Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Шопен и его рояли

Авторы :

№8 (178), ноябрь 2018

В сентябре этого года список крупных фортепианных конкурсов, носящих имя Фредерика Шопена, пополнился еще одним. Однако от остальных его отличает историческая направленность: вся программа должна исполняться на инструментах, являющихся копиями или вовсе оригиналами шопеновского времени. Первый конкурс имени Шопена на исторических инструментах прошел в Варшаве сразу после фестиваля, посвященного его же музыке. Кажется логичным, что первое место в конкурсе взял польский музыкант, но особенно радостно, что им оказался Томаш Риттер, студент ФИСИИ. По его словам, опыт, полученный здесь, помог ему подойти к Шопену «с другой стороны». Членами жюри, кроме прочих музыкантских достоинств Томаша, было отмечено отсутствие типичных польских исполнительских клише.

Томаш Риттер – лауреат первой премии конкурса

Это событие стало поводом к встрече под названием «Шопен и его рояли». Один из членов жюри, профессор Алексей Борисович Любимов, поделился впечатлениями об организации и уровне исполнителей. Томаш рассказал о конкурсе с позиции участника, а выступление реставратора Алексея Ставицкого было посвящено тонкостям его мастерства. И, разумеется, главной темой встречи были рояли: оригиналы и копии, особенности и отличия, нюансы звучания и яркая индивидуальность каждого.

Для конкурсных прослушиваний участникам предоставлялось пять инструментов на выбор: две копии и три оригинальных рояля XIX века. Из предложенных Институтом Шопена мастерами и коллекционерами роялей были отобраны следующие: Эрар (Erard) 1837 г. из коллекции Э. Бьонка; Плейель (Pleyel) 1842 г. из коллекции Э. Бьонка (инструменты именно этого производителя Шопен ценил больше остальных); Бродвуд (Broadwood) 1847–1948 гг. из коллекции Криса Маане; Фредерик Буххольц (FBuсhholtz), копия 1825 г. работы Пола МакНалти; Граф (Graf), копия 1819 г. работы Пола МакНалти.

Erard 1838 г. из коллекции Института Ф. Шопена. Фото Waldemar Kielichowski Institute of Music and Dance Warsaw

На встрече были просмотрены записи выступлений конкурсантов на этих инструментах, и разница между их звучанием оказалась даже более поразительной, чем можно было себе представить – каждый рояль имеет свой голос и неповторимый характер, и, конечно, требует особого подхода от музыканта. Все они отличаются друг от друга гораздо более принципиально, чем современные рояли, различные собой. О разнице первых и вторых не стоит и говорить: натяжение струн на нынешних инструментах больше едва ли не в два раза, а самый громкий нюанс на том же Плейеле – в веке XXI больше похоже на mp.

Институт имени Ф. Шопена, в стенах которого прошел конкурс, располагает огромной коллекцией оригинальных роялей XIX века. У конкурсантов была возможность познакомиться с каждым из них, и, по выражению одной из участниц конкурса, Елизаветы Малышевой (также студентки ФИСИИ), они чувствовали себя «как дети в кондитерской». Конечно, для любого музыканта, интересующегося историей своего инструмента или занимающегося историческим исполнительством профессионально, возможность прикоснуться к роялю, на котором мог музицировать сам Шопен, стала бы одним из самых сильных впечатлений. Здесь подобных впечатлений хватило на всех.

Конкурс стал результатом титанического труда, проделанного Институтом Шопена, его научной и практической работы по изучению и сохранению музыкального наследия XIX века, не ограничивающегося Шопеном и нотными текстами. Принципиальное отличие инструментов того времени от современных в корне меняет восприятие романтической музыки вообще. Конкурс не только поднял проблему сохранения исторических инструментов и традиций игры на них, но и собрал в одном месте истористов и академистов: в жюри бок о бок сидели представители и тех, и других. По словам А.Б. Любимова, при частных замечаниях к игре конкурсантов в решениях жюри возобладала объективность.

Действительно, затянувшийся спор между сторонниками привычной сегодня традиции и приверженцами исторически информированного подхода не имеет цели выявить победителя. Напротив, результатом взаимодействия этих течений являются такие невероятные мероприятия как Первый конкурс им. Шопена на исторических инструментах в Варшаве Хочется верить, что подобное бережное отношение к прошлому распространится повсеместно, и история исполнительского искусства выйдет на новый виток мастерства.

 Анна Брюсова,

IV курс ФИСИИ

В атмосфере весны и молодости

Авторы :

№8 (178), ноябрь 2018

26 и 27 сентября в МГИМ им. А.Г. Шнитке, недавно отметившего сто лет со дня основания, состоялась премьера оперы Родиона Щедрина «Не только любовь»  в постановке Алексея Большакова. Событие было организовано в честь юбилея ректора института Анны Иосифовны Щербаковой.  Спектакль осуществили силами студентов хора и оркестра оперной студии. Дирижером-постановщиком стал заслуженный артист России, профессор И.Ю. Громов, хормейстерами – Екатерина Наумова и Сергей Марков, балетмейстером – Нелли Бондаренко.

«Не только любовь» (1961) – первая опера Щедрина. Сюжет ее обращен к жизни простых людей, работающих в колхозе. Основой сценических коллизий становится любовный треугольник, возникший между принципиальной, требовательной к себе и к другим председателем колхоза Варварой Васильевной, слабохарактерным и самовлюбленным Володей и искренне любящей Володю дояркой Наташей. В опере сменяют друг друга хоровые сцены, стилизованные под народные частушки, и сольные номера, в которых посредством протяжной лирики выражаются переживания главных героев.

Несмотря на то, что местом действия является колхозная деревня, и, следовательно, народные хоровые сцены играют важную роль, развивая и комментируя сюжет, опера не выглядит масштабным эпическим полотном. Ее отличительными качествами являются камерность и лиричность. При первых постановках, которые не пользовались большим успехом у публики, эти свойства были не сразу поняты и воплощены – режиссеры «крупным мазком» представляли деревенскую коллективную жизнь. И только в 1965 году студентами ГИТИСа под руководством Б.А. Покровского опера была поставлена на камерной сцене. Именно тогда раскрылась лирическая, а не эпическая первооснова сюжета и тонкий психологизм, которым наделены его герои.

Студенты МГИМ им. А.Г. Шнитке продолжили традицию камерной оперы. Концертный зал института хорошо подошел по масштабным и акустическим параметрам. Декорации в постановке Большакова были задействованы минимально. Режиссер использовал лишь деревенский забор, занимающий разные позиции в каждом из действий. Таким образом, он создал на сцене условную стилизацию деревенского пейзажа подобно тому, как Щедрин сделал это в музыке, стилизовав жанр частушки.

Профессионализм и мастерство исполнителей главных ролей и участников хора оказались очень высокими. Екатерина Пыжова в роли Варвары Васильевны, сконцентрировала вокруг себя все действие. Представ сначала в образе женщины твердой, требовательной и закрытой, она менялась от действия к действию, постепенно раскрывая  страстность своей натуры и способность любить. В сцене пляски истинная сущность Варвары Васильевны проявляется окончательно. В один миг она распускает строго зачесанные волосы и срывает мрачный армейский ватник, под которым скрывается ярко-красная одежда, подобно тому, как за аскетичным образом председателя колхоза – мягкая, нуждающаяся в любви душа.

Роль доярки Наташи прекрасно исполнила Анастасия Шишкина. Особенное впечатление произвела пантомима. В момент, когда затерявшаяся в толпе Наташа наблюдает нескрываемый обоюдный интерес своего возлюбленного Володи к Варваре Петровне, певица мимикой и жестами выражает все противоречивые чувства, которые только может испытывать любящий человек в момент предательства. Отдельного упоминания заслуживает Елисей Лаптев: артист замечательно вжился в образ Федора Петровича, бригадира трактористов. Он безответно любит Варвару Петровну и пытается избавиться от своего соперника Володи, который молодостью и городской легкостью привлекает всех женщин колхоза.

Именно Володя Гаврилин, партию которого  исполнил Артем Попов, становится причиной личной драмы обеих героинь. Его герой, ветреный и эгоистичный, с развитием действия претерпевает нравственное становление, и Варвара Петровна замечает, что «парень он хороший». Духовное взросление Володи оказывается возможным только потому, что женщины, которые его любят, не нарушают нравственных границ. Варвара Петровна, переступая через свои чувства, отказывается от проявлений любви и возвращается к ежедневным председательским заботам, а Наташа находит в себе силы простить Володю.

Опера завершается хором, который в постановке Большакова оказался весьма обаятельным комментатором. Хорошие, сильные голоса исполнителей, живая мимика и юные лица естественным образом передали атмосферу весны, молодости и деятельности, которая по замыслу должна царить в колхозе послевоенного времени. В целом, работа режиссера и всей команды была принята зрителями с большой симпатией и, безусловно, удалась.

Мария Невидимова,

III курс ИТФ

Нескучное барокко

№7 (177), октябрь 2018

С 2 по 13 сентября 2018 года в Театре им. Н.И. Сац прошла Академия старинной музыки Opera Omnia. Уже не первый год на занятиях Академии разбираются партитуры барочных опер, проводятся мастер-классы для режиссеров, исполнителей и музыковедов. Завершается каждая сессия показом оперной постановки, участие в которой могут принять как опытные музыканты, так и те, кто впервые хочет попробовать себя на этом поприще. Основателем академии и ее директором является Эндрю Лоуренс-Кинг – один из самых авторитетных и именитых барочных арфистов мира, лауреат премий Grammy, Gramophone, основатель ансамбля The Harp Consort.

В рамках предыдущих Академий были осуществлены постановки испанской оперы «Любовь убивает» Хуана Идальго де Поланко и оперы-оратории итальянского композитора Эмилио де Кавальери «Представление о душе и теле». В прошлом году перед зрителями возникло уникальное явление: «восстановленная» Лоуренсом-Кингом опера Монтеверди «Ариадна» (см. – «Трибуна молодого журналиста», 2017, №8). В этом сезоне планировалась постановка английской оперы, и 12 и 13 сентября прошли показы «Короля Артура» Генри Перселла.

Началась Академия двухдневным лекционным курсом, который открыл Георгий Исаакян, художественный руководитель театра Сац. Размышляя об опере, он пришел к выводу, что сейчас невозможно поставить аутентичную барочную оперу, не хватает главного «ингредиента» – барочного зрителя. Его выступление продолжила своеобразная конференция, посвященная творчеству Перселла и барочной опере в целом.

Эндрю Лоуренс-Кинг представил свой метод работы над музыкально-театральными произведениями: по его мнению, первоначально внимание нужно уделить либретто, в котором уже содержатся все музыкальные и сценические решения, ведь они были приближены к жизни, к разговорам и непосредственной реакции человека на происходящее. Каждое выступление на конференции не ограничивалось рамками теории и всегда переходило в практику: вместе с Лоуренсом-Кингом слушатели воссоздали с помощью изобразительной декламации текста сцену в волшебном лесу.

О музыкальном инструменте, возникшем в эпоху барокко, рассказал доцент Московской консерватории Ф.В. Нодель. Он не только сделал экскурс в историю гобоя, но и в дуэте с теорбой исполнил сонату французского композитора. Лекцию о барочном жесте прочла Екатерина Ким, познакомив слушателей с основами сценического движения и дав возможность представить себя в разных амплуа героев барочной оперы. Об искусстве basso continuo поведал Хавьер Диаз Латорре. Слушателям было предложено спеть характерные для старинной музыки гармонические последовательности. А заключительный доклад про барочный танец переместил всех на сцену, и под руководством Тани Скок и аккомпанемент Лоуренса-Кинга получилась прекрасная барочная танцевальная композиция.

Второй день открывал Эндрю Лоуренс-Кинг. Он рассказал о своих проектах в сфере старинной музыки. Оказывается, его опыт с «Ариадной» – не первый. Есть еще одна опера – «Калевала», в основу которой положен финский эпос и национальные мелодии. Говоря о сегодняшней постановке, Кинг признался, что он дописал часть «Короля Артура», ровно столько же, сколько осталось текста Монтеверди в «Ариадне». А также поделился планами на будущее – воссоздать оперу «Гамлет» на основе сохранившегося знаменитого монолога, который переложил на музыку Семюэл Пипс.

В рамках Академии прошли два концерта старинной музыки: участников Академии и ее учителей. Второй концерт представлял собой некое единение музыки, поэзии и танца. Исполнялись произведения Монтеверди, Перселла, Люлли и других композиторов того времени. Простота и изящность музыки никого из слушателей не оставила равнодушными, а звучание теорбы и арфы словно перенесло в ту эпоху. Помимо инструментальных сочинений на концерте звучали арии из опер и песни, исполняемые знаменитым контратенором Майклом Чансом. Многие музыкальные произведения дополнили хореографические импровизации Тани Скок. Все мероприятия проходили в Малом зале, что создавало некий уют и камерную обстановку: музыка не терялась в пространстве зала, а звучала по-настоящему.

Десять дней упорного «штурма» студентами сессии музыкальной вершины под названием «Перселл» завершились постановкой его семиоперы «Король Артур». Этому неспешному пятиактному действу с множеством персонажей и подтекстов как нельзя лучше подходит определение Эндрю Лоуренса–Кинга, – «double–opera». Действительно, только «опера в квадрате» может вместить в себя пространные разговорные эпизоды, вычурные театральные жесты, развернутые музыкальные номера и танцевальные маски. Такое жанровое разнообразие невольно вводит слушателя в мир аллегорий и условностей театра барочного, с его насыщенной, местами импровизационной драматургией.

Главный режиссер и музыкальный руководитель подчеркнул, что вся постановка от начала до конца носит характер смелого учебного эксперимента. Отчасти – из–за обилия музыкального материала, который предстояло осилить в сжатые сроки. Но, главное, из–за сложностей режиссуры самой барочной оперы, которые маэстро, однако, с блеском удалось решить. Даже очевидные «недоработки» – исполнение партий по нотам, легкий эклектизм в декорациях и костюмах, смотрелись органичной частью единого творческого эксперимента. А режиссерская изобретательность Лоуренса-Кинга вкупе с запоминающейся сценической игрой каждого из артистов смогли донести до слушателей сам дух английского театра XVI века, в котором шекспировские страсти, политические аллегории и незамысловатый народный юмор бурлили в одном волшебном котле.

Перед участниками сессии стояла непростая задача: им предстояло постичь тонкости барочного жеста, танца, речевой и вокальной нюансировки, технику игры на барочных инструментах – одним словом, все то, что составляет богатство и разнообразие перселловской партитуры. В этом смысле студентам тоже приходилось выступать в особой «double» роли, успешно совмещая сразу несколько функций и периодически меняя бутафорский плащ на лютню. Вместе с ними главные роли в постановке исполняли артисты театра имени Н. Сац, а также сами ведущие сессии – Хавьер Диаз Латорре в роли волшебника Осмонда, Таня Скок в харизматичном амплуа духа Земли Гримбальда, наконец, Эндрю Лоуренс–Кинг непревзойденно продекламировал партию Короля Артура.

Частью разворачивающегося на сцене «эксперимента» неожиданно стали сами зрители, вовлеченные в театральное действо еще до спектакля, в фойе театра, где главный хореограф постановки Таня Скок дала урок Контрданса под живое звучание барочного оркестра. Этот же танец они исполнили вместе с артистами в одной из массовых сцен оперы, перейдя из ранга скромных «свидетелей» в статус полноправных «участников» события.

Еще на первой встрече Георгий Исаакян, говоря об опере, назвал ее самым прекрасным из всего того, что создало человечество. А барочная музыка, чистая и возвышенная, звучит неким противовесом дисгармоничной современности и словно напоминает о давно утраченном рае.

 Анастасия Хлюпина,

II курс, ИТФ

Александра Мороз,

 II курс, муз.журналистика

Фото Елены Лапиной

В гостях у Петра Ильича

Авторы :

№7 (177), октябрь 2018

Прошедший сентябрь оказался для студентов консерватории настоящим марафоном из мероприятий. Сперва, по традиции, ребята приготовили музыкальное приветствие для первокурсников на Торжественном открытии нового учебного сезона в Малом зале. Вслед за этим последовал концерт «Молодые звезды Московской консерватории» в Большом зале, где выступили выпускники 149 выпуска, а теперь уже и ассистенты-стажеры нашей Alma mater. В те же дни состоялось открытие нового здания студенческого общежития. И наконец, заключительным этапом сентябрьского марафона стала долгожданная поездка в Клин – в музей-усадьбу П.И. Чайковского.

У студентов появилась возможность посетить один из старейших мемориальных музеев мира, познакомиться с письмами, музыкальными автографами и другими уникальными материалами. Изначально студенческий комитет вместе с помощником ректора, преподавателем Я.А. Кабалевской задумывали эту поездку как возобновление давно существовавшей в консерватории традиции посвящения в студенты. Мероприятие вызвало настолько большой резонанс, что стало очевидно – в поездке примут участие не только первокурсники, но и студенты старших курсов, преподаватели и проректор по учебной работе, профессор Л.Е. Слуцкая.

Невозможно оставить без внимания гостеприимство музея: вместо запланированных двух часов экскурсовод провела с нами около четырех, сопровождая ребят по парку с усадебными постройками. Путешествие по комплексу началось с выставки из фондов музея: нашему вниманию были представлены коллекции, сформированные за 120 лет существования первого в России мемориального музыкального дома-музея. В коллекциях сохранились документы о жизни, творчестве П.И. Чайковского, сценической истории и истории исполнительских интерпретаций его произведений. Знакомство с материалами стало хорошим поводом для начала активного диалога между экскурсоводом и студентами. Также удалось посетить фонотеку, где нам предложили ознакомиться с коллекцией произведений фонда музея.

Следующая часть комплекса, в которой мы побывали – это дом композитора с полностью сохранившейся обстановкой XIX века. Во время экскурсии нам удалось услышать в записи звучание рояля Чайковского. Удалось увидеть кабинет Модеста Ильича –создателя, первого директора, хранителя и научного сотрудника музея в одном лице, заложившего практически все направления его деятельности. В завершении экскурсии мы отправились на постоянно действующую экспозицию «Демьяново – усадьба В.И. Танеева. 1883–1919 гг.». В заключение сделали несколько фотографий на память о нашей замечательной поездке. Самой дорогой для всех студентов стала общая фотография у памятника Чайковскому в сквере между административным корпусом и мемориальным домом.

Прошедшая поездка, безусловно, возобновила прекрасную традицию, надолго запомнилась студентам консерватории и оставила исключительно положительные воспоминания. В грядущем учебном сезоне это не последний наш визит в город Клин – зимой студенческим комитетом будет организована поездка в музей елочной игрушки «Клинское подворье».

Марта Глазкова,

председатель студенческого профкома МГК

Камертон в руке журналиста

Авторы :

№6 (176), сентябрь 2018

В Большом зале консерватории 8 сентября прошло вручение национальной премии Союза журналистов России «Камертон» имени Анны Политковской – российской журналистки, правозащитницы и писательницы. Автор документальных книг о событиях в Чечне 2000-х годов, лауреат премии «Золотое перо России» за серию репортажей о военных действиях, она была убита 7 октября 2006 года. Премия за достижения в области защиты прав человека и свободы прессы была учреждена 30 августа 2013 года в день рождения Политковской и вручается каждый год в Международный день солидарности журналистов.

Церемония награждения объединилась с благотворительным концертом «Памяти погибших журналистов», все сборы от которого пошли в фонд поддержки их семей. Открыли вечер лауреаты престижных международных конкурсов, в том числе, XIII конкурса имени П.И. Чайковского – Никита Борисоглебский (скрипка) и Мирослав Култышев (фортепиано). Музыканты сыграли Крейцерову сонату Бетховена, «Листок из альбома» Вагнера и Сонату №3 Брамса. В руках российских исполнителей звучали уникальные инструменты Антонио Страдивари и фирмы Steinway.

Награда Союза журналистов России представляет собой камертон 440 герц. Как идеальный ориентир точности звука и гармонии, камертон символизирует остроту и современность проблем, которые журналисты отстаивают с позиции гражданской ответственности, честности и сострадания, защищая принципы свободы слова и человеческого достоинства.

Для вручения наград на сцену были приглашены проректор Московской консерватории В.А. Катков, председатель Союза журналистов России Владимир Соловьев (не путать с телеведущим!), инициатор и учредитель «Камертона» Георгий Каретников и участвующие в концерте музыканты. Во вступительной речи В. Соловьев обратился к залу: «Пятый год подряд на прекрасной сцене Московской консерватории вручается премия «Камертон» имени Анны Политковской. Эта награда дается обычно тем нашим коллегам, жизнь которых подвергается опасности. Премия является проявлением общественного признания журналистского труда и журналистской солидарности».

В прошлом году эту награду получили журналисты, которые, по словам Соловьева, по-разному рисковали собой – военный корреспондент ВГТРК Евгений Поддубный, постоянно ведущий репортажи из горячих точек, а также обозреватель «Новой газеты» и радиостанции «Эхо Москвы» Юлия Латынина, которая из-за угрозы жизни была вынуждена покинуть страну.

В этом году номинантами «Камертона» стали бывший глава СЖР Всеволод Богданов, журналисты Елена Милашкина и Алексей Симонов, а также находящийся под арестом на Украине главный редактор «РИА Новости Украина» Кирилл Вышинский, которому большинством голосов и была присуждена премия (ее забрала супруга журналиста Ирина).

Члены жюри посчитали, что К. Вышинский находится в большой опасности – он заключен в тюрьму за свою профессиональную журналистскую деятельность. И хотя некоторые из присутствующих остались явно недовольны подобным решением и громогласно покинули церемонию, основная часть публики продолжала пребывать в зале, оказывая уважение событию и слушая прекрасную музыку Рихарда Вагнера и Йоганнеса Брамса.

«Те, кто помогает нам в организации, достойны наград Союза журналистов России, которые мы вручаем в качестве общественного признания не журналистам, а известным общественным деятелям. Почетным знаком Союза журналистов России за заслуги перед профессиональным сообществом награждается ректор Московской консерватории Александр Сергеевич Соколов, а также проректор по концертной деятельности Виталий Александрович Катков», – продолжил церемонию В. Соловьев. Награды были вручены и исполнителям – Н. Борисоглебскому и М. Култышеву, которые уже в завершение концерта еще раз порадовали публику своей великолепной игрой, сыграв на бис «Созерцание» Брамса.

Антонина Чукаева, муз.  журналистика, III курс

Известные и незаслуженно забытые

Авторы :

№6 (176), сентябрь 2018

2 сентября в Московской консерватории под голубыми сводами Рахманиновского зала состоялся концерт «Русская музыка серебряного века», посвященный композиторам первой половины          XX века. Среди них были известные, а также незаслуженно забытые авторы: Владимир Дешевов, Арсений Авраамов, Николай Рославец, Александр Кенель, Алексей Станчинский, Ефим Голышев, Михаил Квадри, Всеволод Петрович Задерацкий, Артур Лурье, Сергей Протопопов. Организатором концерта выступил А.А. Ровнер – композитор, преподаватель кафедры междисциплинарных специализаций музыковедов.

Формат вечера напоминал «концерт-лекцию». Исполнение каждого сочинения предваряло вступительное слово Антона Аркадьевича Ровнера. Предлагая небольшую историческую зарисовку о судьбе и творчестве композиторов, ведущий буквально захватывал слушателей своим красноречием и глубокими познаниями в столь малоизвестном «уголке» музыкальной истории.

Невзирая на то, что большая часть композиторов в программе были яркими представителями раннего русского авангарда, в программе фигурировали их ранние, более традиционные по музыкальному языку пьесы. К примеру, цикл «Медитации» В. Дешевова для фортепиано в потрясающем исполнении Ксении Зиновьевой напоминал музыку французского импрессионизма. Романс А. Авраамова, который представили солисты ансамбля «XX век» Мария Ходина (скрипка) и Александра Лазутина (фортепиано), отличался страстным романтическим пафосом, созвучным эпохе романтизма.

Прекрасно прозвучали «Афоризмы и эпиграфы» по «Маскараду» Лермонтова А.  Кенеля в интерпретации фортепианного дуэта «ShAT» (Анна и Татьяна Шатковские). Музыка потрясала неистовым драматическим колоритом. Эффектную краску дополнило художественное слово Анны Романовой, с пафосной актерской харизмой декламировавшей отрывки из поэмы великого поэта. Четыре шотландских песни на стихи Бернса А. Станчинского (Марлена Мош – сопрано, Александр Малкус – фортепиано) овеяны пасторальным колоритом. Примечательна особая манера пения М. Мош, которая слегка имитировала звучание шотландской волынки. Двенадцатитоновое струнное трио Е. Голышева в пяти частях написано в технике, которую А. Ровнер назвал квазидвенадцатитоновостью. Произведение, которое сыграли М. Ходина с Владимиром и Надеждой Гребенниковыми, было проникнуто глубокой серьезностью и трагическим пафосом.

Особое событие в программе концерта – московская премьера Сонаты №1 для фортепиано М. Квадри в превосходном исполнении А. Малкуса. Выступление предварил яркий рассказ доктора искусствоведения, профессора кафедры истории русской музыки Е.С.  Власовой о личности композитора. В трех частях сонаты ощутимо суровое настроение с элементами тревоги, словно сочинение предвосхищает будущий трагический финал жизни автора (в 1929 году он был расстрелян).

Из двух романсов В.П. Задерацкого «Свет мой» и «Мандолина» в исполнении Елены Золотовой (сопрано) и Татьяны Ровнер (фортепиано) особенно впечатлил последний. Бархат гармонических фигураций вызвал ассоциации не только с «нежным блеском» мандолины, но и с «волнами» арфы. А «Phoenix Park Nocturne» для фортепиано А. Лурье (А. Малкус), так же, как и музыка В. Дешевова, воплотил импрессионистские черты.

Особой музыкальностью и богатейшей звукоизобразительной палитрой отмечены два романса С. Протопопова – «Облака, освященные солнцем» и «Солнечные зайчики». В первом романсе трио скрипки, альта и фортепиано создавало возвышенную атмосферу. А «Солнечные зайчики», представленные М. Ходиной, Н. Гребенниковой и Даниилом Екимовским (фортепиано) порадовали задорной игривостью пиццикато и «прыгающими» звуками фортепиано.

В завершении вечера прозвучали «Этюд» для фортепиано В. Дешевова и «Дивертисмент» для скрипки и альта А. Лурье (М. Ходина и В. Гребенников). Во второй части произведения Лурье пиццикато скрипки засчет quasi-балалаечного звучания вызвали аллюзию на «Камаринскую» Глинки.

Жаль, что на концерте зал не был полон – впрочем, аудитория состояла из просвещенных слушателей (один из них даже задал вопрос!). Подобные концерты играют значительную роль в открытии тайн и глубин «сокровищницы» истории музыки первой половины XX века, тех выдающихся имен, которые внесли огромный вклад в развитие национального искусства. Хочется, чтобы было как можно больше подобных мероприятий, которые бы расширили горизонты познания публики.

Андрей Жданов, II курс ИТФ

О любви

Авторы :

№6 (176), сентябрь 2018

6 сентября в Рахманиновском зале состоялся концерт «Песни любви», в котором была представлена эстрадная музыка XX века. Вечер, включивший номера на русском и французском языках, прошел на одном дыхании, великолепно передав поэтичную атмосферу ранней осени, ее немного меланхоличное и вместе с тем очень светлое настроение. В концерте участвовали выдающиеся артисты – звезды мировой сцены и ансамбль «Art-collage» (художественный руководитель и солист (скрипка) Павел Солдатиков). Перед началом со вступительным словом вышел артист кино и телевидения Григорий Шевчук, отметивший, что стремление музыкантов к аутентичности в исполнении эстрадной музыки – признак элитарности и хорошего вкуса.

Концерт шел без перерыва. Вначале на сцене выступил Дмитрий Галихин (тенор), президент Фонда поддержки национальной культуры им. Чайковского. Певец   подарил залу песни советской эстрады и покорил слушателей своим тембровым разнообразием – на каждую миниатюру у него было свое настроение. Исполнение Галихина – не только мелодичное пение, но и живая человеческая речь. Музыкант потрясающе передал теплую, грустную и элегическую атмосферу песни «Осень» (музыка В. Козина, слова Е. Белогорской). Задушевную мелодию поддерживали строгие аккорды фортепиано, в которых было словно заложено глубокое чувство; органично сплеталась она и с нежным, утонченным пением скрипки. Очень воодушевленно и порывисто Галихин спел песню «Люблю» (музыка Е. Розенфельда, слова Н. Венгерского). Но последние слова оказались полны глубокого переживания, и, может быть, страдания.

Елена Заремба (меццо-сопрано), обладательница премии «Грэмми», исполнявшая выдающиеся произведения французского шансона (в частности, из репертуара Эдит Пиаф), пела очень страстно, с исключительной красотой декламации. Здесь имело место подлинное творческое горение. Очень экспрессивно, свободолюбиво она озвучила «Опавшие листья» — оригинальную версию знаменитой «Autumn Leaves». Но и легендарную «La vie en rose» («Жизнь в розовых тонах») Заремба представила по-оперному драматично. Достоинство, величавость, ощутимые в запеве, достигали экстаза и ликования в припеве. И речь шла не о взгляде сквозь «розовые очки» на окружающий мир, не о питании иллюзий, но об осознании того, насколько жизнь прекрасна. Концерт завершился восторженным гимном любви – Заремба и Галихин продемонстрировали «Вечную любовь» Гарваренца на слова Шарля Азнавура. Прославленный шлягер поразил благодарных слушателей.

Столь яркое впечатление от музыки было бы невозможно без замечательного сопровождения Антониной Кадобновой, руководителя концертных программ Фонда Ирины Архиповой. Концертмейстер оказывала солистам постоянную поддержку, в ее игре ярко выражались тончайшие гармонические перемены. Вдохновенно были сыграны все вступления, проигрыши, постлюдии, в частности, вступление к «Жизни в розовых тонах».

Как и классическая музыка, эстрада требует высокого профессионализма, который нужен вне зависимости от стиля. Выступавшие в концерте артисты проявили не только блестящее мастерство и виртуозность, но доброе отношение к Музыке. Это был настоящий триумф!

Степан Игнатьев, IV курс ФФ

В атмосфере волшебства

№5 (175), май 2018

Театр балета имени Леонида Якобсона – уникальный, первый в России балетный театр, отделившийся от оперной труппы. Мировую известность и славу он получил благодаря непревзойденным миниатюрам балетмейстера, чья творческая свобода и полет фантазии приводили зрителей в неистовый восторг, а автора … на ковер к начальству! «Каждая постановка, словно скандал в благородном семействе!» – кричали критики на всех углах. Труппа состояла в основном из приезжих артистов, прошедших подготовку не в самых ведущих учебных заведениях. А в скором времени в постановках Якобсона стали выступать такие выдающиеся артисты как Майя Плисецкая, Михаил Барышников и другие звезды. И только после смерти Леонида Вениаминовича репертуар театра оживился новыми классическими постановками, первыми из которых стали бессмертные «хиты» балетной сцены – «Лебединое озеро» и «Жизель».

Великий балет Чайковского по-прежнему остается визитной карточкой театра. Премьера «Лебединого озера», обновленного под руководством талантливого театрального художника Вячеслава Окунева, состоялась в июне 2015 года. Постановочная группа очень бережно обошлась с оригиналом, оставив классическую версию хореографии балета, созданную Мариусом Петипа и Львом Ивановым.

Безусловно, все помнят историю «Лебединого озера», разворачивавшуюся на глазах у современников П.И. Чайковского. Дорога к славе проходила не через «усыпанную розами ковровую дорожку», а через кусты колючего терновника. Примечательно, что долгую жизнь спектаклю обеспечила петербургская постановка 1895-го года. И после долгожданного успеха балет был поставлен бесчисленное количество раз на сценах лучших театров всего мира. Кто бы мог подумать, что еще 100 лет назад «высочайшие умы» столицы пускали ядовитые замечания в сторону его хореографии, в том числе обвиняя кордебалет за неуместное размахивание руками!

В нынешнем 49-м сезоне театра имени Якобсона «Лебединое озеро» вновь радует зрителей своей завораживающей атмосферой волшебства. К сожалению, балетная труппа до сих пор не имеет собственной площадки. На этот раз двери для них с радостью распахнула историческая сцена Мариинского театра, одна из немногих сохранившая дух прошлого.

Спектакль 9 апреля прошел на одном дыхании. Бессмертная музыка Петра Ильича в прекрасном исполнении Санкт-Петербургского государственного академического симфонического оркестра (дирижер – Владимир Артемьев) не могла оставить равнодушным даже самого бесчувственного слушателя. А замечательные красочные декорации и костюмы помогли окунуться в мир тевтонских рыцарей и прекрасных дам, сказочных замков и романтических саг.

Восхищение вызвали необыкновенная пластика артистов балета Якобсона и, конечно, их тонкая актерская игра. Только одно перевоплощение Одетты в Одиллию (Алла Бочарова) заслуживает бурных и долгих оваций! Некоторым счастливчикам, сидящим в первых рядах партера, удалось разглядеть и потрясающую мимику танцоров.

Действие балета завораживало и держало зрителей в настоящем напряжении. Разрядка произошла, пожалуй, только в последних тактах – во время звучания столь любимой слушателями элегической темы главной героини. Ее торжественное и мощное «провозглашение» tutti завершило рассказ об истории вечной любви Зигфрида и Одетты.

Немецкий философ Гегель когда-то сказал: «Подлинные бессмертные произведения искусства остаются доступными и доставляют наслаждение всем временам и народам». Балет П.И. Чайковского «Лебединое озеро» по праву можно отнести к таким бессмертным творениям, до глубины души трогающим сердца людей.

Олеся Бурдуковская, IV курс ИТФ

Встреча без сюрпризов

Авторы :

№5 (175), май 2018

В марте в Третьяковской галерее стартовал интересный проект «Культура без границ. Диалоги с культурными лидерами современности». Его открыла встреча с генеральным директором Большого театра Владимиром Уриным.

На протяжении нескольких месяцев в зале Врубеля будут проходить публичные дискуссии с руководителями ведущих международных культурных организаций. Эти дискуссии являются продолжением проекта «Культурное лидерство в современном мире», организованного два года назад той же Третьяковской галереей совместно с благотворительным фондом Владимира Потанина. В отличие от первой серии встреч, которая представляла собой диалоги двух культурных лидеров России и Великобритании, вторая построена как разговоры модератора и одного главного действующего лица.

В анонсе цикла был представлен ряд вопросов, вокруг которых и будут складываться беседы. Они касаются таких тем, как национальная культура в эпоху глобализации, роли культурных лидеров в формировании представления о своей стране в международном пространстве, универсальности культуры как основы для сближения народов, роли институций культуры в межкультурном диалоге и т.п.

Конечно, гостями Третьяковской галереи прежде всего станут директора музеев – таких как Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке, парижская Галерея де Орсе, флорентийская Галерея Уфицци, Художественный музей Лос-Анджелеса. Но также в числе гостей будут и представители других искусств: актёр Евгений Миронов, кинорежиссёр Александр Сокуров, архитектор Роберт Малл. Модератором цикла выступает историк и журналист, профессор Высшей школы экономики Сергей Медведев.

Первым собеседником Медведева стал Владимир Урин. Несмотря на то, что «общекультурная» часть беседы получилась довольно обобщенной, на некоторые моменты стоило обратить внимание, с той целью, чтобы яснее сформировать представление о деятельности Большого театра. Например, Урин описал некоторые процессы, связанные с формированием репертуара. Здесь мы случайно узнали, что в кабинете Даниэля Баренбойма в берлинской Штаатсопер график постановок прописан фломастером на следующие восемь лет; а в Большом театре пока только на четыре года.

Директор Большого продолжает настаивать на том, что на него и на театр никогда не оказывалось никакого давления со стороны государства, в том числе и в связи с балетом «Нуреев» (композитор Илья Демуцкий, режиссер Кирилл Серебренников, хореограф Юрий Посохов). Он подтверждает свои слова фактом все-таки состоявшейся премьеры и последующим повторением спектакля в июне и ноябре нынешнего года. «Проговорился» Урин и об еще одной премьере. После долгого перерыва в сотрудничестве с Большим Дмитрий Черняков поставит на исторической сцене русскую оперу. Когда именно и какую оперу – пока не говорит (в настоящее время Черняков активно пропагандирует за рубежом творчество Римского-Корсакова).

Предсказуемо, что некоторые вопросы присутствующих коснулись недоступности спектаклей из-за высоких цен на билеты. Стало понятно, что в зале не так много студентов, раз о «студенческих» билетах никто не заикнулся (в анонсе сказано, что это мероприятие «адресовано профессионалам культуры – руководителям культурных институций, кураторам, продюсерам, критикам, а также специалистам по международным отношениям»). Один из депутатов Донского района воспользовался возможностью и передал письмо от своих избирателей, пояснив, что представляет как раз интересы той части интеллигенции, которая не может позволить себе купить билеты. «Может быть Большой театр не во всем общедоступный, но все-таки доступный театр» – долго убеждал Урин.

Встреча не принесла серьезных сюрпризов. Зато, добираясь до зала Врубеля, можно было немного «потеряться» и бесплатно осмотреть еще некоторые залы. «Диалоги с культурными лидерами современности» будут продолжаться до конца сентября. Расписание следующих встреч можно посмотреть на сайте проекта.

Виталия Кононова, I курс, муз. журналистика

Трубы чарующие звуки

Авторы :

№5 (175), май 2018

Кафедра медных духовых инструментов консерватории в концертном сезоне, посвященном              10-летию со дня своего основания, не перестает радовать московскую публику яркими концертными программами. Не успели в Рахманиновском зале отзвучать последние аккорды концерта преподавателей и ассистентов-стажеров, как музыкальную эстафету принял класс профессора Вадима Алексеевича Новикова.

Первое отделение концерта 14 марта, по доброй традиции подобных вечеров, состояло из произведений эпохи барокко. Призывными фанфарами Сонаты Дж. Буамортье для трех труб solo (редко исполняемой в залах МГК) концерт открыли А. Пожидаев, П. Долинин и К. Танцырев. Дальнейшее путешествие к шедеврам Вивальди и Телемана солисты и зрители совершали в сопровождении Камерного состава Симфонического оркестра Московской консерватории (главный дирижер – доц. В.А. Валеев). Руководили оркестром студенты кафедры оперно-симфонического дирижирования.

Публику ждал сюрприз: со сцены ни разу не прозвучала труба в строе В. Студенты класса профессора В.А. Новикова представили богатый арсенал видовых и родственных инструментов – трубу in C, трубу-пикколо и флюгельгорн (переложение для флюгельгорна solo Сарабанды И.С. Баха сыграл Р. Ларин). Ассистент кафедры медных духовых инструментов Н. Токарев в дуэте с И. Лецкой (сопрано), исполнившие арию «Let the bright Seraphim» из оратории Г.Ф. Генделя «Самсон», наглядно доказали, что труба – один из самых близких к человеческому голосу музыкальных инструментов.

Во втором отделении концерта ученики и выпускники класса профессора В.А. Новикова в сопровождении концертмейстера, блистательной С.М. Оруджевой, оживили «золотые страницы» трубного репертуара – звучала музыка XIX–XX веков. Демонстрируя высокохудожественный уровень исполнения и успешно преодолевая трудные, а местами даже коварные инструктивные «ловушки», студенты профессора наполняли зал звуками шедевров Томази и Хиндемита, Энеску и Леончика. Большое впечатление на многих произвело филигранное воспроизведение сложнейших «Каскадов» А. Визутти ассистентом кафедры Н. Токаревым в ансамбле с пианисткой Т. Куделич. Под звуки «Парада трубачей» Л. Андерсона от Брасс-ансамбля кафедры медных духовых инструментов п/у Я. Белякова (идейным вдохновителем создания которого является В.А. Новиков) концертная программа подошла к концу.

Концерты класса профессора В.А. Новикова стали доброй традицией и всегда проходят с большим успехом: студенты и аспиранты приобретают новый опыт, демонстрируя то, чему научил их педагог. А для публики они были и остаются неизменным праздником чарующих звуков трубы.

Владимир Пинялов, ассистент-стажер МГК