Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Историческая премьера

Авторы :

№ 1 (162), январь 2017

%d0%bc%d0%b0%d0%bb%d0%b5%d1%803Профессор Геннадий Николаевич Рождественский готовил любителям музыки новогодний сюрприз – российскую премьеру кантаты Густава Малера «Жалобная песнь» в первой авторской редакции. Однако к огромному сожалению поклонников творчества маэстро, он по причине болезни, не смог довести до конца свой замысел. С поставленной задачей достойно справился дирижер Дмитрий Крюков на концерте в Большом зале 6 декабря, управляя Государственной академической симфонической капеллой России (худрук – Валерий Полянский). В концерте также приняли участие солисты Екатерина Ферзба (сопрано), Юлия Мазурова (меццо-сопрано), Василий Гафнер (тенор), Петр Соколов (баритон), Владимир Панин (дискант), Андрей Широков (альт).

Сам композитор считал это сочинение едва ли не самым лучшим: «Это первая вещь, в которой я ощутил себя Малером» – признавался он друзьям. Три части кантаты – «Лесная сказка», «Менестрель» и «Свадьба» – написаны по народному сказанию из книги немецкого фольклориста Людвига Бехштейна, на основе которых Малер создал стихотворный текст. Во всех частях последовательно разворачивается сюжет, повествующий о рыцаре, подарившим королеве прекрасный красный цветок. Ради власти и королевского трона он убил своего брата, и теперь об этом поет флейта, которую сделал странствующий менестрель.

%d0%bc%d0%b0%d0%bb%d0%b5%d1%801Волшебная романтическая легенда не всегда звучала целиком: долгое время партитура первой части считалась утерянной. В полном виде кантата была исполнена лишь в 1997 году. «Жалобная песнь» имеет несколько редакций, созданных в разное время, в которых Малер значительно сократил оркестровые и вокальные партии. На концерте в Большом зале публика услышала самую первую версию, включающую солистов, голоса мальчиков, смешанный хор и два оркестра (один из них находился за кулисами).

В целом, концерт оставил приятное впечатление. Безусловно, важно отметить мастерство Дмитрия Крюкова, который за короткое время нашел контакт с оркестром и представил заинтересованной публике нюансы сложной малеровской партитуры. Слушатели купили билет именно на Рождественского (он должен был еще и комментировать сочинение), и можно было ожидать полупустой зал. Однако свидетелями исторической премьеры захотели стать многие.

К сожалению, полного «погружения в сказку» в этот вечер так и не произошло: хор, оркестр и солисты звучали слегка автономно друг от друга, хотя и не нарушали цельность. Музыканты симфонической капеллы старались передать мощь и богатство тембров, выразительную кантилену (в духе медленных частей великого австрийца) и одновременно грандиозные tutti с характерными фанфарами и тиратами. Особенно удалась эффектная 3 часть, где торжественный свадебный марш подхватывает группа медных духовых за сценой – вместе с хором, прославляющим новобрачных, они создают почти зримую картину. К слову, вся кантата пронизана звукоизобразительностью, имитируя шелест леса или поединок двух братьев.

Хор, подобно греческой трагедии, выступал как наблюдатель и комментатор происходящего («О Боже, гордая королева! Когда ты победишь свою гордыню?»). Чередуясь с вокальными соло, они вместе усиливали общую атмосферу, но все же уступали стихии оркестра. Приглашенные певцы, к сожалению, и вовсе «потонули» в общей звуковой массе, а между тем, Малер написал для них прекрасные лирические партии, которые смогли бы удачно оттенить преобладающее эпико-драматическое звучание. Детские голоса (дискант и альт) явно не справлялись со своей тесситурой, в какой-то момент начало казаться, что юный солист не сможет допеть до конца. Хотя звонкие мальчишеские тембры явно понравились присутствующим.

По окончании слушатели долго не отпускали музыкантов и дирижера со сцены, сопровождая поклоны бурными аплодисментами. Несмотря ни на что, «Жалобная песнь» предстала вовсе не жалобной, а по-настоящему яркой и свежей, открыв российской публике новую страницу творчества Густава Малера. Премьера удалась!

Надежда Травина,
IV курс ИТФ

Новогодняя сказка из Перми

Авторы :

№ 1 (162), январь 2017

За два дня до наступления 2017 года московская публика получила незабываемый музыкальный подарок. В столицу приехал Теодор Курентзис – выдающийся дирижер и художественный руководитель Пермского театра оперы и балета, обладатель множества «Золотых масок» и просто любимец публики. Вместе со своими подопечными – оркестром MusicAeterna – он выступил в Большом зале консерватории, представив слушателям концертную версию балета Сергея Прокофьева «Золушка».

%d0%ba%d1%83%d1%80%d0%b5%d0%bd%d1%82%d0%b7%d0%b8%d1%81

Этот вечер во многом напоминал атмосферу сказки Шарля Перро. На новогодний ночной «бал» греческого маэстро (начало в 22:30) прибыли элитные гости – музыканты, актеры, кураторы музеев, журналисты, а также просвещенные меломаны, которых не смутили высокие цены на билеты (самые дешевые стоили 4 000 рублей). Тем, кто хотел попасть без таких затрат, приходилось искать «обходные» пути, вплоть до попытки «штурма» служебного входа. Другие смогли увидеть концерт в прямом эфире телеканала «Культура». Еще задолго до начала мероприятия студенческое сообщество бурлило, а в консерваторском воздухе витало предвкушение чего-то грандиозного – ведь каждое выступление пермского оркестра давно уже стало символом высокого профессионализма и безупречного вкуса.

Терпеливо подождав, пока опоздавшие рассядутся по своим местам, Курентзис, одетый в строгий костюм, резко взмахнул руками. И с этой минуты слушатели начали погружаться в удивительный волшебный мир, который создавали музыканты. Интересно, что все они,за исключением низких струнных и арфы, стояли.

Лирические номера балета (Вступление, дуэт Принца и Золушки) представляли певучие legato струнных в сопровождении деликатного арфового перебора, а также мощно-экзальтированные кульминации в духе медленных частей симфоний Малера. Подвижные фрагменты с типично прокофьевским задором (па де Шаль, галопы Принца) помогали Курентзису чувствовать себя в своей стихии. Быстрые темпы, которые задавал маэстро, придавали форме четкий пульс, позволивший оркестрантам проявить свою виртуозность.

Ни один эпизод из этого «концертного балета» не стал интермедией или связкой. Ни один инструмент не был фоном и не оставался в тени – каждое соло было максимально ясным и выразительным. Курентзис уверенно руководил своим коллективом и полностью отдавался музыке, почти не контролируя телодвижения и мимику – будто переходил в сферу бессознательного. Его энергетику чувствовали не только исполнители, но и слушатели, словно под воздействием чар сидевшие неподвижно. И только в небольших паузах между номерами и действиями многие начинали восхищенно переглядываться и с трудом возвращаться в реальность.

Музыка лилась единым потоком – контрастные эпизоды сменяли друг друга, как новогодние открытки. Однако интерпретация некоторых фрагментов пермским оркестром надолго врезалась в память слушателям. Это прежде всего, знаменитый вальс Золушки (Отъезд на бал), который ворвался в Большой зал подобно снежному вихрю и закружил всех в своем танце – дирижера, исполнителей, операторов и, конечно же, публику! Дуэт сестер с апельсинами пермская команда представила настолько лихо и с юмором, что следующий эпизод – Полночь – прозвучал сверх надрывно и драматично. Неумолимо тикающие стрелки часов, суровые мотивы духовых как фатальная сила рождали ощущение неизбежного, и вот уже бьют куранты (колокола в партитуре), а бледный и дрожащий Курентзис отчаянно вскидывает к ним руки, словно пытаясь остановить время, чтобы Золушка осталась на балу с принцем…

Несмотря на то, что на сцене балета как такового не было, скучать явно не пришлось – хотелось вскочить, пуститься в пляс, поддаваясь этому безудержному ритму. Балетная музыка, обычно находящаяся на втором плане в спектакле, в трактовке Курентзиса стала ярким симфоническим произведением, полным иронии, веселья, грусти, предвкушения радости, любовного томления. Портреты Золушки, Принца, Феи, Мачехи рисовались лишь звуками, и ощущение реальности нереального – бала, потери туфельки – не покидало ни на миг. Великая музыка о доброй принцессе в исполнении музыкантов мирового уровня подарила слушателям всех возрастов чувство детского восторга, веру в чудо, надежду что, несмотря на любые препятствия, любовь победит и все будет хорошо. Спасибо Теодору Курентзису и оркестру MusicAeterna за то, что хотя бы на один вечер мы забыли про катастрофы, беды, потери и безоглядно поверили в сказку со счастливым концом!

Надежда Травина,
IV
курс ИТФ

And how are we today?

Авторы :

№ 8 (160), ноябрь 2016

%d1%82%d1%80%d0%b0%d0%b2%d0%b8%d0%bd%d0%b0-%d1%84%d0%be%d1%80%d1%83%d0%bc-1В Московской консерватории состоялся XV международный фестиваль современной музыки «Московский форум». В этом году он был посвящен юбилею консерватории, а также ее выпускникам – ныне ведущим российским композиторам, преподавателям, студентам и гостям предыдущих фестивалей. Темой форума стал вопрос «And how are we today?» («И каково нам сегодня?») – так же названа одна из пьес фестиваля. По словам организаторов – Центра современной музыки, программа форума отражает попытку представить актуальный срез авангардной музыки сквозь призму истории Московской консерватории и разных ее поколений. Четырехдневный марафон включал в себя вечерние и ночные концерты в Рахманиновском зале, а также дневные семинары по музыкальной критике для молодых журналистов и культурологов с дискуссиями музыковедов и композиторов.

Первый день Московского форума ознаменовался уникальным событием – исполнением двух неизвестных фрагментов оперы «Нос» Д. Шостаковича (по замыслу автора они должны были звучать во время перемены декораций). Инициатором этой идеи выступил музыковед Л. Акопян, который подробно рассказал в своей предконцертной лекции об истории создания оперы и даже продемонстрировал найденные рукописи. Ансамбль «Студия новой музыки» под управлением дирижера И. Дронова, сыгравший все концерты форума, достойно представил не только мировую премьеру Шостаковича, но и эпизоды из его балета «Болт» (к слову, повторенные на «бис»).
В этом же концерте-открытии прозвучали «Пилигримы» С. Губайдулиной, написанные в жанре пассакалии, остинатная тема которой отражала шествие странников, ищущих внутри себя нечто сакральное. В исполнении ансамбля виолончелистов МГК под руководством О. Галочкиной публика услышала «Гимн» Э. Денисова – редко исполняемое сочинение последнего периода жизни композитора, пронизанное тонкими сонорными линиями. Также была сыграна и другая его пьеса – «Wishing Well» («Пожелание добра») для голоса, кларнета, альта и фортепиано.

Еще один концерт первого дня форума назывался «A Priori / A posteriori» и представлял премьерные произведения молодых авторов. Ими оказались выпускники этого года Б. Мусаев (пьеса «Scales»), А. Бесогонов («The Universe 26») и недавно закончившая консерваторию Е. Рыкова со своим опусом «You exit and I`m an illusion». К ним присоединились «Биомеханика» Н. Попова, «Остров Назино» Г. Дорохова, а также пьесы М. Хорьковой и А. Хубеева, чьи заголовки послужили программой этого концерта.

Завершением насыщенного стартового дня стали два ночных перформанса. Музыкально-театральная притча «Чайcolossus» Я. Судзиловского (он же выступил в роли поющего в большой барабан виолончелиста) была посвящена «тайне» памятника П. И. Чайковскому, который, по словам автора, «предстает перед нами в виде некоего сфинкса-хранителя времени». После этого композитор А. Наджаров позволил публике исполнить его мультимедийную композицию «Call to Studio», где каждый с помощью своего гаджета мог управлять звучанием и непосредственно взаимодействовать с инструментами.

%d1%82%d1%80%d0%b0%d0%b2%d0%b8%d0%bd%d0%b0-%d1%84%d0%be%d1%80%d1%83%d0%bc-2Следующие дни Московского форума подарили целый калейдоскоп мировых и российских премьер. В концерте «Консерватория сегодня» были представлены сочинения педагогов-композиторов: Ф. Караева («Сказка сказок или вчерашнее завтра»), Ю. Каспарова (Камерная симфония №4 «Исчезающий мир»), К. Уманского («Frustration»), Ю. Воронцова («32»), И. Кефалиди («apophonie»). Их линию подхватили молодые коллеги В. Горлинский – с тонкими, растворяющимися звучностями его пьесы «Причина», А. Сюмак, предъявивший слушателям экспериментальный вокальный опус «Ария» (солистка О. Власова) и, наконец, О. Бочихина, посвятившая консерватории свое сочинение «…,а корабль плывет…».

Эту программу сменило еще одно представление – Ансамбля ударных инструментов М. Пе-карского, – плавно перетекшее в следующий день. Тем, кто решил остаться до конца, выпала редкая возможность услышать сочинения композиторов северной столицы и так называемого «русского зарубежья» – А. Кнайфеля, Д. Смирнова, А. Шнитке, А. Раскатова, А. Волконского, Н. Корндорфа.

После подобной «диаспоры» третий вечер Форума содержал в себе опусы композиторов, которые в разное время наносили визит Московской консерватории. В композиции Б. Фуррера «Линия горизонта», написанной в технике гокета, автор музыкальными средствами реализовал, по его признанию, «принцип искажения теневой картины». В пьесе «Trait d`union» Ф. Юреля отразилась идея постоянной борьбы материала и исполнителей, а в камерно-вокальной «temA» Х. Лахенмана, гостя прошлого форума, напротив, возникло звуковое единство. Выразительные и виртуозные возможности бас-кларнета были продемонстрированы в сочинении «…In…» М. Андре; органичный дуэт скрипки и аккордеона – в «Шести мелодиях» Дж. Кейджа; исторически-стилизованные микрохроматические звуки – в «Струнном квартете №2» Г. Хааса. Кульминацией концерта стали два ярких сочинения: «Ballata No.2» Ф. Филидеи и «And how are we today?» М. ван дер Аа, заставивших публику аплодировать стоя.

Ночной концерт третьего вечера состоял из полярных композиций – своего рода проверки слушателей «на прочность». И если в опусе «Париж» из цикла «Карты несуществующих городов» Д. Курляндского им предстояло погрузиться в тихие сонорные звуки, тающие в пространстве, то в «Gradus ad Parnassum» В. Мартынова (который сам сел за рояль) – после сорокаминутного До мажора наконец-то дождаться тоники.

Кода музыкальной части Московского форума-2016 тоже была своеобразной. Ею стала премьера двухчасовой пьесы А. Сысоева под названием «Selenology», прозвучавшей в исполнении пианистов Ю. Фаворина и Н. Черкасовой. Но и это был еще не конец Форума…

Презентацию музыки дополнили семинары по критике и журналистике для начинающих молодых авторов – студентов МГК, МГУ, РАМ им. Гнесиных, Высшей школы экономики и ребят из других городов (Санкт-Петербурга, Кемерово…). Каждый мог прослушать лекцию ведущих музыкальных критиков (кстати, выходцев из Московской консерватории), задать вопросы и даже послать им на рецензию свои работы. Доцент Р. Насонов рассказал о восприятии современной музыки в сегодняшнее время; аспирант Вл. Тарнопольс-кий поведал о новом музыкальном театре. Главный редактор консерваторских газет «Российс-кий музыкант» и «Трибуна молодого журналиста» Т. Курышева продемонстрировала видеозаписи своей телепередачи «Музыка наших современников», в которой она беседовала с композиторами 80-х годов. Музыкальный критик газеты «Ведомости» П. Поспелов представил жанр рецензии и прокомментировал материалы участников семинара.

Редактор отдела культуры «Известий» С. Наборщикова объяснила, как, с ее точки зрения, нужно создавать статьи, а глава журнала «Музыкальная жизнь» Е. Кривицкая поделилась воспоминаниями о начале своей журналистской карьеры. Я. Тимофе-ев направил внимание слушателей на жанр интервью, М. Гайкович из «Независимой газеты» обратилась к тонкостям проблемной статьи. Своеобраз-ным «бонусом» семинаров стала лекция редактора отдела культуры газеты «Frankfurter Allemeine Zeitung» К. Хольм, которая познакомила присутствующих с особенностями немецкой прессы. Семинары плавно перетекали в дискуссии и «круглые столы»…
Музыкальный марафон, который длился четыре дня буквально с утра до ночи, подарил незабываемые впечатления, став уникальным приношением родной Аlma Мater. Огромное значение Московского форума подчеркнул и ректор А. С. Со-колов, выступивший на торжественном открытии и вручивший именные награды солистам ансамбля «Студия новой музыки» и сотрудникам Центра современной музыки. Хочется верить, что многие смогли получить ответ на главный вопрос Форума – И каково нам сегодня? Особенно среди тех, кто впервые открыл для себя новейшую музыку…

Надежда Травина,
IV курс ИТФ
Фото Федора Софронова

Музыка революций

Авторы :

№ 7 (159), октябрь 2016

Бонн, 15 сентября

10 сентября в Рахманиновском зале состоялось открытие нового сезона Центра современной музыки Московской консерватории. Ансамбль «Студия новой музыки» под управлением Игоря Дронова представил программу под оригинальным названием «Русские революции в музыке 1917–1991».

Концерт стал своеобразной репетицией перед выступлением ансамбля на крупнейшем фестивале Beethovenfest в Бонне (15 и 17 сентября). На родине Бетховена «Студия» дала два концерта, исполнив сочинения раннего русского авангарда (Д. Шостакович,  И. Стравинский, Н. Рославец, В. Дешевов, И. Вышнеградский) и пьесы, напрямую или косвенно связанные с русскими революциями.

В первом отделении московского концерта прозвучали произведения Николая Рославца и Сергея Прокофьева – двух великих «бунтарей» начала XX века. Пожалуй, они, больше чем остальные отразили в своем искусстве по-настоящему революционные музыкальные идеи прошлого века.

Камерная симфония № 1 (1927) Рославца долгое время оставалась неоконченной, и только в конце 80-х ее восстановил и оркестровал композитор А. Раскатов: он подробно изучил эскизы и дописал небольшую коду. Рославец – создатель «новой системы организации звука», по свежести ничуть не уступающей изобретениям Шенберга. В камерной симфонии № 1 он не только воплотил свои смелые искания, но и сумел отразить дух недавней революции: таинственно-мистические темы сменялись надломленными, призывные – лирически-экспрессивными, близкими стилю Скрябина.

Совсем иной характер носил квинтет Прокофьева под названием «Трапеция» (1924). Первоначально эта музыка создавалась для одноименного балета, но через несколько лет композитор написал на ее основе инструментальное сочинение из шести частей, которые расположил по сюитному принципу. В квинтете органично сочетаются интонационно усложненный материал с замысловатыми ритмическими фигурами, типичные для Прокофьева энергичные и одновременно ироничные темы. В виртуозном исполнении солистов ансамбля «Студия новой музыки» это сочинение предстало своего рода манифестом борьбы и свободы, в равной степени присущим прошлому столетию.

Вторая часть вечера выстроилась вокруг 1991 года – интересно, что события того времени, как заметил в своем вступительном слове профессор В. Г. Тарнопольский, зарубежные страны до сих пор называют «революцией». Прозвучали пьесы современных российских композиторов, созданные в тот же год.

«Мне кажется, это было еще вчера, а между тем это случилось еще в начале тысяча семьсот восемьдесят восьмого года» – этими словами Ж.-Ф. Лагарпа начиналось сочинение Александра Вустина «Музыка для десяти» (существующее также в качестве антракта к его опере «Влюбленный дьявол»). Судорожные и нервные микромотивы инструментов сливались с не менее возбужденной речью исполнителей и дирижера, зачитывающих фрагменты текста: создавалось ощущение некоего хаоса, калейдоскопа мгновений и реальной атмосферы тревожных событий.

«Кассандра» – пьеса Владимира Тарнопольского – завершила концерт. Сочинение было написано незадолго до августовского путча и таким образом приобрело символический смысл. Сначала музыкальную ткань пронизывают тончайшие звучности, шорохи, политембровые и полигармонические комплексы, которые постепенно выстраиваются и медленно рассыпаются, образуя, по словам автора, «пульсацию фаз слияния и расслоения звуковой материи». Затем пророчества трагических событий мифологической героини воссоздаются в музыке в облике звукового «заклинания» – постоянного возвращения одного и того же экспрессивного лейтаккорда, напоминающего раскат грома…

Блистательное выступление ансамбля «Студия новой музыки» в этот вечер показало, что и в 1917-м, и в 1991-м, и даже в наше время музыка способна стать своеобразным зеркалом трагических лет, отражая в звуках дух времени. Актуальные, глобальные проблемы не перестанут волновать настоящих художников, способных чутко откликаться на коренные изменения как в жизни, так и в искусстве. Произведения, созданные музыкальным языком революционного XX века, навсегда останутся бесценным памятником ушедшей эпохи.

Надежда Травина,
студентка ИТФ

Кто он – «идеальный» современный композитор?

№ 3 (155), март 2016

Современная музыка во все времена вызывала споры, привлекая к себе пристальное внимание. Постоянно появляются новые имена композиторов, которые работают в разных странах, в разных композиторских техниках, создают множество новых произведений – хороших и не очень. В этой пестрой картине порой бывает сложно разобраться. Иногда за технической стороной дела совершенно забывают о личности творца – насколько она вообще актуальна в наше время? Каков он, «идеальный» современный композитор? На эту тему решили побеседовать две студентки ИТФ – Анастасия Попова и Надежда Травина.

А. П. Надя, как ты думаешь, какие темы должен затрагивать современный композитор в своей музыке?

Н. Т. Настя, думаю, прежде всего, он должен затрагивать актуальные темы, которые отражают действительность. Но нельзя забывать и о вечных вопросах – любви, смерти – обо всем, что волнует человека. Композитор должен искать источники вдохновения в литературе, живописи… Как во все времена. А ты как считаешь?

А. П. Из моего собственного слухового опыта кажется, что современная музыка тяготеет к каким-то пессимистическим темам. Или наоборот – ничего не отображает. Музыка ради музыки. Техника ради техники… Ведь тот же Ксенакис не ставил перед собой задачу раскрыть какой-то образ, сюжет, верно? И непонятно, какими средствами композитор может отразить действительность?

Н. Т. Ты имеешь в виду приемы письма?

А. П. Да, именно!

Н. Т. В современной музыке – множество различных техник, и выбор для написания просто огромен. Все зависит от концепции и задумки сочинения, в связи с ней композитор ищет ту или иную технику, которая будет отражать идею. Без конкретной идеи использование музыкальных средств абсолютно бессмысленно, даже если автор нашел свой собственный стиль.

А. П. А современный композитор должен опираться на опыт предшествующих поколений?

Н. Т. Безусловно. Нельзя порывать с традицией, поскольку без знания музыки Баха, Моцарта и других великих композиторов невозможно сочинять. Даже если автор – смелый авангардист и отрицает все предыдущее, он должен понимать, что написанное ранее – этап, без которого мы не имели бы то, что имеем сейчас. Связь с традицией – обязательна, но выражаться она может не напрямую. Я думаю, это должен быть некий пиетет перед предыдущей эпохой в виде посвящения, цитаты, аллюзии. Другой вопрос, нужно ли сейчас писать тональную музыку. Ведь уже в прошлом веке открыли столько всего «антитонального».

А. П. Мне кажется, что тональная музыка остается актуальной и сейчас. Ведь уровень любого сочинения определяется не наличием каких-то невероятных техник, а качеством самой музыки. Если композитор смог выработать индивидуальный стиль и создает что-то яркое, выдающееся – абсолютно неважно, какими средствами и техниками он пользуется. Его музыка будет востребована и желанна, если не сейчас, то позже. Но вот должен ли композитор сам выбирать исполнителей для реализации своего сочинения или он обязан довольствоваться тем, что его хоть кто-то исполняет?

Н. Т. Сочинения современных композиторов, особенно XXI века, могут исполнять далеко не все. Немногие профессионалы способны воспроизвести то, что задумал автор. Новые приемы, новые способы звукоизвлечения… Современную музыку играют всего несколько ведущих коллективов: Еnsemble Modern, Schoenberg-Ensemble, наша «Студия новой музыки» – уникальный ансамбль, который может практически все, осуществляет премьеры забытых, неисполняемых произведений, к примеру, Вторую камерную симфонию Рославца.

А. П. Во все времена новому приходится прокладывать себе дорогу. Многие композиторы подвергались жесточайшей критике, их сочинения не исполнялись и не издавались. Далеко не все готовы осваивать новый материал. Но процесс не остановить, количество концертов современной музыки растет, как и увеличивается число произведений. Это хорошо, ведь искусство должно развиваться и искать новые пути. Ты согласна?

Н. Т. Да, разумеется. Если классическую музыку воспринимают легко, то современной приходится сложнее. Поэтому многие сочинения пылятся на полках и не играются!

А. П. А меня волнует другое: должен ли современный композитор рассказывать о своей технике, писать теоретические труды, которые будут объяснять метод его работы над сочинением?

Н. Т. Разумеется, это же огромная помощь музыковедам! Сочинение предполагает комментарий не только для того, чтобы его изучать, но и лучше воспринимать – особенно непросвещенным людям. Но это, возможно, лишит восприятие способности вызвать ассоциации без детального анализа, только звуками.

А. П. Где лучше сочинять российскому автору – в своей родной стране или за рубежом, где авангардная музыка более востребована?

Н. Т. Композитор может эмигрировать по различным причинам, но, как мне кажется, он должен развивать искусство в своей стране. Здесь он сможет проявить себя во всех гранях, потому что будет чувствовать свою связь с ней, даже если будет не всем понятен.

А. П. Ты много общаешься с молодыми авторами. Кто из нынешних студентов может претендовать на звание достойного современного композитора?

Н. Т. Это очень компрометирующий вопрос! Кого выделить? Мне кажется, это зависит от того, как они будут сочинять дальше: останутся ли на одном этапе или начнут писать по-новому. А я задам встречный вопрос: как думаешь, могут ли молодые композиторы создать настоящее произведение искусства, или каждый из них только стремится чем-то удивить?

А. П. Однозначно могут. Все зависит от конкретной личности. Тот, кто талантлив и занимается своим делом, сможет создать произведение искусства. Хотя идеальный современный композитор – понятие субъективное. Для каждого «идеальным» будет свой. Но если автор точно знает, что хочет, и создает качественную музыку, он может претендовать на звание художника. И не только современного.

Подготовила Анастасия Попова,
IV курс ИТФ

Искусство для будущих защитников

Авторы :

№ 2 (154), февраль 2016

26 января в Московском университете МВД им. В. Я. Кикотя состоялось занятие, посвященное симфонической музыке и оркестру. Перед курсантами выступил Центральный концертный оркестр полиции под управлением заслуженного артиста России Ф. Б. Арановского. Ведущие солисты каждой из оркестровых групп рассказали об уникальных возможностях своих музыкальных инструментов, проиллюстрировав их фрагментами из классической и эстрадной музыки. В ходе занятия автор этих строк познакомил курсантов полиции с историей, жанрами симфонической музыки и их развитием, а также с некоторыми аспектами дирижерского искусства. Просветительская лекция, организованная силами университета МВД и Московской консерватории, завершилась небольшим концертом.

Это событие – не единичный случай. Помимо учебного процесса, стрельб, службы, нарядов в стенах Университета МВД регулярно проводятся различные лекции и встречи, которые знакомят юных полицейских с музыкой. Не будет преувеличением утверждать, что представители профессии, чья служба «и опасна, и трудна», должны интересоваться искусством. Не случайно в прошлых столетиях в формировании будущего офицера музыка играла огромную роль: молодые кадеты, курсанты прекрасно музицировали, владели инструментами. В сегодняшнее время это далеко не так, и духовное воспитание для немузыкантов становится весьма редким явлением. Приятно осознавать, что культурный отдел Университета МВД противится печальной тенденции, стараясь пробудить в своих воспитанниках любовь к прекрасному.

Лекция и концерт, о которых идет речь, – живой тому пример. В течение часа Ф. Арановский в непринужденной обстановке знакомил курсантов с каждым инструментом своего оркестра. Вызываемые на сцену исполнители ярко и образно говорили не только об истории возникновения и эволюции инструмента, но и показывали основные приемы звукоизвлечения, штрихи и выразительные возможности. Демонстрация скрипки и флейты сопровождалась презентацией на широком экране, где транслировались изображения «внутреннего устройства» инструментов.

Сотрудники культурного отдела (некоторые – выпускники Московской консерватории) обратились ко мне с просьбой подготовить небольшой доклад о симфонической музыке XVIII–XX веков. Помимо этого, курсанты узнали имена выдающихся русских симфонистов, прославленных дирижеров и даже образцы некоторых оркестровых сочинений.  В программу мини-концерта вошли наиболее узнаваемые «хиты» классической и эстрадной музыки: «Весна» Вивальди, «Шутка» Баха, «Славься» Глинки, «Oblivion» Пьяццоллы, «We will rock you» группы Queen и многие другие, представленные в виде кратких фрагментов.

Важно отметить профессионализм и достойный исполнительский уровень Центрального концертного оркестра полиции, который в этом году отметит свое десятилетие. В завершении занятия Ф. Арановский предложил одной курсантке почувствовать себя на мгновение дирижером; уступив ей место за дирижерским пультом. Маэстро наблюдал ее попытки руководить музыкантами, разумеется, под бурные овации сослуживцев.

Было приятно видеть, как будущие защитники страны с интересом узнают новые для них термины и понятия, обмениваются впечатлениями. Радует, что для проведения такой просветительской акции была привлечена Московская консерватория, олицетворяющая настоящее искусство, призванное достучаться до сердец даже тех людей, чья профессия не имеет с ним связи. Остается надеяться, что впереди у курсантов университета МВД еще будут подобные концерты и лекции, которые останутся в их памяти на долгие годы.

Надежда Травина,
III курс ИТФ

Мыслить музыку

Авторы :

№ 6 (149), сентябрь 2015

По инициативе Центра современной музыки 6 сентября в Московской консерватории прошла творческая встреча с композитором Рафаэлем Сендо (Франция). Выпускник парижской École Normale de Musique, чьи сочинения написаны по заказу таких коллективов как Nouvel Ensemble Moderne и Ensemble InterContemporain, он приехал в столицу из города Чайковский (Пермский край), где в рамках Пятой международной академии молодых композиторов преподавал студентам и стажерам. А знакомство слушателей с его музыкой состоялось еще в 2013 году, когда «Студия новой музыки» осуществила проект «Падение/я», одним из авторов которого являлся Сендо.

Двухчасовой мастер-класс композитора в стенах консерватории, состоявший из подробного анализа сочинения и его прослушивания с партитурой, прошел на высоком уровне. Помимо традиционных вопросов, многие просили конкретнее остановиться на том или ином понятии, смысл которого пытались обнаружить всей аудиторией: приглашенный переводчик не всегда точно воспроизводил мысль автора. Свое выступление Сендо начал с краткой творческой биографии, но быстро перешел к анализу собственных сочинений.

В пьесе «Action Painting» для пятнадцати инструментов, по словам композитора, есть прямая отсылка к творчеству американского художника и лидера абстрактного экспрессионизма Джексона Поллока. Его уникальная техника создания картин (термин «льющаяся техника»), которая представляет собой разбрызгивание краски над поверхностью холста, стала основой для произведения Сендо. Несмотря на свою «классичность» (этим автор подразумевает стандартный ансамбль солистов, скрытую программность и т.д.), произведение-перформанс открывает новый способ взаимодействия музыки и жеста: на сцене в момент исполнения появляется человек, совершающий определенное движение, которое мгновенно дублирует звук инструмента. Вдохновленный пьесой «Partiels» Жерара Гризе, композитор создал похожую структуру на основе процессов расщепления звуков и транспонирования отдельных тонов.

Следующим предметом обсуждения стал Струнный квартет в трех частях, в котором автор продемонстрировал индивидуальность своей техники сочинения. Используя структурированные тембры, Сендо применяет к ним понятие грануляция – некое фокусирование, замедление звучания, где слышна каждая звуковая частица. Параллельно с этим он выбирает отдельные эпизоды, последовательность которых нарушает тишина (термин «фрагментация»). Эти способы создания целого также использовались в пьесе «Tract»,написанной для студии IRCAM. Одной из ее особенностей стало наличие калейдоскопа микроформ, временные рамки которых – от трех секунд до минуты. Однако здесь нет четких границ и разделов: отвечая на вопрос публики, Сендо признался, что всегда пишет интуитивно.

В заключение встречи композитор познакомил слушателей с вокально-электронной композицией, название которой можно перевести как «Введение в преисподнюю». На основе фрагментов из Апокалипсиса, Сендо мастерски работает не только с различными слогами и фонемами, но и с вокальными приемами. Необычный метод издавать звук на вздохе рисует картину разрушения и гибели, которая содержится в тексте. Интересно, что на создание «задыхающейся» манеры пения автора вдохновили голоса монстров и привидений из фильмов. В этой пьесе композитор совместил опыт электронных школ Парижа и Кельна – процесс записи на магнитофонную пленку с исследованием связи компьютера и музыки, в результате которого образовалась непрерывная звуковая масса, «растягивающая» временнóе поле.

Непринужденная манера общения и юмор Рафаэля Сендо буквально влюбили в него слушателей, которые не уставали интересоваться подробностями произведений. Оставив свои контакты для дальнейшего сотрудничества с молодыми коллегами, композитор был вынужден завершить беседу, которая, вспоминая труд Булеза, может быть охарактеризована как «мыслить музыку сегодня». Будем надеяться, что это был далеко не последний визит Сендо в Московскую консерваторию, и впереди нас ждут новые встречи с ним и премьеры его сочинений.

Надежда Травина,
студентка
III курса ИТФ

Музыкальное приношение Великой Победе

Авторы :

№ 4 (147), апрель 2015

Композиторский факультет Московской консерватории провел конкурс молодых композиторов, посвященный 70-летию Великой Победы. По словам организаторов, целей у данного мероприятия было несколько: поднять патриотическое сознание молодых авторов, оказать им поддержку и обеспечить исполнение их музыки в широкой аудитории. Конкурс проходил по двум номинациям: «Камерный хор» и «Вокальная музыка». Студенты консерватории, принимавшие участие, прислали работы, посвященные теме войны, которые ранее не издавались и не исполнялись в публичных концертах. Жюри оценило произведения, и в начале апреля стали известны победители, чьи имена до того были зашифрованы под паролем-идентификатором.

Поздравив победителей конкурса и пообщавшись с лауреатами первых и вторых премий (третьего места не присудили ни в одной номинации), я попросила их ответить на три вопроса:

1. Каков замысел твоего конкурсного сочинения? Расскажи, пожалуйста, об истории его создания.

2. Что для тебя означает участие в этом конкурсе? В чем его польза для молодых авторов?

3. Конкурс посвящен 70-летию Великой Победы. Чем для тебя лично стало это событие?

 

МАКСИМ БАБИНЦЕВ
Пароль «Хорус»
Композиторский факультет, I курс
I премия в номинации
«Камерный хор»

1. Мое произведение «Пусть буду я убит в проклятый день войны» написано на стихи современного поэта Евгения Неживцева. Все мои вокальные произведения рождаются за счет проявления интереса к какой-нибудь поэзии. Так случилось и с этим сочинением. Написал его в 2014 году перед самым праздником 9 мая.

2. Конкурс, думаю, полезен тем, что каждый молодой автор, естественно, не участвовавший в военных действиях и не видевший всего происходившего – военных потерь, краха надежд – может попробовать войти в то страшное время, прочувствовать его на себе и попробовать изложить в музыкальной «речи».

3. 70-летие Победы – само название уже говорит о том, что время после окончания войны движется все быстрее, от нас уходят ветераны. Мы обязаны не забывать про этот праздник. Особенно это касается художников, в руках которых сохраняется память о событиях тех лет.

 

ЕЛИЗАВЕТА ЧЕРНОВА
Пароль «SPB»
Кафедра современного хорового исполнительства, III курс
II премия в номинации
«Камерный хор»

1. Мое сочинение «Блокадный диптих» написано для композиторского конкурса в короткие сроки. Я случайно нашла стихи Александра Трубина о войне и переписала их в записную книжку. В день снятия блокады (27 января) я была в Санкт-Петербурге и по дороге в Кронштадт «услышала» эти стихи. Затем появилась музыка.

2. Участие в конкурсе молодых композиторов для меня – большая радость. Тематика конкурса не потеряла актуальности, несмотря на то, что Война была 70 лет назад. Обращение к данной теме заставляет задуматься: кто может хотеть ещё одной войны?

3. Мой прадедушка получил медаль за участие в снятии блокады Ленинграда. Поэтому 70-летие Победы для меня еще и семейный праздник. В этих боях прадедушке оторвало руку. А сколько неизвестных солдат погибло во время Второй мировой войны?! Сколько на самом деле жизней унесла блокада Ленинграда? Сколько существует семейных историй, связанных с войной? Подобного рода вопросы можно задавать бесконечно.

 

МАРИЯ КУДРЯШОВА
Пароль «Sound»
Фортепианный факультет, V курс
I премия в номинации
«Вокальная музыка»

1. Основная концепция моих песен «Ты пишешь письмо мне» и  «Песня ветеранов» – всепобеждающая сила любви и величие духа человеческого. Написаны они в классической песенной форме, и я подумала, что это даст возможность понять их не только искушенному слушателю, но и человеку, не обладающему музыкальными знаниями. Хотелось, чтобы жанр военной песни продолжал свои традиции и побуждал людей на что-то доброе. Может быть, на воспоминания о войне, о подвиге наших дедов. Мой дедушка был летчиком-стрелком на военном самолете ИЛ-2 (фашисты называли этот самолет «черная смерть»). Дедушка прошел через всю войну, отправившись на фронт в 16 лет. Он – мой герой. Вечная ему память.

2. Время неумолимо отдаляет нас от событий Великой отечественной войны. Но подвиг народа, выстоявшего в этой войне и победившего адское зло, остается в нашей памяти. Люди различных творческих профессий создавали и будут создавать новые произведения об этой Войне. Они заставляют нас всех задумываться о самом важном – о цене человеческой жизни. И этот конкурс дал возможность еще раз соприкоснуться с событиями прошлых лет и выразить через музыку свое отношение к тем, кто прошел испытание войной.

3. Для меня день Победы – день радости избавления от фашизма и, одновременно, день скорби о миллионах погибших. За 70 лет выросло несколько поколений – пусть память о войне объединит людей в едином стремлении к миру.

ИВАН ШМАРЫГИН
Пароль «concerto grosso»
Фортепианный факультет, II курс
II премия в номинации «Вокальная музыка»

1. Сочинение было написано специально для конкурса – я увидел объявление в интернете и решил поучаствовать. На тему войны создано очень много гениальных стихов, поэтому выбрать какое-то одно произведение было непросто. Я решил остановиться на стихотворении Самуила Маршака «Мальчик из села Поповки», в котором рассказывается про маленького Петю – единственного жителя Поповки, уцелевшего после ухода из села фашистов. Я понимал, что тема войны накладывает особую ответственность: музыка должна быть одновременно и трагической, и героической. И, честно говоря, мне кажется, что мне это не вполне удалось.

2. Это мой первый опыт создания музыкального произведения для конкурса и мне было интересно в нем участвовать. Я занял второе место, чем приятно удивлен.

3. На этот вопрос ответить сложно, но я знаю, что означает Война для людей старшего поколения, тех, кто ее прошел. Я преклоняюсь перед мужеством  этих людей и с большим уважением отношусь к их чувствам. Их подвиг трудно переоценить.

Подготовила Надежда Травина,
студентка II курса ИТФ

Комедия о трагедии художника

Авторы :

№ 3 (146), март 2015

В Московском драматическом театре имени А. С. Пушкина в очередной раз с успехом прошел спектакль «Таланты и покойники» (режиссер – Евгений Писарев). Литературной основой постановки явилась единственная пьеса Марка Твена «Жив или мертв», переведенная на русский язык специально для театра (автор перевода – Михаил Барский). В двухчасовой комедии были задействованы лучшие актеры, а главную роль вновь блистательно исполнил популярный певец Сергей Лазарев.

Жизнь современного художника полна трудностей: скверное материальное положение, негативное отношение коллег, непризнание в обществе – эти вечные проблемы заявлены уже в самом начале спектакля. По сюжету молодой живописец Жан-Франсуа Милле, влюбленный в дочь разорившегося аристократа Леру, отчаянно пытается не только покрыть его долги, но и разбогатеть, надеясь тем самым покорить сердце прекрасной Мари. Но его картины не продаются, ибо в богемном Париже имя Милле никому неизвестно, а самое главное – он жив! Ведь, по мнению одного покупателя, на картины художника есть спрос, когда он умер (лучше – при загадочных обстоятельствах). Милле и трое его друзей всерьез воспринимают это странное заявление и решаются на авантюру: заявляют общественности о внезапной болезни Франсуа и его возможной смерти. Через некоторое время им удается продать почти все картины и добиться всемирной славы, о которой они так мечтали.

В отличие от пьесы Твена постановщики превратили историю о непризнанном художнике в настоящую комедию с переодеваниями, танцевальными и вокальными номерами. Чтобы на время продажи картин скрыть реального Франсуа, друзья уговаривают его стать… своей же сестрой, одинокой вдовой Дейзи Тиллу. Появление мужчины в женском образе, популярное в театре еще со времен Шекспира, стало украшением всего спектакля. И этому, прежде всего, способствовал сам актер.

На протяжении всего вечера С. Лазарев покорял публику не только комедийным «вживанием» в мадам Тиллу, но и умением мгновенно перевоплощаться, делая свою героиню то женственно-нежной, то решительной (как во втором акте, где ей предстояло отказать своим поклонникам). Небольшие вокальные номера в начале и конце каждого акта позволили С. Лазареву проявиться и в своем главном амплуа, придав постановке эффект мюзикла.

Другие актеры не уступали друг другу в мастерстве: Алексей Воропанов представил папашу Леру в виде глуховатого старика, влюбленного в Дейзи; его дочь Мари, искренне любящую Франсуа даже в его новом образе, прекрасно сыграла Анна Кармакова; а мошенника Бастьена Андре, который предлагает Дейзи руку и сердце, чтобы присвоить ее богатство, – Сергей Миллер. В калейдоскопе любовных неувязок и выяснений отношений слава «умершего» Франсуа растет с каждым часом, и вот уже сама английская королева приходит проститься с телом «гения»!

Появление гроба на сцене – сюрреализм и фарс одновременно. Но и эта деталь отлично вписывается в комедийную обстановку. Костюмы начала XX века, картины Милле в духе постимпрессионизма и абстракционизма, музыкальное сопровождение а-ля французский шансон (и цитата английской народной песни Greenfields) – все это в сочетании с умопомрачительными диалогами героев позволяет смотреть спектакль на одном дыхании.

Узнать, разоблачат ли Милле в образе мадам Тиллу, и расторгнет ли с ним свой контракт злодей Андре, можно, купив билет на спектакль. В репертуаре театра есть и классические («Вишневый сад», «Женитьба Фигаро»), и современные постановки («Девичник Сlub»), но, пожалуй, именно «Таланты и покойники» тонким, искрометным юмором способны привлечь как заядлых театралов, так и новоиспеченного зрителя.

Надежда Травина,
студентка II курса ИТФ

Двадцать лет спустя – поколение Y

Авторы :

№ 7 (141), октябрь 2014

8 октября в Московской консерватории был представлен проект Центра современной музыки «Территория современного искусства. Двадцать лет спустя», цель которого – выяснить, как изменился мир искусства с 90-х годов прошлого века. В ходе конференции представители крупных культурных организаций (Театральный центр им. Вс. Мейерхольда, ГЦСИ, Новый европейский театр) размышляли о развитии и восприятии новых художественных течений. Во время круглого стола к дискуссии присоединились молодые композиторы, театроведы, художники. Финальным аккордом стал концерт-марафон «Девяностые: Начало // 20 лет спустя: Поколение Y», который в Рахманиновском зале провел ансамбль «Студия новой музыки». В программе были представлены произведения двух поколений современных российских композиторов.

Фото Анны Цукановой

В первом отделении под управлением Игоря Дронова звучали сочинения, написанные в 1991 году. Современная музыка, как и государство, стояла тогда на пороге кардинальных обновлений. «Кассандра» Владимира Тарнопольского, завершенная незадолго до августовского путча, оказалась своего рода прорицательницей грядущих перемен в новом мире. Взаимодействие шумов и высотности, возникновение и распад тематизма вызывают состояние смятения – грядет катастрофа. Музыкальная ткань пронизана аккордовыми комплексами, которые неоднократно возвращаются к исходному материалу, воспринимается как призыв к смене устоявшихся норм.

Другим сочинением 1991 года стала «Музыка для десяти» Александра Вустина на текст Ж. Ф. Лагарпа. Десять исполнителей предстали в образах французской знати, а дирижер – в образе пророка, который предсказывал события Великой Французской революции. Активный шепот-канон текста участников этой театральной сцены, мистические завывания, таинственные инструментальные соло – все это заставило погрузиться слушателей в далекую эпоху великих перемен.

Во втором отделении вечера Владимир Горлинский в качестве дирижера представлял сочинения молодых композиторов нового поколения. «Внимание Николая Хруста, написанное к юбилею «Студии новой музыки», – некая юмористическая зарисовка. По словам автора, чтение аннотации к этому маленькому афоризму занимает больше времени, чем его прослушивание – пьеса длится не больше минуты. Эту линию продолжил «Марш Алексея Сюмака. Автор не ставил задачу воспроизвести ритм шагов: в алеаторическом монотонном звучании ведущую роль играет звук печатной машинки, которая задает маршевый тон.

Сочинение Владимира Горлинского «Ultimate granular paradise» Окончательно гранулированный рай») произвело настоящий фурор. Как утверждает автор, эта пьеса показывает состояние, когда пороги удовольствия уже превышены, и восприятие превращается в бесконечную эйфорию – «медиадопинг чувств». Насыщенное звучание с использованием нетрадиционных инструментов, мощь электронных звуков, заставляющая сжиматься барабанные перепонки, жестикуляция дирижера вызвали неоднозначные реакции – от мольбы о прекращении «этого ужаса» до криков «браво». Прозвучавшее следом «What is a tea for you?» Кирилла Широкова погрузило слушателя в созерцание отдельных длящихся звучностей, олицетворявших философские размышления автора о поисках контакта музыки со слушателями.

В своем «Звучании темного времени» Александр Хубеев демонстрировал различные возможности инструментов, предлагая разные модели звукоизвлечения – разворачивающееся сонорное действо гипнотизировало, заставляя моментами выходить из реальности. Анна Ромашкова синтезировала звуки с архитектурными формами, организующими время – ее пьеса «Acorn» посвящена инсталляции «Упражнение» современной художницы Анны Желудь. Концерт завершился длинным сочинением Елены Рыковой «В одиночестве возле стены», посвященном памяти композитора Георгия Дорохова. Она, как и Дорохов, используя инструменты из строительных материалов, словно возводит композицию целого из отдельных элементов.

Концерт показал жизнь современной музыки в череде бесконечных поисков и обновлений. Новое поколение композиторов продолжает идеи своих предшественников и постоянно экспериментирует, не боясь остаться непризнанным.

Надежда Травина,
студентка II курса ИТФ