№ 5 (157), май 2016

Прямо с порога прыгая к компьютеру, чтобы поделиться впечатлениями с друзьями от концерта, я захожу в Интернет и случайно читаю первую же новость, которую предлагает Яндекс: «Президент России Владимир Путин вместе с германскими бизнесменами прибыл на концерт в Большой зал консерватории». Но… речь пойдет не о том, как просвещали «гостей заморских», а о прекрасной музыке Прокофьева и Брукнера, которая струилась из-под пальцев великого маэстро современности Валерия Гергиева.

11 апреля, в день рожденья Сергея Прокофьева по старому стилю, на сцене Большого зала публике были представлены фрагменты из балета «Ромео и Джульетта» и Второй фортепианный концерт композитора. Шедевры русской музыки в совместном исполнении оркестров Мюнхенской филармонии и Мариинского театра прозвучали по-праздничному мощно, сочно, «крупным штрихом». Видно, что эти произведения – репертуарные для обоих оркестров, и исполнители с удовольствием «смакуют» каждую деталь музыки Прокофьева.

В фортепианном концерте солировал видный пианист современности, выпускник нашей консерватории Алексей Володин. Его виртуозное дарование, прекрасная моторика и в то же время чуткое внимание к нюансам музыкальной выразительности органично вписались в интерпретацию концерта. И если первое отделение вечера, чествуя великого русского композитора, наполнило атмосферу зала искрящейся радостью, «брызгами шампанского», то второе – стало настоящим откровением для меломанов.

Публике был представлен сказ о Четвертой симфония Брукнера. Исполнение сочинения мистика-пантеиста позднего романтизма (по удачному выражению О. Ланга) – событие редкое, почти «экзотичное». Больше часа, такт за тактом, музыка погружала слушателей в пространство эпического мышления, выстраивая целый мир, повествуя о законах первозданной природы и вечном круговороте жизни на земле. И всей этой неподъемной «эпической тяжестью» руководит теург, кончиками пальцев и легкой дрожью рук раскладывая перед нами пазлы мироздания.

Участие в исполнении симфонии Брукнера оркестра Мюнхенской филармонии наполняло Большой зал консерватории особой аурой. Ведь прежде, чем в 1910 г. этот коллектив получил название «Оркестр Мюнхенского музыкального общества», его именовали в честь основателя Франца Кайма, сына владельца фабрики фортепиано. В свое время Кайм-оркестром дирижировал и Густав Малер, высоко почитавший Брукнера, и Бруно Вальтер… Так что музыканты Мюнхенской филармонии наследуют сам дух великой австро-немецкой симфонической школы.

В репертуаре оркестра Мариинского театра также всегда есть место самым серьезным и сложным симфоническим сочинениям. Нельзя не вспомнить, что это оркестр единственного театра России, в репертуаре которого представлена вся тетралогия Вагнера, не говоря о других операх композитора. У вагнерианцев есть возможность каждый год весной совершить «тайное причастие» к этому монументальному творению – приехать в Санкт-Петербург и прослушать тетралогию целиком.

Большой симфонический концерт под управлением Валерия Гергиева, подаривший слушателям музыку двух великих культур, стал событием символическим. В тот вечер в атмосфере высокого творчества произошло не только объединение двух прекрасных оркестров и двух гениальных композиторов разных национальных школ, но и нечто большее. Всех объединил общий, понятный, великий интернациональный язык по имени Музыка.

Ольга Шальнева,
III курс ИТФ

№ 4 (156), апрель 2016

Кто не знает трагичную историю любви русского графа и испанской красавицы? Кто не помнит легендарных прощальных слов: «Я тебя никогда не увижу, я тебя никогда не забуду»?! В далеком 1983 году режиссер Марк Захаров, композитор Алексей Рыбников и поэт Андрей Вознесенский выпустили в Ленкоме необычный спектакль. Полюбившаяся зрителям рок-опера была снята на видео, и до сих пор этот фильм-спектакль не утратил своей популярности. К этой истории любви не раз обращались самые разные театры. И вот свою «Юнону и Авось» привез в Москву Кинешемский драматический театр им. А. Н. Островского, показав на основной сцене легендарной Маяковки.

Если в начале 1980-х на отечественной сцене рок-оперы были явлением единичным, а мюзиклы только начали появляться как отдельный жанр, не схожий с опереттой, то современная Москва может похвастаться и мюзик-холлом, и постоянными премьерами столичного и международного уровня. Именно поэтому экзотичностью постановки зрителя уже не удивишь. Зато можно подкупить искренностью и сдержанностью постановочного решения, что наглядно продемонстрировал театр из Кинешмы.

В постановке режиссера Ивана Соловова, художника Михаила Карягина, художника по костюмам Татьяны Солововой на сцене нет надрывно кричащих о начале великого прожекта офицеров. Зритель, не видевший оригинального спектакля, не поверит, что там граф должен говорить так, будто пытается докричаться до самого губернатора Калифорнии. И уж тем более не поверит в полуобнаженного жениха Фернандо Лопеса, добрую половину спектакля бегающего вокруг главной пары и выделывающего ревнивые «па» на заднем плане – здесь герои дерутся по-настоящему. И Кончита не будет размахивать плеткой, «уговаривая» отца согласиться принять русские товары. Постановка Кинешемского театра сильно отличается от спектакля Ленкома. Зрителю просто рассказывают трогательную историю любви. Самую обычную, абсолютно тривиальную, если бы… не ее финал.

Сюжет, как помним, незатейлив: чтобы наладить торговые связи, две русские шхуны прибыли в Калифорнию, тогда еще испанскую, где ответственный за кампанию граф Резанов встретил дочь губернатора. Между ними проскочила та самая искра, которой хватило для рождения любви. Слухи, сплетни, наветы – вот что теперь преследует русских в городе. И ведь не поспоришь, потому что граф действительно соблазнил невинную девушку. Ее жених Фернандо вызывает графа на дуэль, но потом просит жениться на Кончите. (Вот где истинная любовь, настоящее чувство: молодой человек понимает, что иначе его возлюбленная будет погублена, он встает на колени, униженный и оскорбленный, но какой же мужественный – мое эмансипированное сердце XXI века дрогнуло!). Однако обручение Резанова и Кончиты приводит к последствиям, противоположным тем, которых хотели добиться: он уезжает (и погибает), а она остается. И была бы это совершенно непримечательная проза жизни, одна из многих, если бы не слова: Десять лет в ожидании прошло // Ты в пути. Ты все ближе ко мне. // Чтобы в пути тебе было светло, // Я свечу оставляю в окне. Двадцать лет в ожидании прошло… Тридцать лет в ожидании прошло… Кончита ждала Резанова тридцать пять лет.

В постановке театра Кинешмы эта сцена настолько же красива, насколько драматична: Кончита постепенно удаляется вглубь сцены, оставляя в окне свечу. И все это происходит под музыку Рыбникова в исполнении рок-группы Scene Ghosts и прекрасной Ольги Савченко, внешне похожей на испанку, темноволосой, красивой, молодой обладательницы замечательного голоса.

Антон Копчинский в роли графа Резанова также был убедителен. Он держался с достоинством, выдержкой и истинно дворянским благородством, излучая мужественность и отчаяние. А его голос заставлял забыться и унестись куда-то туда, в далекую Калифорнию, где можно полюбить так, что потом ждать всю жизнь.

Отдельно хочется отметить песню моряков «Авось». Мало того, что это одна из любимейших публикой композиций, в новом спектакле она предстает и неким эстетическим пиком наслаждения. Когда великолепные мужчины на сцене олицетворяют и мужественную силу, и морской размах, и авантюрный дух, зрительницы их уже точно не забудут!

Немного расстроили исполнительские и технические огрехи: пару раз женские голоса в хоре фальшивили, часто отключались микрофоны. Хотя основные композиции были исполнены на должном уровне, особенно хор «Аллилуйя любви». Если вы готовы к новому взгляду на старую историю, в этом спектакле вам это точно удастся найти.

Диана Висаитова,
IV курс ИТФ

№ 4 (156), апрель 2016

«…Что в вещем сказалося сердце моем,
То выразить речью возьмусь ли?»
Пождал – и, не слыша ни слова кругом,
Садится на кочку, поросшую мхом,
Персты возлагает на гусли.
И струн переливы в лесу потекли,
И песня в глуши зазвучала…
Все мира явленья вблизи и вдали:
И синее море, и роскошь земли,
И цветных камений начала».
А. К. Толстой

В старые стародавние времена ни одно пиршество не обходилось без игры на славных гуслях. Это один из самых распространенных и любимых инструментов на Руси. Услышав о гуслях, у каждого возникает в памяти образ легендарного гусляра Садко. Совсем недавно (так же, наверное, как и Морской царь в легенде!), я была покорена звучанием этого инструмента в исполнении молодого ансамбля гусляров «GOODI GORAZDO» («Гуди гораздо»).

Основа Ансамбля – старинный русский народный инструмент гусли звончатые, которые звучат поразительно свежо и актуально в наши дни. Помимо гуслей музыканты используют старинные русские духовые и ударные инструменты, такие как ложки, рубель, бубен, коробочка, коса, калюка, кугиклы и многие другие.

Ансамбль гусляров «Гуди гораздо» возник в 2008 году. Им руководит невероятно энергичный человек – Мария Контеева, выпускница Музыкального колледжа имени Гнесиных и Санкт-Петербургской консерватории им. Н. А. Римского-Корсакова по специальности «гусли». Ею также создан ансамбль «Многолетие», состоящий из учеников музыкальной школы имени Балакирева. Кроме того, она участник дуэта «Иван да Марья», который основала вместе с Иваном Ялынским. Помимо активной концертной и общественной деятельности Мария Михайловна преподает в трех музыкальных школах: ДМШ им. В. В. Андреева, ДШИ им. М. А. Балакирева и ДМШ им. В. С. Калинникова. Ее воспитанники ежегодно становятся лауреатами всероссийских конкурсов ансамблей народных инструментов.

В ансамбле «Гуди гораздо» участвуют пять молодых талантливых исполнителей, лауреатов множества всероссийских и международных конкурсов. Трое гусляров – Александра Подрезова (ныне студентка МГУ) и Дарья Гаврилова (ученица 11 класса школы) стояли вместе с руководителем М. Контеевой у истоков ансамбля. Виртуозный пианист, Иван Ялынский – выпускник Института музыки им. А. Г. Шнитке, джазовый исполнитель и импровизатор, обладатель Гран-При фестиваля «Петербургский аккорд» и дипломант Грушинского фестиваля. После нескольких совместных поездок Иван Сергеевич стал постоянным концертмейстером ансамбля «Гуди Гораздо» и его персональным аранжировщиком. Даниил Ершов (перкуссия) раньше он был ударником в одной молодежной музыкальной группе, учился играть на волынке в Шотландии. Он последним вошел в коллектив и сразу же вписался в него и прекрасно дополнил. Сейчас Даниил, как и Дарья, заканчивает школу и определяется с планами на будущее.

Ансамбль много выступает. Он постоянно участвует в проекте Opera Night в клубе Алексея Козлова, регулярно дает сольные концерты на различных площадках в Москве и в Санкт-Петербурге. В конце 2014 года записал свой первый мини-альбом «GOODI GORAZDO FANTASIA Vol.1», и теперь готовится к записи второго.

В репертуаре ансамбля представлена музыка разных эпох и направлений, так называемая crossover music, старинная музыка западноевропейских композиторов XVI-XVII веков, музыка современных отечественных композиторов, обработки народных мелодий, а также переложения музыки разных стран. Однако, коллектив не достаточно просто слушать. Когда выступает «Гуди гораздо», нужно быть в зале! Нужно видеть их зажигательную игру, блестящие глаза исполнителей, чувствовать атмосферу радости, которой наполняется все вокруг.

Ирина Поликарпова,
III курс ИТФ

№ 4 (156), апрель 2016

Что нужно человеку, чтобы почувствовать себя счастливым? Однозначный ответ, конечно, дать невозможно, каждый ответит по-своему. Профессиональным музыкантам и просто любителям музыки ощущение счастья порой может принести всего лишь хороший концерт. Около полутора тысячи человек получили свою порцию 23 марта в Большом зале консерватории на концерте под кодовым названием «Два рояля».

Дуэт выдающихся пианистов, существующий более двадцати лет, два отделения концерта и два с лишним часа прекрасной музыки – вот что ожидало слушателей. Дмитрий Алексеев и Николай Демиденко – выпускники Московской консерватории (класс проф. Д. А. Башкирова), лауреаты международных конкурсов, гастролирующие пианисты с мировыми именами, сейчас живущие за рубежом. Их выступление стало поистине выдающимся музыкальным событием.

В родные пенаты знаменитый ансамбль приехал с репертуаром практически на любой вкус. В нем каждый слушатель мог найти произведения, наиболее созвучные ему по настроению. Русская и зарубежная музыка, лирико-трагическая и празднично-триумфальная, романтическая классика и джаз – все слилось в одну большую фреску. Уникальность программы заключалась в том, что мировые симфонические шедевры предстали в новом амплуа: Д. Алексеев мастерски создал собственные переложения и обработки оркестровых сочинений для двух роялей, которые в России прозвучали впервые.

Некоторые слушатели с пренебрежением относятся к джазовой музыке, особенно, если она звучит в Большом зале консерватории. Музыканты рискнули в первом отделении концерта исполнить транскрипцию Сюиты для джаз-оркестра № 1 Д. Шостаковича и концертную сюиту «Порги и Бесс» Дж. Гершвина. И этот риск был оправдан. Публика с большим энтузиазмом откликнулась на буйство ярких красок, зажигательных ритмов (многие даже начинали хлопать между номерами!). Исключительная виртуозность, сочетание драматического и комического, выразительная мимика и широкие жесты сделали сюиту «Порги и Бесс» настоящим театрализованным действом.

Второе отделение концерта перенесло слушателей в противоположный мир – русской сказки, фантастики, лирики и драматизма. Прозвучали «Русский хоровод (Сказка)», оp. 58 № 1 Н. Метнера и «Симфонические танцы» С. Рахманинова. Зал буквально дрожал от грандиозного, поистине симфонического звучания, извлекаемого из инструментов всего лишь четырьмя руками исполнителей. Безупречно слаженная ансамблевая игра и авторская интерпретация образно насыщенной музыки – фирменные черты дуэта Алексеева–Демиденко.

После «Симфонических танцев» публика явно не собиралась расходиться. Никак не смолкали оглушительные аплодисменты и крики «браво», слушатели явно ждали исполнения на бис… И получили в подарок еще три произведения Рахманинова и Гершвина! Особенно тепло была принята знаменитая «Итальянская полька»…

Светлана Пасынкова,
III курс ИТФ

№ 3 (155), март 2016

А. Чернышов

В Доме музыки в конце февраля с успехом прошел IV Международный фестиваль «Гитара. От классики до рока». Три фестивальных дня подарили возможность слушателям окунуться в неповторимый мир гитарной музыки и насладиться игрой лучших гитаристов отечественной и зарубежной сцены.

Гитара – инструмент, пользующийся большой любовью во всем мире. Исключительность этого фестиваля в том, что были представлены разные виды гитар в разных музыкальных стилях (название фестиваля говорит само за себя). Очень порадовало и то, что в зале было много юных зрителей.

Открывал первый день фестиваля концерт двух звезд, которые представили акустическую гитару во всей красе. Чех Штепан Рак поразил слушателей виртуозной игрой и собственными композициями. Снискав известность во всем мире, он является первым профессором-гитаристом в истории Пражской академии изящных искусств. Его коллегой по сцене в этот вечер оказался русский гитарист Юрий Наумов, живущий в настоящее время в США, но продолжающий много выступать в России. Журналы New York Times и The New Yorker назвали его «человеком-оркестром», который играет на одном инструменте так, как будто звучат три гитары сразу.

Второй день фестиваля оказался еще более разнообразным. Эпохи и стили сменяли друг друга с невероятной скоростью. Выступление Андрея Чернышова, основателя ансамбля «Canto vivo» познакомило слушателей со старинными «родственницами» инструмента – барочной гитарой и лютней. Произведения эпохи Возрождения и барокко музыкант исполнил с тонким пониманием особенностей стиля. Приятным сюрпризом стало исполнение им итальянских и английских песен XVII века: обладатель прекрасного голоса, он выступил одновременно в роли певца и аккомпаниатора, как это было принято у старых мастеров.

К. Саджесси

Именитый итальянец Кристиан Саджесси представил другой инструмент – гитару-лиру, конструкция которой на первый взгляд напоминает обычную гитару, но дополнительно натянутые струны над грифом делают ее неповторимой. К. Саджесси, по словам испанской газеты «El Pais», – «один из лучших современных гитаристов». Он музыкант-универсал. В обработке для гитары-лиры прозвучали номера из опер Верди, Масканьи, Беллини. А чтобы порадовать русскую публику под конец своего выступления Саджесси исполнил русский романс и польку в обработке С. Орехова.

Но настоящим открытиям стало знакомство с игрой нашего соотечественника, выпускника РАМ им. Гнесиных Романа Зорькина (ранее, в течение 8 лет он выступал в составе Soledad Orquesta, участвовал во многих фестивалях танго по всему миру). Его исполнение отличалось свободой, блеском и полнейшим растворением в музыке. Играя на классической гитаре, он представил совершенно другой звуковой мир – жгучую музыку Латинской Америки. Кроме этого он включил в программу фантазию итальянского гитариста-виртуоза XIX века Луиджи Леньяни, ирландскую жигу «Брызги росы» и проникновенную русскую народную песню «Ой, да ты, калинушка» в обработке С. Руднева.

Третий, завершающий день фестиваля содержал немало сюрпризов. Поразил своей вдохновенной игрой Евгений Финкельштейн – знаменитый российский гитарист, оригинальный интерпретатор сочинений разных эпох и стилей. Лауреат многочисленных международных конкурсов, сегодня он сам участвует в работе жюри, преподает и много делает для развития гитарного искусства в России.

Р. Зорькин

Игру гостя из Германии Клауса Бессер-Феррари отличала изысканная техника и умение со вкусом сочетать джаз, рок и этно. Он существенно расширил звучание гитары при помощи различных элементов перкуссионной техники. Манера его игры рождала живописные ассоциации, заставляющие вспомнить полотна импрессионистов.

Пронзительное звучание электрогитары стало финальным акцентом в фестивальной программе. Она завершилась выступлением соло-гитариста группы «Кипелов» Вячеслава Молчанова и рок-группы SIXTH SENSE, в которую помимо Молчанова входят вокалист Александр Грата, бас-гитарист Василий Дронов и ударник Олег Ховрин. Мощный заряд энергии и хорошего настроения был обеспечен всем слушателям без исключения.

Ирина Поликарпова,
III курс, ИТФ

№ 3 (155), март 2016

«Sag’ ich’s euch, geliebte Bäume?..»
Johann Wolfgang von Goethe

Польский композитор Кшиштоф Пендерецкий – одна из влиятельнейших фигур в музыкальном мире. Известен он и в нашей стране, куда ежегодно приезжает с концертами как дирижер, включая в программы в том числе свои произведения (последний состоялся 17 ноября). Но что интересно, Пендерецкий – не только музыкант, но еще и фанатичный дендролог, основатель уникального парка в своем имении в Люславицах. И это увлечение вдохновляет его на создание новых сочинений, например, Восьмой симфонии, в России пока еще не прозвучавшей.

Восьмая симфония «Lieder der Verganglichkeit» («Песни о преходящем») для трех солистов, смешанного хора и оркестра продолжает линию Седьмой, также являясь симбиозом вокального цикла и симфонии, в чем можно усмотреть влияние «Песни о земле» Густава Малера.

Исходя из идеи сочинения, его можно было бы назвать «Песней о деревьях» – ведь именно с ними связаны все использованные стихотворения. Пендерецкого как дендролога заботит проблема сохранности окружающей среды, очень актуальная в наше время. Тревоги композитора выразились в общем настроении музыки – сумрачном и неспокойном, что связанно с глубокой философской идеей сочинения, размышлениями о бренности человеческого существования.

Симфония была написана в 2004–2005 годах по заказу министерства культуры Великого герцогства Люксембург к открытию нового концертного зала, где и была исполнена в июне 2005 года. Первоначально она состояла из девяти песен, но позднее была расширена до двенадцати (премьера новой версии состоялась в октябре 2007 года в Пекине). В нее вошли 12 стихотворений различных немецких поэтов: Й. фон Эйхендорфа, Г. Гессе, Б. Брехта, И. В. фон Гете, А. фон Арнима, Р. М. Рильке, К. Крауса, Х. Бетге.

Тексты выстраиваются композитором согласно замыслу сочинения. Особое значение имеет стихотворение Рильке «Конец осени»: каждая из его строф идет хоровым эпилогом к другим песням, углубляя их содержание, или, напротив, внося контраст. Некоторые песни следуют attaca, например, как две последние в цикле, а наиболее важные слова и фразы в песнях могут повторяться (в этом тоже усматривается преемственность от Малера).

Текст в этом сочинении играет главенствующую роль, определяя буквально все – форму, мелодику, гармонию, оркестровку. С помощью максимально точного следования за словом возникают прекрасные зарисовки природы: лес в ночной дымке и далекий звон колоколов, одинокие деревья и люди в тумане, расцветающая сирень, пение птиц… Особенно запоминается экспрессионистская картина горящего дерева, выписанная пугающе реалистично с «искрами»-пассажами у духовых и струнных, «треском» ударных, хоровыми репликами на словах «черный» и «красный». Оркестровка – очень тонкая и изысканная, индивидуальная для каждого стихотворения. Используются необычные инструменты: маримба, tamburo basco, челеста. Даже хор слышится как еще один инструмент, который появляется в наиболее значимых моментах. Композитор мастерски вставляет в повествование сонорные оркестровые и хоровые фрагменты.

Так песни о прошлом становятся волнующим и тревожным взглядом в будущее…

Екатерина Резникова,
IV курс ИТФ

№ 2 (154), февраль 2016

В конце 2015 года в рамках II Международного рождественского фестиваля духовной музыки «Адвент» в Евангелическо-Лютеранском Кафедральном соборе святых Петра и Павла прошел концерт под названием «Ангельские голоса».

Звучание хора мальчиков действительно напоминает ангельское пение: особая полетная красота звука, чистота и нежность интонации, звонкие верха. Сегодня в России крайне актуально («в тренде») возвращение к традициям существования раздельных детских хоров – создаются хоровые студии, школы, обучающие только мальчиков. И на этом «модном» фоне особенно выделяются коллективы, уже прошедшие сквозь «огонь, воду и медные трубы».

Хоровой школе мальчиков и юношей «Дебют» почти 20 лет. Ее бессменный руководитель Алла Ястребова придерживается строжайших принципов работы с мальчишескими голосами, ориентированных на сохранение и воспитание уникального тембра каждого юного певца. И рождественский концерт в потрясающей атмосфере собора вновь подарил слушателям чудесную возможность услышать результат кропотливейшей работы педагогического коллектива школы.

Замечательно была составлена программа. Иногда впечатление от прекрасного исполнения омрачается затянутым или нелогично выстроенным подбором сочинений. Но концерт 27 декабря действительно пролетел на одном дыхании! В его программу наряду с духовной музыкой русских и зарубежных композиторов вошли популярные детские песни. Слушатели смогли насладиться не только хоровой музыкой в исполнении детского и смешанного хора мальчиков и юношей (дирижер Эльдар Абасов, концертмейстер Денис Денисов), но и царственным звучанием уникального исторического органа (Алексей Шевченко).

Тон концерту был задан сочинением «Ave Maria» Баха–Гуно в исполнении концертного хора мальчиков «Дебют». Легкие взлеты дискантов, сочные гармонии альтовой партии в сопровождении невесомых, нежных переливов рояля – такое по-настоящему «рождественское дыхание». За ними последовали «Stabat Mater» Дж. Б. Перголези и вокальный триптих М. Славкина «Христос с Тобой», а затем и полнозвучные партитуры песен «Прекрасное далеко» Е. Крылатова и «Снеженика» Я. Дубравина. Насколько неожиданно прозвучали эти популярные детские песни в гулком величии собора, настолько же и одухотворенно!

В середине концерта к совсем еще юным мальчишкам присоединились старшие воспитанники хоровой школы. Рахманинов, Пуленк, Вивальди, Франк – совсем не юношеский репертуар! Но сводный хор «Единство» блестяще справился с исполнением жемчужин хорового репертуара, а два финальных номера – «Sanctus» из мессы «Вооруженный человек» К. Дженкинса и «Rhythm of Life» из мюзикла «Милая Чарити» С. Коулмэна были исполнены ярко, зажигательно, с потрясающим драйвом, присущим настоящему «мужскому братству».

Жаль, что век мальчишеского голоса так недолог, ребята быстро вырастают и переходят в юношеский состав, начиная петь мужскими голосами. Но им на смену приходят новые дисканты и альты. Так непрерывно, сквозь все преграды и трудности, звучит на радость публике хор ангельских голосов…

Ольга Ординарцева,
выпускница МГК

№ 2 (154), февраль 2016

26 января в Московском университете МВД им. В. Я. Кикотя состоялось занятие, посвященное симфонической музыке и оркестру. Перед курсантами выступил Центральный концертный оркестр полиции под управлением заслуженного артиста России Ф. Б. Арановского. Ведущие солисты каждой из оркестровых групп рассказали об уникальных возможностях своих музыкальных инструментов, проиллюстрировав их фрагментами из классической и эстрадной музыки. В ходе занятия автор этих строк познакомил курсантов полиции с историей, жанрами симфонической музыки и их развитием, а также с некоторыми аспектами дирижерского искусства. Просветительская лекция, организованная силами университета МВД и Московской консерватории, завершилась небольшим концертом.

Это событие – не единичный случай. Помимо учебного процесса, стрельб, службы, нарядов в стенах Университета МВД регулярно проводятся различные лекции и встречи, которые знакомят юных полицейских с музыкой. Не будет преувеличением утверждать, что представители профессии, чья служба «и опасна, и трудна», должны интересоваться искусством. Не случайно в прошлых столетиях в формировании будущего офицера музыка играла огромную роль: молодые кадеты, курсанты прекрасно музицировали, владели инструментами. В сегодняшнее время это далеко не так, и духовное воспитание для немузыкантов становится весьма редким явлением. Приятно осознавать, что культурный отдел Университета МВД противится печальной тенденции, стараясь пробудить в своих воспитанниках любовь к прекрасному.

Лекция и концерт, о которых идет речь, – живой тому пример. В течение часа Ф. Арановский в непринужденной обстановке знакомил курсантов с каждым инструментом своего оркестра. Вызываемые на сцену исполнители ярко и образно говорили не только об истории возникновения и эволюции инструмента, но и показывали основные приемы звукоизвлечения, штрихи и выразительные возможности. Демонстрация скрипки и флейты сопровождалась презентацией на широком экране, где транслировались изображения «внутреннего устройства» инструментов.

Сотрудники культурного отдела (некоторые – выпускники Московской консерватории) обратились ко мне с просьбой подготовить небольшой доклад о симфонической музыке XVIII–XX веков. Помимо этого, курсанты узнали имена выдающихся русских симфонистов, прославленных дирижеров и даже образцы некоторых оркестровых сочинений.  В программу мини-концерта вошли наиболее узнаваемые «хиты» классической и эстрадной музыки: «Весна» Вивальди, «Шутка» Баха, «Славься» Глинки, «Oblivion» Пьяццоллы, «We will rock you» группы Queen и многие другие, представленные в виде кратких фрагментов.

Важно отметить профессионализм и достойный исполнительский уровень Центрального концертного оркестра полиции, который в этом году отметит свое десятилетие. В завершении занятия Ф. Арановский предложил одной курсантке почувствовать себя на мгновение дирижером; уступив ей место за дирижерским пультом. Маэстро наблюдал ее попытки руководить музыкантами, разумеется, под бурные овации сослуживцев.

Было приятно видеть, как будущие защитники страны с интересом узнают новые для них термины и понятия, обмениваются впечатлениями. Радует, что для проведения такой просветительской акции была привлечена Московская консерватория, олицетворяющая настоящее искусство, призванное достучаться до сердец даже тех людей, чья профессия не имеет с ним связи. Остается надеяться, что впереди у курсантов университета МВД еще будут подобные концерты и лекции, которые останутся в их памяти на долгие годы.

Надежда Травина,
III курс ИТФ

№ 2 (154), февраль 2016

Для поклонников фортепианного искусства и вообще людей, неравнодушных к музыке, 2015-й год запомнился открытием нового имени – Люка Дебарг. Триумфальный успех на Конкурсе Чайковского принес 24-летнему пианисту из Франции единодушное признание со стороны российской публики. После концертной поездки, организованной Валерием Гергиевым, число почитателей его таланта еще выросло.

28 декабря 2015 года в Большом зале Московской консерватории состоялось очередное выступление Дебарга. Вместе с Госоркестром им. Светланова (дирижер Валерий Петренко) он исполнил Четвертый концерт Рахманинова соль минор. Во втором отделении прозвучала Пятая симфония Малера.

Четвертый рахманиновский концерт пользуется меньшей популярностью у пианистов, чем Второй или Третий. В нем не так много захватывающих кантиленных тем, на которые мгновенно откликается всякий слушающий или играющий. И сочинялся концерт не с такой же легкостью, как другие: композитор работал над ним длительное время – с 1914 по 1941 годы, – в течение которого возникли целых три редакции. Однако у Люки Дебарга произведение прозвучало именно легко и цельно.

Его трактовка заметно отличалась от того, каким мы знаем соль-минорный концерт по другим исполнениям. В ней не было гигантского накала экспрессии, как в записях Владимира Ашкенази, или интеллектуализма Николая Луганского. Люка Дебарг играет его более просто и при этом очень естественно. Это редкое артистическое качество замечали в нем уже многие, так же как и его способность исполнять «готовую» музыку, будто бы импровизируя. Сейчас он снова покорил слушателей, которые словно стали свидетелями процесса создания сочинения в реальном времени.

Более всего впечатлили лирические эпизоды концерта. Медленную вторую часть, где солист обменивается с оркестром певучими мелодическими фразами, публика слушала буквально замерев. Звук рояля наполнял весь зал, и в этот момент игра исполнителя как бы отходила на второй план, оставляя место музыке самой по себе. «Дай музыке свободно изливаться», – говорит Дебарг.

Конечно, и виртуозные моменты, коих много в этом концерте, тоже никак нельзя назвать бледными или шаблонными – в них, как и в кантилене, чувствуется индивидуальность Дебарга. Пассажи пианист исполняет точно и бережно, успевая «оживить» интонацией каждый мотив. С тем же вниманием Люка относится ко множеству подголосков, которые звучат у него не менее выразительно, чем ведущие мелодические линии.

Единственное, чего немного не хватило в его выступлении с Валерием Петренко – динамического баланса в кульминациях: мощный звук светлановского оркестра иногда перекрывал фортепианную партию. Однако это лишь маленькая деталь, не помешавшая слушателям погрузиться в музыку вместе с исполнителем и самим почувствовать то, что сказал о себе Люка: «Я ныряю в звук, я живу в звуке, я пытаюсь в нем полностью находиться».

Успех у публики был огромный. Пианиста многократно вызывали аплодисментами, и, к радости слушателей, Дебарг три раза сыграл на бис. Проникновенно исполненная «Мелодия» из «Лирических пьес» Грига оказалась на удивление созвучна медленной части концерта. Контрастом ей стало страстное Интермеццо Шумана из «Венского карнавала», а на прощание пианист преподнес нам изящный подарок – «Музыкальный момент» фа минор Шуберта.

Известно, что Люка Дебарг планирует и в 2016 году приезжать в Россию с концертами. Несомненно, публика будет ждать каждого его выступления.

ОксанаУсова,
IV курс ИТФ

№ 1 (153), январь 2016

В ноябре в Концертном зале им. Мясковского Московской консерватории состоялся фортепианный концерт ассистента-стажера иностранного отделения О Чжэ Дук (руководитель – проф. М. С. Петухов). Походу на этот концерт способствовала, прежде всего, увиденная афиша, на которой было помещено фото прекрасной девушки-исполнительницы восточной внешности. Затем я ознакомился с программой и понял, что будет интересно. Увы, мои надежды не оправдались. Но обо всем по порядку.

Ведущий сразу объявил, что исполнительница родом из Южной Кореи. Это объяснило большое количество слушателей-соотечественников (около трети зала). Как известно, азиатские исполнители славятся своей исключительной техникой, и я с нетерпением ожидал, когда пианистка выйдет на сцену. Программа состояла из произведений как зарубежных, так и русских композиторов, и сразу стало интересно, как интерпретирует нашу музыку иностранный исполнитель.

Первым было «Каприччио на отъезд возлюбленного брата» И. С. Баха, состоящее из шести разделов, последний из которых – фуга. Почти все они звучали по-ученически, чрезмерно аккуратно и сглажено. Можно предположить попытку добиться моноаффектности, свойственной инструментальной музыке барокко, но сделано это было довольно неумело. Во второй части внезапно появились слащавые сентиментальные интонации. Подобная романтическая «эклектика» сильно резала ухо, Бах звучал как-то очень по-женски. Для меня эта музыка никогда не имела ни мужского, ни женского начала, и такое исполнение меня слегка ошарашило. Более того, все звучало поверхностно, на каком-то полуснятом звуке. Лишь в финальной фуге танцевального характера появились проблески свободы, хотя контрасты оставались тусклыми.

Затем шел Чайковский. В «Элегической песне» (op. 72 №14) женственность и сентиментальность была более уместна, чем в музыке Баха, однако все же не хватило страсти. Постоянно было слушательское ощущение «недо» (в чувственном плане), словно пианистка боялась пережать звук или дать слишком сильную эмоцию. Возможно, это связано со спецификой родной для нее культуры? «Тема с вариациями» (op. 19 №6) прозвучала гораздо эффектнее, технически все было на должном уровне, хотя и не хватило целостности цикла. В «Декабре» из «Времен года» стилистика композитора была передана довольно точно, но технически это было одно из худших исполнений, которое мне доводилось слышать: полностью отсутствовало legato в мелодии, не была выстроена фразировка, абсолютно халтурно звучал бас, а динамическая драматургия и вовсе отсутствовала.

Второе отделение я ждал с большим нетерпением, надеясь, что «школярство», наконец, уйдет в той музыке, которая заявлена: Восемнадцать песен для фортепиано Дж. Гершвина и Три фрагмента из балета «Петрушка» И. Стравинского. И действительно, Гершвин прозвучал блистательно. Весь зал оживился. Зажигательная стилистика джазовой музыки была передана чрезвычайно интересно. Контрасты между частями были очень яркими, максимально точно воспроизводилась ритмическая акцентика… После подобного исполнительского уровня, стало интересно послушать «Петрушку». Но… это ожидание было убито уже вступительными аккордами «Русской» (первый номер сюиты), которые, как я считал раньше, невозможно сыграть неправильно и плохо. Однако пианистке это удалось. Праздник не получился.

В целом, концерт произвел двойственное впечатление: русская музыка по-корейски не удалась, а зарубежная не убедила. Будем надеяться, что подобное выступление – единичный случай в концертной деятельности пианистки.

Артем Семенов,
IV курс ИТФ