№4 (192), апрель 2020

«Золотая маска» впервые в России презентовала оперный фестиваль в Экс-ан-Провансе. В презентации приняли участие директор фестиваля Пьер Оди, музыкальный критик Дмитрий Ренанский, режиссер Дмитрий Черняков, а также генеральный директор «Золотой маски» Мария Ревякина и генеральный директор Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко Антон Гетьман.

Вот уже более 70 лет Фестиваль в Экс-ан-Провансе ежегодно представляет серию оперных спектаклей и концертов для жителей и гостей этого небольшого городка на юго-востоке Франции. Наряду с Байройтским и Зальцбургским, он занял свое почетное место среди лучших музыкальных фестивалей мира. Эта оперная феерия подкупает не только своим масштабом и значимостью, атмосферу дополняет поэтичная природа Прованса.

Улочки цветущего города, который воспел в своих картинах Поль Сезанн, на время фестиваля наполняются музыкой. Она звучит в уютном театре дю Же-де-Пом (Théâtre du Jeu de Paume), Большом театре Прованса (Grand Théâtre de Provence), Консерватории имени Дариюса Мийо, из двора отеля Maynier d’Oppède, расположенного напротив Дворца архиепископа (Théâtre de l’Archevêché). Как отметил в своем вступительном слове Дмитрий Ренанский, двор епископа – это визитная карточка фестиваля, а, судя по описанию и фотопрезентации, еще и одна из самых красивых его площадок. Во дворе установлена небольшая сцена под открытым небом, ив жаркие летние вечера здесь проходят оперные концерты, сопровождаемые пением птиц.

С самого начала формат фестиваля не предполагал постоянной труппы. Каждый год приглашается новый состав артистов и оркестра в зависимости от программы. Как отметил Пьер Оди, кроме Моцарта, чьи произведения по традиции исполняются на фестивале (в связи с подходящей камерностью сцены), в программе представлена музыка разных эпох – от барокко до современности. 

Ежегодно фестиваль выбирает одного современного композитора и включает его сочинения в программу. Что касается исполнителей и режиссеров, здесь прошли знаковые спектакли Робера Лепажа, Кэти Митчелл, Уильяма Кентриджа, дебютировали молодые дирижеры – Теодор Курентзис, Рафаэль Пишон, Пабло Эраса-Касадо. «Экс остается синонимом истинной художественной свободы, которая чувствуется в большинстве спектаклей», – отметил Ренанский.

После вступительного слова критика интендант фестиваля Пьер Оди (слева на фото) подробно рассказал о программе и участниках этого года. Оперный фестиваль-лаборатория в Эксе должен пройти с 30 июня по 18 июля. Зрителей ждет пять оперных премьер, одна из которых – опера Моцарта «Так поступают все». Это работа режиссера Дмитрия Чернякова и дирижера Томаса Хенгельброка, которого ожидает дебют на фестивале. Черняков давно сотрудничает с Эксом. В 2017 году он представил на нем свою трактовку оперы «Кармен», а ранее, в 2010-м, здесь увидел свет его «Дон Жуан», который затем перекочевал в Большой театр. «Это прекрасное место. Летом, когда идет фестиваль, весь старый город превращается в оперное фойе. Иногда можно посмотреть в течение дня по кусочку сразу три спектакля», – поделился на презентации фестиваля своими впечатлениями режиссер.

Черняков давно сотрудничает с Эксом. В 2017 году он представил на нем свою трактовку оперы «Кармен», а ранее, в 2010-м, здесь увидел свет его «Дон Жуан», который затем перекочевал в Большой театр. «Это прекрасное место. Летом, когда идет фестиваль, весь старый город превращается в оперное фойе. Иногда можно посмотреть в течение дня по кусочку сразу три спектакля», – поделился на презентации фестиваля своими впечатлениями режиссер.

В премьерной программе также будет представлен «Воццек» Берга с участием Лондонского симфонического оркестра под руководством сэра Саймона Рэттла. Спектакль стал результатом копродукции королевского театра Ковент-Гарден и неаполитанского театра Сан-Карло. Поставил оперу режиссер Саймон Макбёрни. Одна из его недавних работ в Эксе – «Похождение повесы» – в этом сезоне была перенесена в Москву на сцену Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко. 

Также в Эксе прозвучат две оперы Монтеверди – «Коронация Поппеи» и «Орфей», последняя в концертном исполнении. Фестиваль не лишен и русской музыки: свою версию «Золотого петушка» Римского-Корсакова представят австрийский режиссер, руководитель берлинского театра «Комише опер» Барри Коски и дирижер Азиз Шохакимов. «Для меня интересно представлять публике ту музыку, которую в Эксе еще не слышали. На грядущем фестивале это будет музыка Альбана Берга и Римского-Корсакова», – прокомментировал свой выбор Пьер Оди.

Что касается современной музыки, то в этот раз организаторы фестиваля пригласили Кайю Саариахо. Слушателям представят мировую премьеру ее оперы «Невинность» – любовной трагедии с участием 80 музыкантов, смешанного хора и 13 солистов, которая будет исполняться на девяти языках. За дирижерский пульт встанет Сусанна Мялкки.

Кроме оперных постановок ожидается серия концертов, посвященных 250-летию Бетховена, выступления Молодежного оркестра Средиземноморья и вокального ансамбля Tenoresdi Bitti, а также музыкальные приношения именитых участников фестиваля. Ряд вечеров займет цикл монографических концертов уже упомянутой Кайи Саариахо, где прозвучат ее симфонические, вокальные и камерные произведения. 

Тех, кто не сможет съездить в Экс, ждет приятный бонус. В апреле 2022 года начнется партнерский проект фестиваля с театром Станиславского и «Золотой маской». Московская публика сможет увидеть «Реквием» Моцарта в постановке Ромео Кастеллуччи и оперу «Коронация Поппеи» Монтеверди режиссера Теда Хаффмана.

Наталья Поддубняк, III курс, муз. журналистика

От редакции: Статья была написана до мировой пандемии. Сейчас трудно предсказать, как будут дальше развиваться события. Фестиваль в Экс-ан-Провансе отменен. Но пусть читатели будут в курсе уже сверстанных творческих планов и ждут завершения возникших всемирных проблем. 

№ 4 (156), апрель 2016

К. В. Корзун

Масленица без блинов – не Масленица. Но нельзя назвать ее полноценной и без народных гуляний, пестрых сарафанов да песен-плясок. Сейчас Маслену широко празднуют в деревнях да городах – больших и малых. Да вот многие другие русские обряды далеко не всем знакомы. Как, например, «таракана али муху хоронили» в Семён-день (с летом прощались) или «снег пололи» на Святки (гадали)…

Вспоминаю свои впечатления от одного из фольклорных концертов в Мерзляковском училище, на который я попала в первый раз. Моему изумлению не было границ: увидеть на сцене студентов (не бабушек, как все привыкли) в народных костюмах и с горящими глазами! Значит, есть на свете люди, которым эдакое амплуа искренне по душе! Все мои житейские заботы и невзгоды отошли в сторону (не только на время концерта, но и на добрую неделю после него!), и я в восторге помчалась в хоровод, в который приглашали «добровольцев из зала».

Изначально такие концерты в училище проходили нечасто, с целью отчитаться за работу в экспедиции (экспедиция и концерт обязательны для получения зачета по фольклорной практике). Со временем в рядах юных фольклористов образовался постоянный «костяк», концерты участились, образовался ансамбль, который получил название «Подсеваха». Сие необычное слово пришло из одноименной вологодской пляски. Как на поле, по словам местных жителей, для лучшего урожая к основной культуре подсеиваются другие, так и в пляске – каждая пара, становясь ведущей, может добавлять что-нибудь от себя. В ансамбле же «основная культура» – это студенты училища при консерватории, к которым «подсеиваются» остальные: консерваторцы и студенты других учебных заведений, а также многочисленные немузыканты: филологи, биологи, программисты, художники… и даже преподаватель физкультуры в училище! Главное – тяга к народному искусству, а песни можно и без нот учить, по слуху – как в стародавние времена. Руководит ансамблем необыкновенный человек – Константин Владимирович Корзун, преподаватель, идейный вдохновитель, инициатор мерзляковских экспедиций.

Песни здесь поют самые разные, но преимущественно те, что записали в экспедициях сами участники. Поэтому их нет в известных сборниках и никто в Москве их не исполняет. Репертуар ансамбля уникален и в другом: он охватывает различные регионы. Бывали даже концерты с названием «Север-Юг-Запад-Восток». И правда, куда только не ездила «Подсеваха» за прошедшие годы: от Сибири до Белоруссии, от Воронежа до Архангельска. А северные песни, признаться, нечастые гости в московских фольклорных концертах: в «Подсевахе» же им полное раздолье!

В зависимости от региона изменяется манера исполнения: то зычная, то мягкая. Поются песни различным составом: есть и общие, а есть, по словам руководителя, «сольные-малосольные». Все участники разные, у каждого индивидуальные особенности и пристрастия – это и ценно! Есть в ансамбле люди «юго-западные», темпераментные веселые плясуны в воронежских поневах и с зычными голосами. Есть и неторопливые «северные», со своей манерой общения и обращения, с мягким негромким пением, любовью к северному деревянному зодчеству и жемчужным кокошникам.

В ансамбле нет унифицированных костюмов: все выступают в разных, представляя различные регионы. Есть здесь и аутентичные наряды «из бабушкиных сундуков», есть и самодельные сарафаны.

За годы существования экспедиций было выпущено три сборника песен, записанных в разных уголках России, а в декабре минувшего года «Подсеваха» начала новую жизнь: вышел долгожданный компакт-диск ансамбля.

Выступает коллектив на разных площадках Москвы и Подмосковья: от детских больниц и различных ЦСО до Библиотеки им. А. П. Боголюбова и Исторического музея. А однажды доехал даже до Нижнего Новгорода.

Нередко в концертах водят хороводы, в которых с величайшим удовольствием принимает участие публика. Некоторые участники ансамбля осваивают игру на балалайке и гармони, чтобы аккомпанировать пляскам и частушкам. Бывает, «Подсеваха» и сказки ставит, а другой раз покажет настоящую русскую свадьбу, по всем правилам. На Святки традиционно дает концерт с колядками и гаданиями – там поведают, как в это время кудесили (озорничали), со звездой ходили и «козу водили».

Участники рассказывают, что после подсевашных репетиций у одних перестает болеть голова, иные обретают душевное спокойствие и наполняются внутренней радостью. Что уж говорить о публике, которая приходит на концерты! Городские жители будто попадают в иной мир, переносясь на пару-тройку веков назад в русскую деревню.

Потихоньку в ансамбле появляется новое поколение. Как радостно, что некоторые певицы, недавно став мамами, по-прежнему выступают – только теперь с младенцами на руках! Иногда кажется, что вот-вот и пойдет «Подсеваха» колядовать по Москве с корзинами да поздравлениями! А почему бы и нет? Как говорят на Севере, «всяк быват».

Алеся Бабенко,
III курс ИТФ

№ 2 (154), февраль 2016

В Центральной библиотеке № 182/161 ЦБС ЮЗАО, насчитывающей около 7000 читателей, регулярно проходят поэтические вечера, проводятся «Дни литературных новинок», концерты абонемента «Слушаем оперу», встречи клуба «Поговорим по душам» и многое другое. 11 декабря прошлого года еще один библиотечный проект – «Клуб интересных встреч» – прошел с участием студентов класса заслуженной артистки России, профессора межфакультетской кафедры фортепиано Светланы Трофимовны Светлановой.

Концерт стал первым совместным мероприятием. Организатор выступления проф. С. Т. Светланова отметила: «Публика чутко слушала исполнителей и тепло принимала все музыкальные номера. Приятным сюрпризом стало подготовленное администрацией библиотеки чаепитие, а также вручение подарков – книг различных авторов, таких как Валерий Попов, Ксения Любимова, Ник Хорнби, Мойя Сойер-Джонс, Агата Кристи. Хочется также отметить, что в библиотеке имеется нотно-музыкальный отдел, который может быть полезен студентам».

Светлана Трофимовна взяла на себя роль ведущей вечера. Она рассказывала публике о композиторах и произведениях и даже зачитывала перед исполнением стихи вокальных номеров, что способствовало более глубокому и осмысленному восприятию.

Студентка I курса оркестрового факультета (струнное отделение) Лаура Пирджанян выразительно исполнила Прелюдию Лядова и «Поэтическую картинку» Грига. Проникновенно прозвучала Фантазия fis-moll Мендельсона в исполнении студентки II курса кафедры современного хорового исполнительского искусства Лели Муковоз. Сергей Каримов (оркестровый факультет, духовое отделение, I курс) порадовал аудиторию замечательным исполнением Прелюдии fis-moll Рахманинова. Две яркие пьесы из цикла «Erotikon» малоизвестного шведского композитора-романтика Э. Шегрена представила студентка IV курса ИТФ Александра Обрезанова. Виртуозную, запоминающуюся Токкатину из цикла «12 джазовых этюдов» современного композитора Капустина сыграла студентка IV курса ИТФ Мария Кузнецова. Украшением концерта стали вокальные номера в исполнении студенток КСХИИ Лели Муковоз (романсы Рахманинова «Сон», «Вчера мы встретились») и Татьяны Поникаровской (русские народные песни «Цвели, цвели цветики» и «Ванечка»).

«В небольшом уютном зале библиотеки в этот день собралась публика разных возрастов, тепло принимавшая всех участников концерта, – справедливо заметила Светлана Трофимовна. – Теперь здесь всегда будут рады новым выступлениям студентов консерватории, что немаловажно для становления личности каждого музыканта».

Татьяна Поникаровская,
IV курс КСХИИ КФ

№ 1 (135), январь 2014

Недавно Москву посетил петербургский композитор Сергей Слонимский. И хотя посещение это имело сугубо деловой характер, мне представилась возможность побеседовать с композитором не о делах, но о музыке. Более всего меня интересовала «симфония»: симфония как жанр и форма (заметим: один из любимых жанров Слонимского), симфония как музыкальное пространство, симфония как нечто значимое, актуальное и, одновременно… устаревшее.

Слонимский к настоящему моменту закончил 33-ю симфонию. Она уже готовится к изданию. Премьера же состоится 11 мая будущего года. Как иронично заметил автор: «Сейчас симфонии пишут полные чудаки». Ирония касалась и такого большого количества написанных им опусов, и того, что, по выражению Слонимского, «симфония – убыточный жанр». В импровизированном хит-параде, по мнению композитора, сегодня первое место по прибыльности занимают музыка к кинофильмам и сериалам, рок-опера, мюзикл и, как ни странно, духовная музыка («по типу гармонических задач на духовные тексты»). В конце же списка стоят квартет, соната и симфония (такую диспозицию и комментировать неприлично – слишком уж многие высказываются по данному поводу!). А иронию композитора о чудачествах симфонистов и «прибыльности» жанров можно дополнить еще одной цитатой из интервью: «Знаете, я каждый раз, сочиняя новую симфонию, думал: “Больше не буду писать!” Но всё время происходила какая-нибудь неприятность, и чтобы отвлечься и выплеснуть эмоции – лучше жанра, чем симфония, нет! Разве что романсы. Симфония – великолепный дневник. А когда все хорошо, тогда, конечно, не хочется сочинять. К тому же – лень».

При этом для Слонимского симфония лишена каких-либо ограничений, связанных с традиций или, что называется, «нормами письма». «Этот жанр – естественный, совершенно свободный, – говорит он. Сегодня нет каких-либо ограничений, предписанных форм – сейчас ведь не надо писать в форме симфоний Гайдна! Нет ни формальных ограничений, ни стилевых, ни образных, ни временных. Нет указаний, что столько-то должно быть частей по столько-то минут. Это – исповедальный жанр. В нормальном состоянии к нему не обращаешься, потому что не накапливается эмоций, порывов. Это – экстремальный жанр, связанный с экстремальными ситуациями, с чем-то… неблагополучным. Но это лично для меня! Может, у Россини все было наоборот, но он и симфоний-то не писал».

Главное, что ему, как и любому человеку, для счастья и духовного равновесия нужна свобода. Свобода выбора, свобода самоизъявления и выражения чувств. Но будет ошибочным думать, что Слонимский – нигилист, бунтарь или анархист, призывающий «скинуть классическое прошлое с корабля современности». При всей желаемой внутренней и внешней свободе, Сергей Михайлович неуклонно следует своему вкусу и стилевым ориентирам.

Затем речь пошла о 27-й симфонии (2009), посвященной Н. Я. Мясковскому. Посвящение имеет как символический, так и реальный, воплощенный в тематическом материале, смысл: с одной стороны, цифра «27» связана с количеством созданных Мясковским симфоний, с другой – в сочинении происходит «…погружение и перевоплощение в мир благородной музыки композитора, которого я всегда очень любил»…

Мы много времени уделили именно музыкальной стороне: интервью проходило не без «подручного» материала – партитур обеих симфоний и рояля… Слонимский в своей 27-й не использует ни одной цитаты из Мясковского. Но в музыкальной ткани произведения есть некоторые мелодические, и даже инструментальные (по части оркестровки) аллюзии и параллели. Так, третья, лирическая часть симфонии Слонимского открывается хором валторн, что отсылает нас к началу средней части симфонии Мясковского. Но только отсылает, а ни в коем случае не привязывает. Есть и схожие мелодические (пентатонные) формулы в главных темах первых частей обоих опусов. Таких частных, касающихся мелких деталей, примеров можно привести еще не одну пару. Но даже в этом случае в партитуре произведения Слонимского нет стилизации. В каждой теме, в каждом такте чувствуется стиль Слонимского, но не Мясковского. Это не эпигонство и, конечно же, не постмодерн. А что?

Слонимский посвящает свое произведение Мясковскому, но не подражает ему. Как пишет в монографии о Бетховене Л. В. Кириллина, когда речь идет о позднем стиле композитора, «музыкальное произведение начинает помнить свое прошлое». В беседе с Сергеем Михайловичем я предложила ему такую формулировку, и он ее принял.

Музыкальное произведение, хотя и ассоциируется с автором, будучи инструментом его творческого самовыражения, одновременно является самостоятельным «организмом». Вкладывая в сочинение свои мысли, композитор делает их частью семантического наполнения, уже отделенного от личности автора и принадлежащего миру музыкальному. Можно сказать, что Слонимский в партитуре своей 27-й симфонии интуитивно воссоздает тот же психический процесс, когда «музыка вспоминает свое прошлое».

Марина Валитова,
студентка IV курса ИТФ

№ 7 (114), октябрь 2011

Детская музыкальная школа… В класс на урок музыкальной литературы со сверкающими глазами и шумными восклицаниями вбегают не успевшие отдохнуть после занятий в общеобразовательной школе дети… Обмениваясь последними новостями, они занимают свои места, и кто-то с интересом задает вопрос: «А сегодня что слушаем?». В ответ класс наполняют величественные звуки органа, и дети замирают во внимании…

Что они чувствуют в тот момент, когда звучит Бах? Ведь все мы знаем, что классическая музыка интеллектуальна, сложна для восприятия без специальной подготовки. Чтобы хоть немножко приблизиться к детскому мышлению, понять и прочувствовать эмоциональное состояние ребят во время соприкосновения с музыкальным искусством, я решила поговорить с ними о том, любят ли они классику, что такое классическая музыка и зачем она нужна. Ответы были интересные, неожиданные и трогательные. Вот некоторые из них:

«Музыка – это то, во что композитор вкладывает свою душу. И когда музыкант играет мелодии, он играет с чьей-то душой».

«Музыка – это душа. Она открывает перед нами двери. С музыкой мы живем».

«Музыка – это то, что делает нас счастливее. Когда мы слушаем музыку, нам становится лучше и хочется подпевать».

«Музыка нам нужна для жизни. Она влияет на животных. Еще может помочь цветку вырасти и стать ярче, чем обычно».

«Без музыки моя жизнь пуста! Каждый день я запускаю любимые мелодии, песни. Хотя очень мало времени ее слушать».

«Люблю музыку и музыкальные инструменты! На них мечта сбывается – приходишь и играешь».

Выходит, что дети с радостью познают классическую музыку, искренне увлекаются ею, несмотря на обилие насильственно внедряемой попсы. Получается, что только в высокообразованных семьях ребенку с детства прививается вкус и любовь к музыкальному искусству. Этим занимаются и детские музыкальные школы. Но здесь возникает проблема: чем являются эти школы в нынешнее время – средством образования и воспитания или способом демонстрации родителями своей обеспеченности?

(далее…)

№ 6 (113), сентябрь 2011

В прошлом году мне посчастливилось попасть на все концерты абонемента, который ежегодно устраивает Фольклорный ансамбль Московской консерватории. Его участники – в основном бывшие и нынешние воспитанники консерватории, для которых пение в ансамбле – занятие для души, способ творческой реализации. Цикл из трех концертов назывался «Музыка русских календарных праздников» и был построен на смене времен года: «лето – осень», «зима», «весна».

Каждый раз профессор Н. Н. Гилярова, художественный руководитель ансамбля, приглашает гостей. В первом концерте выступили фольклорный ансамбль Санкт-Петербургской консерватории и московский ансамбль «Народный праздник». На второй были приглашены народные исполнители станицы Казанская Краснодарского края, ансамбль «Околица» ДШИ им. С. П. Дягилева (Зеленоград), фольклорные ансамбли «Ромода» и «Веретенце». Гостями третьего были фольклорные ансамбли «Аринушка» из Вильнюса и «Межа» из Твери.

Наиболее интересным для меня оказался второй концерт. Его программа включала песни разных регионов России, которые исполняли дети и совсем уже пожилые бабушки и дедушки. Публика в зале была самая разнообразная – и любители народной музыки, и профессиональные музыканты, и родители детей, участвующих в концерте. Были даже иностранные гости. Атмосфера в зале царила доброжелательная, а чтобы зал не скучал, ансамбль Натальи Николаевны придумал интересную забаву: у желающих попросили кольца и начали гадать (женщине, сидевшей неподалеку, выпало: «Будет у тебя муж из соседней деревни»). Но самыми запоминающимися для меня и, думаю, для многих в зале были дети. Они не просто пели, а очень органично двигались на сцене, – так, что и мне тоже захотелось пойти в пляс. Особенно хорошее впечатление осталось от выступления мальчиков, которые были открытыми, не скованными и танцевали от души!

(далее…)

№ 4 (111), апрель 2011

«Другое пространство» снова приоткрылось в Камерном зале Московской филармонии. На этот раз в цикле концертов «Живая дорожка» (напоминаю, их концепция – видеопоказы под живое музыкальное сопровождение) перед публикой предстали анимационные работы польских режиссеров. Свои живые дорожки представили молодые композиторы группы «МолОт».

Почему именно Польша? Об этом весьма доходчиво и с юмором поведал в своей вступительной речи Ярослав Тимофеев. По его словам, обращение именно к польской анимации не было связано со специальными идеями или настроениями. Это просто концерт! Можно рассматривать его и как жест «дружбы народов» в наше весьма непростое в политическом отношении время. Также можно вспомнить, что, например, и культурный центр «Актовый зал» проводил в марте ушедшего года Дни польской анимации. В концерте «Живой дорожки» было представлено десять разных фильмов широкого временного диапазона – от 50-х годов прошлого века вплоть до 2006 года.

Радикальность формальных экспериментов, на которые идут польские режиссеры-аниматоры, поражает и сейчас. А необычайная художественная свобода кино открывает широкий простор для полета композиторской мысли.

В «другое пространство» с первых звуков погрузил слушателей «Флаг молодых» (1957, реж. Валериан Боровчик) с музыкой Николая Попова. Непринужденность и легкость, царившие в зале до начала концерта, моментально уступили место напряженной сосредоточенности: не пропустить ни одной детали сложного и отнюдь неоднозначного кино! Порой музыка в сочетании с видеорядом создавала завораживающее, гипнотическое действие, как, например, в работах Юрия Акбалькана и Георгия Дорохова (последний заставил саксофон и баян звучать воистину космически!). Оба композитора работали над анимационными экспериментами Йозефа Робаковски («Тест I» и «Динамический прямоугольник» 1971 года).

В отношении необычного использования инструментов была интересна и задумка Вероники Затула. Она написала музыку к «философскому» кино «Солнце. Фильм без камеры» (1977, реж. Юлиан Антониш). «Аллегорию скоротечности человеческой жизни на фоне постоянства Вселенной» (а именно так было описано «содержание» этого фильма в краткой программке) композитор попробовала передать при помощи детской гармошки.

Точность и меткость продемонстрировали Сергей Чечетко и Александр Хубеев. Их музыка помогла еще острее ощутить юмор и злободневность сюжетов: «Кресло» (1963, реж. Даниэля Шчехура) и «Лай, дворняжка, устраивай заваруху, милая» (2006, реж. Войчех Бонковский).

(далее…)

№ 3 (110), март 2011

Есть фильмы хорошие, есть фильмы очень хорошие, а есть культовые. К последним можно отнести сагу о Джеймсе Бонде. Бондиана насчитывает 22 фильма. Первый из них, «Доктор Но», был снят в 1962 году и произвел фурор не только в США, но и во всем мире.

Сама идея снимать фильм о британском шпионе по книге бывшего сотрудника Ми-5 ломала классические каноны американского киноискусства. Тем более что делать подобное в период обостренных отношений США и СССР было достаточно провокационным решением. Но перед нами факты: за полувековую историю фильмы о красавце-супермене, любимце женщин и грозе всех мировых злодеев, практически ни разу не приводили к истощению жанра. Хотя в каждой серии есть одни и те же клише – две девушки (плохая и хорошая), словно ангел и демон, испытывающие британского агента, шикарный автомобиль, опасность мирового масштаба и конечно, песня к каждому фильму с одноименным названием.

Нельзя с полной уверенностью назвать лучшую песню к Бондиане. Альбом со стандартным для многих сборников названием «The Best Of…» включает в себя 24 трека. Первый и последний – знаменитая «James Bond Theme», написанная известным джазовым композитором и дирижером Джоном Берри. На диске два варианта «Theme» – оригинальный и ремикс, сделанный не менее талантливым музыкантом Джоном Арнольдом. Эти два трека являются некой аркой альбома. Похожий прием «репризы» есть практически в каждом сборнике песен минувших десятилетий, что подчеркивает их актуальность в современной культуре.

(далее…)

№ 3 (110), март 2011

17 декабря во Дворце спорта «Лужники» состоялась премьера «Снежной королевы» – нового ледового шоу Татьяны Тарасовой. Cвою версию сказки Андерсена она сделала вместе с театральным режиссером Ниной Чусовой, художником-постановщиком Зиновием Марголиным и дизайнером Викторией Севрюковой. После московской премьеры «Снежная королева» отправится на гастроли в Европу.

«Щелкунчик», поставленный Тарасовой в прошлом году, признан самым популярным ледовым шоу и занесен в Книгу рекордов России. Грандиозный успех «Щелкунчика» вдохновил создателей на новую постановку. Сюжет был выбран не случайно – в апреле прошлого года исполнилось 205 лет со дня рождения Ганса Христиана Андерсена. А что же может быть лучше для рождественского спектакля, чем его «Снежная королева»?!

Главные роли – Кая и Герду – в новом шоу исполняют фигуристы Елена Йованович и Константин Гаврин, блистательно сыгравшие в «Щелкунчике». В этом году на кастинг пришло почти четыре сотни заявок из России и стран ближнего зарубежья. Татьяна Тарасова выбрала тридцать лучших фигуристов. Среди них нет олимпийских чемпионов, но уровень ее труппы таков, что не каждый олимпийский чемпион способен сделать то, что делают эти молодые артисты.

(далее…)

№ 8 (106), ноябрь 2010

Большой театр – один из немногих театров столицы, который с гордостью называют достопримечательностью города. Однако за многовековую историю он не раз становился объектом критики, особенно в XXI веке. Постановки называли излишне академичными, устаревшими, декорации ветхими. А уж что говорить про оперных солистов и особенно солисток!..

Кажется, Большой все же прислушался к мнению зрителей и критиков. Сначала – необычная постановка «Огненного ангела» Прокофьева, полная оригинальных режиссерских решений, особенно коснувшихся костюмов и декораций. Затем дебютировали и вовсе современные оперы – «Дети Розенталя» Л. Десятникова, «Воццек» А. Берга. Преобразования коснулись даже хрестоматийных спектаклей – на суд зрителей была вынесена новая постановка оперы «Борис Годунов» Мусоргского. (далее…)