для фортепиано А. Лурье (А. Малкус), так же, как и музыка В. Дешевова, воплотил импрессионистские черты.

Особой музыкальностью и богатейшей звукоизобразительной палитрой отмечены два романса С. Протопопова – «Облака, освященные солнцем» и «Солнечные зайчики». В первом романсе трио скрипки, альта и фортепиано создавало возвышенную атмосферу. А «Солнечные зайчики», представленные М. Ходиной, Н. Гребенниковой и Даниилом Екимовским (фортепиано) порадовали задорной игривостью пиццикато и «прыгающими» звуками фортепиано.

В завершении вечера прозвучали «Этюд» для фортепиано В. Дешевова и «Дивертисмент» для скрипки и альта А. Лурье (М. Ходина и В. Гребенников). Во второй части произведения Лурье пиццикато скрипки засчет quasi-балалаечного звучания вызвали аллюзию на «Камаринскую» Глинки.

Жаль, что на концерте зал не был полон – впрочем, аудитория состояла из просвещенных слушателей (один из них даже задал вопрос!). Подобные концерты играют значительную роль в открытии тайн и глубин «сокровищницы» истории музыки первой половины XX века, тех выдающихся имен, которые внесли огромный вклад в развитие национального искусства. Хочется, чтобы было как можно больше подобных мероприятий, которые бы расширили горизонты познания публики.

Андрей Жданов, II курс ИТФ

О любви

Авторы :

№6 (176), сентябрь 2018

6 сентября в Рахманиновском зале состоялся концерт «Песни любви», в котором была представлена эстрадная музыка XX века. Вечер, включивший номера на русском и французском языках, прошел на одном дыхании, великолепно передав поэтичную атмосферу ранней осени, ее немного меланхоличное и вместе с тем очень светлое настроение. В концерте участвовали выдающиеся артисты – звезды мировой сцены и ансамбль «Art-collage» (художественный руководитель и солист (скрипка) Павел Солдатиков). Перед началом со вступительным словом вышел артист кино и телевидения Григорий Шевчук, отметивший, что стремление музыкантов к аутентичности в исполнении эстрадной музыки – признак элитарности и хорошего вкуса.

Концерт шел без перерыва. Вначале на сцене выступил Дмитрий Галихин (тенор), президент Фонда поддержки национальной культуры им. Чайковского. Певец   подарил залу песни советской эстрады и покорил слушателей своим тембровым разнообразием – на каждую миниатюру у него было свое настроение. Исполнение Галихина – не только мелодичное пение, но и живая человеческая речь. Музыкант потрясающе передал теплую, грустную и элегическую атмосферу песни «Осень» (музыка В. Козина, слова Е. Белогорской). Задушевную мелодию поддерживали строгие аккорды фортепиано, в которых было словно заложено глубокое чувство; органично сплеталась она и с нежным, утонченным пением скрипки. Очень воодушевленно и порывисто Галихин спел песню «Люблю» (музыка Е. Розенфельда, слова Н. Венгерского). Но последние слова оказались полны глубокого переживания, и, может быть, страдания.

Елена Заремба (меццо-сопрано), обладательница премии «Грэмми», исполнявшая выдающиеся произведения французского шансона (в частности, из репертуара Эдит Пиаф), пела очень страстно, с исключительной красотой декламации. Здесь имело место подлинное творческое горение. Очень экспрессивно, свободолюбиво она озвучила «Опавшие листья» — оригинальную версию знаменитой «Autumn Leaves». Но и легендарную «La vie en rose» («Жизнь в розовых тонах») Заремба представила по-оперному драматично. Достоинство, величавость, ощутимые в запеве, достигали экстаза и ликования в припеве. И речь шла не о взгляде сквозь «розовые очки» на окружающий мир, не о питании иллюзий, но об осознании того, насколько жизнь прекрасна. Концерт завершился восторженным гимном любви – Заремба и Галихин продемонстрировали «Вечную любовь» Гарваренца на слова Шарля Азнавура. Прославленный шлягер поразил благодарных слушателей.

Столь яркое впечатление от музыки было бы невозможно без замечательного сопровождения Антониной Кадобновой, руководителя концертных программ Фонда Ирины Архиповой. Концертмейстер оказывала солистам постоянную поддержку, в ее игре ярко выражались тончайшие гармонические перемены. Вдохновенно были сыграны все вступления, проигрыши, постлюдии, в частности, вступление к «Жизни в розовых тонах».

Как и классическая музыка, эстрада требует высокого профессионализма, который нужен вне зависимости от стиля. Выступавшие в концерте артисты проявили не только блестящее мастерство и виртуозность, но доброе отношение к Музыке. Это был настоящий триумф!

Степан Игнатьев, IV курс ФФ