№9 (233), декабрь 2024

В конце ноября 2024 года руководство научно-композиторского факультета предоставило мне возможность посетить IV Конгресс молодых ученых (КМУ), который проходил в Университете Сириус на одноименной Федеральной территории. Конгресс представлял собой калейдоскоп лекций на самые разнообразные научные темы, начиная от перспектив запуска новейших космических спутников и заканчивая проблемой разработки детского питания. Участницей столь масштабной кампании я была впервые.

Одно только пребывание в стенах просторного здания Университета, похожего на громадный серебристый пароход с рядом мощных мачт-колонн, с высоким стеклянным потолком, с огромным количеством пассажиров и с прекрасной дружной командой «матросов»-волонтеров и организаторов подарило много впечатлений. Поездка невероятно меня вдохновила, открыла новые горизонты для творчества, заставила по-новому взглянуть на профессию музыковеда.

На «палубе» нашего парохода – в главном холле Университета было развернуто выставочное пространство. В небольших павильонах представили свои новейшие разработки известные организации и бренды. Особенно меня поразила «Аллея научно-технологических приоритетов», где молодые и даже совсем юные ученые демонстрировали собственные изобретения. Всеобщее внимание привлекла очаровательная электронная собака по имени МОРС (малый образовательный робот-собака), которая не только шагала вперед и назад, но и, послушная пульту управления, кувыркалась, протягивала лапу.

Особое внимание на конгрессе было уделено общению участников – организаторы даже создали индивидуальные QR-коды, которые выполняли роль электронных визиток и позволяли быстро обменяться контактными данными. Все активности, связанные с общением, были объединены под общим, на первый взгляд, нелепым, но запоминающимся названием «ёTalk» – специальный чат, баннеры, наклейки и, что самое интересное, платформа для экспресс-встреч. Участники экспресс-встреч разбивались по парам и беседовали в течение 5 минут. Этого времени хватало, чтобы познакомиться, рассказать о собственных проектах, о профессии, о жизни в целом. По знаку ведущих мы менялись партнерами.

Мероприятие длилось около часа, мне не раз пришлось объяснять, кто такой музыковед и чем он занимается, и самой довелось познакомиться с представителями самых разнообразных профессий, о существовании которых я раньше даже не могла помыслить. До сих пор во мне горит чувство гордости – как много талантливых, умных и красивых молодых ученых живут в нашей стране, какими замечательными людьми богата наша Родина! Как много существует перспективных идей, которые ждут своего воплощения! Какие невероятные перемены нас ждут в ближайшем будущем! Как здорово, что существует такая возможность общения!

Программа Конгресса подразделялась на деловую, спортивную, культурную и вечернюю. Я оказалась участницей лишь деловых мероприятий. Причина не в том, что на матчи по хоккею, футболу, шахматам, на стендапы, караоке и квизы (викторины) быстро заканчивалась запись, нет! Сама по себе деловая программа полностью захватила мое внимание – она была невероятно объемной и увлекательной. Об этом может свидетельствовать одно расписание лекций: они проходили на протяжении всех трех дней в 15-ти конференц-залах одновременно: в 10:00, 12:00, 14:00 и 16:00 часов! Практически всегда залы были переполнены. Исключение составляли лишь утренние конференции, но только потому, что через контрольно-пропускной пункт очередь желающих продвигалась чрезвычайно медленно – как водопад через горлышко бутылки.

Мне удалось послушать конференции о современных научных издательствах, педагогике, искусственном интеллекте, передовых российских спутниках, о том, как ученые разных специальностей видят связь науки и искусства, побывать на лекции-шоу, где известный актер Сергей Бурунов должен был своими словами объяснить, что такое квантовый компьютер, побыть участницей дискуссии об искусстве налаживать отношения – «нетворкинге».

Больше всего меня поразила лекция, состоявшаяся в последний день КМУ: «Новый взгляд на мироустройство: различия, которые нас объединяют». В своих выступлениях спикеры много рассуждали о цивилизационном подходе к истории, о том, что процесс развития каждого отдельного народа уникален, и что историю какого-нибудь африканского племени нельзя искусственно приравнивать к истории европейской цивилизации.

Идеи, озвученные на этой конференции, общая атмосфера конгресса, прекрасная погода на побережье, где мне посчастливилось гулять утром перед лекциями и наслаждаться дыханием моря, – все это полностью изменило мой взгляд на музыкальную науку и натолкнуло на следующие размышления.

Как уникальная наука, музыковедение имеет свою историю, но в то же время является частью истории мировой науки. Если струящуюся монодию древних народов можно сравнить со старинной узорчатой вязью, музыку Нового времени – с живописными полотнами великих художников-гуманистов, то музыкальные искусство и наука сегодняшнего дня неразрывно связаны с современными технологиями, с феноменом ленты социальных сетей – этим бесконечно длинным свитком с его «объемом» на плоскости, информационной вместимостью, возможностью в несколько легких касаний в течение короткого времени увидеть и услышать культуры разных эпох и континентов.

Работу музыканта сегодня можно сравнить с прогулкой коллекционера по черноморской гальке. Среди разнообразия тем для исследований музыкальный ученый словно оказывается среди множества фрагментов некогда могучих горных пород. Процесс создания исследовательского труда подобен поиску и обретению наиболее ценных и красивых минералов, может быть, даже драгоценных, жемчужин неправильной формы, древнегреческого мрамора, древнекитайского нефрита и обломков метеоритов из космоса.

Пусть изобретательский азарт в искусстве и науке XXI века развивается и процветает, пусть ежегодная традиция проведения Конгресса молодых ученых продолжается, и может быть, вскоре коллекция научных открытий обогатится настолько, что будет напоминать целый берег самоцветов.

Через несколько дней после нашего возвращения из Сириуса, словно в завершение Конгресса, в Якутии упал астероид…  Под впечатлением от этого события и от поездки в преддверии Нового года мне хотелось бы поделиться одним наблюдением. Вечнозеленое хвойное дерево – это прообраз вселенной. В новогоднюю ночь в каждом доме, где люди наряжают елку, свершается что-то космически-невероятное.

ЁЛКА – МИКРОКОСМОС (Посвящение Сириусу)

От всей души поздравляю с наступающими праздниками!

Софья Бердникова,
IV курс НКФ, музыковедение

№9 (233), декабрь 2024

С 15 по 30 ноября в фойе партера Большого зала консерватории проходила выставка «Юрий Темирканов. Петербург – Москва. Непрошедшее время», организованная Московской консерваторией совместно с Санкт-Петербургской филармонией. Участие в формировании экспозиции приняли также Российский национальный музей музыки, Фонд культурных и гуманитарных программ имени М.Л. Ростроповича и Мариинский театр.

Юрий Хатуевич Темирканов (1938 — 2023) – народный артист СССР, профессор, художественный руководитель Санкт-Петербургский государственной филармонии имени Д.Д. Шостаковича и главный дирижер ее знаменитого академического симфонического оркестра, почетный гражданин Петербурга. Можно и дальше перечислять многочисленные звания Маэстро, однако даже без этого личность Темирканова предстает настолько яркой, что не нуждается в представлении. Он – дирижер с всемирно известным именем, которого называют также «русским Тосканини», человек с невероятной харизмой и неугасающим огнем в душе. Юрий Хатуевич ушел из жизни всего год назад, а ослепительно яркий след его творческой деятельности продолжит оставаться в мире музыки еще долгие, долгие годы.

В знак глубокой признательности почитатели таланта Маэстро представили публике ретроспективу его деятельности – выставку «Юрий Темирканов. Петербург – Москва. Непрошедшее время». Теперь Юрий Темирканов словно бросает вызов законам времени, «приближаясь» с помощью выставки к каждому посетителю Большого зала.

Часть выставки, организованная Консерваторией, прежде всего связана с посещением Ю.Х. Темиркановым нашей Alma Mater в 2016 году. Тогда, после трех дней репетиций, состоялся его концерт со студенческим оркестром, после которого Ю.Х. Темирканову было торжественно присвоено звание Почетного профессора Московской консерватории. Позднее состоялся и незабываемый мастер-класс (см. «РМ», 2019, №4). «После концерта со студенческим оркестром образовалась внушительная очередь: каждый студент считал фактом своей биографии прикоснуться к руке маэстро. А желающих попасть на мастер-класс оказалось настолько много, что его пришлось транслировать в соседнюю аудиторию», – вспоминает ректор МГК, профессор А.С. Соколов. В экспозиции представлены как фотографии и афиши с концертов, так и диплом Почетного профессора МГК.

Интересным выглядело сочетание в экспозиции четырех фотографий, где Ю.Х. Темирканов запечатлен в мгновениях после концертов. В подготовке этих фотографий из архива Санкт-Петербургской Филармонии – не парадных, но при этом действительно исторических – помогла личный фотограф Темирканова Анна Флегонтова. Ценным оказалось и предоставление материалов Российским национальным музеем музыки. Однако особый вклад в выставочную экспозицию внесли архивные материалы, представленные Санкт-Петербургской филармонией. «Выставка, посвященная Юрию Темирканову, – памятная в прямом и переносном смысле. Она рассказывает о вехах творческого пути, наследии маэстро, чье имя осеняет и Петербург, и Москву, и всех тех, для кого значима история музыкальной культуры России», – подчеркнула заместитель директора Санкт-Петербургской филармонии Юлия Кантор.

Символом переклички двух городов, Москвы и Санкт-Петербурга, стал коллекционный бюст П.И. Чайковского, «приехавший» прямо со стола в филармоническом кабинете Юрия Темирканова. Идею «повести о двух городах» поддержал и А.С. Соколов, отметив: «Очень радостно, что копии афиш архива Санкт-Петербургской филармонии становятся частью и нашего архива». По его словам, открытие этой выставки стало еще одним шагом в рамках сотрудничества Московской консерватории и Санкт-Петербургской филармонии, начатого в июне этого года.

«Петербургская» часть выставки практически обрисовала творческий путь Юрия Хатуевича. На отдельном стенде экспозиции – будни его как студента Ленинградской консерватории (класс проф. И.А. Мусина – основателя советской дирижерской школы). Здесь расположилась книга, полученная Ю. Темиркановым от учителя, – «О воспитании дирижера: очерки». А на титульном листе – дарственная надпись: «прекрасному ученику и великолепному другу». На этом же стенде – фотография из Ленинградского малого оперного театра (ныне Михайловского), в оркестровой яме которого Юрий Хатуевич начинал свою оперно-дирижерскую карьеру.

На следующем стенде – время пребывания Темирканова во главе Театра оперы и балета имени С.М. Кирова (ныне снова Мариинского), где было поставлено огромное количество интереснейших спектаклей. Через годы он восстановил традицию симфонических концертов в Мариинском театре. Еще одна важная точка экспозиции – диплом Почетного доктора, подписанный в 2003 году ректором Санкт-Петербургской консерватории С.П. Ралдугиным.

Центральная часть экспозиции – четыре размеченные партитуры, по которым работал непосредственно Юрий Хатуевич. Кроме них, выставку украсили уникальные артефакты из его филармонического кабинета, среди которых: литография «Петербургское Губернское земское собрание», сувенирная дирижерская палочка с факсимильным автографом, буклеты фестиваля «Площадь искусств» и программки легендарных спектаклей Кировского театра, уникальные, не опубликованные фотографии из архива филармонии.

Отдельный стенд зафиксировал участников рабочей группы, готовившей эту грандиозную выставку, в которую вошли: проректор МГК по концертной деятельности В.А. Катков, руководитель дирекции концертных программ БЗ, кандидат искусствоведения Е.В. Ферапонтова, заместитель директора Санкт-Петербургской филармонии им. Д.Д. Шостаковича, доктор исторических наук Ю.З. Кантор, главный дизайнер МГК С.А. Баронов.

Не будет преувеличением сказать, что творческая личность Юрия Темирканова вновь предстала перед публикой – сквозь время и пространство. Или, может быть, это пространство и время застыли перед личностью Маэстро?! Традиции, которые складывались годами, сейчас напомнили о себе – выставка открылась в преддверии концерта Заслуженного коллектива России академического симфонического оркестра Санкт-Петербургской филармонии в рамках XIV Международного фестиваля М. Ростроповича.Как отметила Юлия Кантор:«Неслучайно выставка открывается в первый день гастролей оркестра, которым Юрий Хатуевич руководил более трех десятилетий»!

София Фокина
IV курс НКФ, музыковедение
Фото Эмиля Матвеева

№9 (233), декабрь 2024

В этом году музыковеду и педагогу Екатерине Михайловне Царёвой исполнилось 88 лет. Число символичное, возраст удивительный. И человек Екатерина Михайловна удивительный, а об удивительных людях нужно говорить как можно больше. Поэтому для меня так важно написать творческий портрет моего дорогого учителя.

На сайте Московской консерватории, на личной странице Екатерины Михайловны сказано, что она – «один из самых авторитетных преподавателей музыкальной литературы в стране». И я могу уверенно согласиться с этой характеристикой. Наверное, потому, что кроме фундаментальной системной базы знаний по музыкальной литературе, уроки ее дали мне много важных, универсальных профессиональных навыков, которые я по сей день использую и в музыкально-теоретических предметах, и в журналистской деятельности, и в собственной педагогической работе.

А еще Екатерина Михайловна – просто родной по духу человек, в чем-то почти вторая мама, теплые близкие отношения с которой мы сохраняем до сих пор. И такую роль она играет не только в моей жизни. Многие ее ученики и через десятки лет продолжают общаться с любимым профессором, поддерживать, если надо, просить профессионального совета. Каким же был творческий путь, сформировавший этого особенного человека, педагога, музыканта и ученого?

Екатерина Михайловна родилась в семье знаменитого советского актера Михаила Ивановича Царёва. И, конечно, с детства была рядом с театром. По ее собственным словам, некоторые папины роли она знала практически наизусть, и даже выступала вместе с ним: играла бетховенскую музыку к «Эгмонту» Гете, а Михаил Иванович читал текст драмы.

Училась Екатерина Михайловна в детской музыкальной школе училища при Московской консерватории (класс О.Ф. Мухортовой), а затем в самом училище на фортепианном отделении (класс М.Я. Сивер). После окончания поступила на теоретико-композиторский факультет Московской консерватории. Среди ее преподавателей были Ю.В. Келдыш, А.И. Кандинский, И.А. Барсова, Ю.А. Фортунатов… Фортепиано Екатерина Михайловна занималась в специальном классе А.А. Егорова и Л.М. Левинсона, но как основную профессию все же выбрала музыковедение.

В аспирантуре диссертацию она писала под руководством Н.С. Николаевой. Ещё в аспирантские годы начала преподавать музыкальную литературу в Академическом музыкальном училище при МГК, где теперь заведует предметно-цикловой комиссией по этому предмету. Екатерину Михайловну смело можно назвать одним из самых авторитетных педагогов-наставников теоретического отделения училища. А с 1964 года она работает в консерватории на кафедре истории зарубежной музыки. Читает общие курсы лекций и спецкурс о музыке XIX века.

Думаю, не будет преувеличением сказать, что сегодня Екатерина Михайловна – один из главных в стране специалистов по немецкому музыкальному романтизму. Читателям наверняка известны ее работы о Шумане, Брамсе, Брукнере и других композиторах, к ее трудам повсеместно обращаются профессиональные музыканты. По сей день она ведет просветительскую деятельность: организует лекции-концерты в Университете музыкальной культуры. Об этих областях ее профессиональной жизни много и хорошо сказано, поэтому не буду повторяться. Мне, как ее студентке и воспитаннице, хочется подробнее остановиться на том, какой Екатерина Михайловна педагог, что уникально в ее преподавательском методе, на котором выросло множество востребованных современных музыковедов.

Пожалуй, выделю в нем три важнейших составляющих:

Во-первых, ее собственная любовь к музыке, которую она изучает и о которой говорит студентам. О большинстве произведений, которые мы проходили детально, Екатерина Михайловна рассказывала с глубоким эмоциональным проникновением. И абсолютно обо всех – с безмерным уважением к композитору и к материалу. Хорошая музыка для нее – явление живое и вечное, неустаревающее. Говоря о каждом новом значимом музыкальном фрагменте, она старается подобрать для него «свои» точные слова, избегая штамповых, шаблонных характеристик. От нее нам передается навык глубоко проживать любое изучаемое произведение, пропускать его через себя, внимательно и трепетно относясь к каждой музыкальной детали. Ведь именно детали очень часто делают шедевр шедевром.

Во-вторых, это взгляд на любое художественное произведение как на систему элементов, умение отделить в ней главное от второстепенного. При всем эмоциональном отношении Екатерины Михайловны к музыке, она приучает студентов к тому, что хороший музыковедческий анализ – это всегда конкретика, то есть вычленение из материала значимых средств музыкального языка и описание их взаимодействия друг с другом. На протяжении всего обучения она повторяла нам: «Смотрите на произведение, как на художественное целое» и учила находить в нем важнейшие составляющие. А затем рассказывать о том, как они связаны друг с другом, и к какому художественному результату это приводит.

То же касается и изучения биографий композиторов. Хороший рассказ о жизненном и профессиональном пути музыканта – это всегда многогранный творческий портрет его личности, «вписанный» в музыкально-исторический процесс. Жизнь любого композитора связана с окружающей его культурной и исторической действительностью, с людьми, которые живут рядом. Поэтому Екатерина Михайловна учит студентов находить взаимосвязи и параллели, представляя историю музыки как единое системное явление, а не как череду событий, разбросанных во времени.

В-третьих, важно ее очень аккуратное и внимательное отношение к словам. Она постоянно транслирует мысль о том, что искусство музыковеда – в точном слове. Говоря о музыке, главное — не сказать побольше, а сказать по делу. А если точные слова подобрать иногда не получается, лучше вообще промолчать. Бывает такая великая музыка, которой слова только мешают. Это тоже важная мысль нашего учителя.

Надо сказать, что требования Екатерины Михайловны к студентам всегда были высокими и остаются таковыми. Поэтому учиться у нее достаточно непросто. Музыкальный материал базовых произведений она спрашивает с большим пристрастием, требуя детальнейшего знания. На зачете может быть сыгран любой фрагмент из такого произведения, любая «середина». Но важно, что списки тем, которые нужно знать, Екатерина Михайловна всегда очень подробно расписывает, что, конечно, помогает в подготовке.

Еще одна сложность заключается в том, что даже студентам-первокурсникам училища Екатерина Михайловна читает лекции специфическим, достаточно «взрослым» языком. И воспринимать его вчерашним детям может быть непросто. Высокую планку педагог устанавливает сразу: училищные курсы на первой же лекции начинают разбирать баховские Страсти по Матфею. Получается такой резкий «бросок в воду», и многим на первом этапе бывает «выплыть» трудно. Говоря о личном опыте, признаюсь, что для меня подача материала на лекциях Екатерины Михайловны была довольно сложной первые полтора-два года. Однако на старших курсах посеянные «зерна» дали «всходы» в виде накопившейся базы важных профессиональных навыков. Постепенно я научилась грамотно характеризовать и анализировать музыкальный материал, заучивать его в очень больших объемах, ориентироваться в специфике разных музыкально-исторических эпох и стараться любое культурное явление вписывать в контекст эпохи.

Не только я так ценю все, что дал мне за годы учебы любимый Учитель. Многие бывшие студенты Екатерины Михайловны, ставшие теперь уже зрелыми музыковедами, отмечают, что именно ее фундаментальная школа во многом сформировала их как профессионалов. Спасибо большое за это, дорогая Екатерина Михайловна!

Евдокия Гафни,
IV курс НКФ, музыковедение

№9 (233), декабрь 2024

Премьера оперы «Князь Игорь» в ГАБТе вернула на главную сцену страны большой оперный стиль, ярким представителем которого был композитор Александр Порфирьевич Бородин (1833-1887). В связи с этим хочется вспомнить личность автора знаменитой оперы, 190-летний юбилей которого отмечался в прошлом году.

Уникальный человек, сочетавший в себе качества композитора, ученого и педагога, А.П. Бородин с одинаковым успехом проявил себя в двух совершенно разных сферах, что является редким достижением. Его научные разработки в области химии до сих пор сохраняют свое значение.

В сфере музыки каждое его произведение представляет собой подлинный шедевр и важный вклад в сокровищницу русской классики. Одним из самых известных сочинений является опера «Князь Игорь», основанная на древнерусском памятнике литературы «Слово о полку Игореве». В ней героические мотивы сочетаются с лирикой и яркими народными сценами. Над этим сочинением музыкант работал 18 лет, но так и не успел дописать – уже после его смерти труд закончили два других композитора: Н.А. Римский-Корсаков и А.К. Глазунов.

Вторая симфония («Богатырская»), отражающая дух русского эпоса, наполнена мощными темами, напоминающими образы богатырей и народных героев. Шедевром камерной музыки является струнный квартет № 2, известный своей мелодичностью и выразительностью. Особенно популярна вторая часть этого квартета – ноктюрн, который часто исполняется отдельно. Нельзя не отметить и влияние восточных мотивов, которые отразились в его симфонической картине «В Средней Азии». Бородин также писал вокальные произведения, многие из которых стали классикой русской романсово-песенной традиции.

Как отмечают исследователи, композитор был в числе новаторов музыкального языка, особенно в области использования ладов. Фольклорные лады и различные модальные структуры встречаются у него так же часто, как и традиционный мажоро-минор. Особую роль в музыке композитора играет трихорд, состоящий из кварты (терции) и большой секунды, который был прямо заимствован из образцов русского народного творчества.

В образном мире Бородина нет гротеска и негативных эмоций. В этом он абсолютный антипод Мусоргского. Его стихия – лирика и эпос, покой и возвышенность. В «Князе Игоре» нет ни одного по-настоящему отрицательного персонажа; тревожные и страшные картины — вроде сцены солнечного затмения – производят скорее величественное, чем пугающее впечатление.

Помимо музыки, Бородин был талантливым химиком. Он получил медицинское образование и защитил докторскую диссертацию по химии. В своих научных трудах он исследовал органическую химию, особенно реакции альдегидов и кетонов. Бородин открыл реакцию, которая позже была названа в его честь – реакция Бородина-Хунсдикера.

Николай Андреевич Римский-Корсаков писал в своих воспоминаниях о том, как Бородину удавалось совмещать музыку с химией: «Приходя к нему [Бородину], я часто заставал его работающим в лаборатории, которая помещалась рядом с его квартирой. Докончив работу, он уходил со мною к себе на квартиру, и мы принимались за музыкальные действия или беседы, среди которых он вскакивал, бегал снова в лабораторию, чтобы посмотреть, не перегорело или не перекипятилось ли там что-либо, оглашая при этом коридор какими-нибудь невероятными секвенциями из последовательностей нон или септим».

Бородин также занимался педагогической и общественной деятельностью. Он принимал участие в работе следующих организаций: Высшие женские врачебные курсы, Русское химическое общество, Общество русских врачей, Общество охранения народного здравия, журнал «Знание» и другие.

Композитор был очень добрым, отзывчивым и ответственным человеком, поэтому всегда был занят решением разных вопросов и просьб, о чем также писал Римский-Корсаков: «…зная его доброту и податливость, медицинские студенты и всякая учащаяся молодежь прекрасного пола осаждали его всевозможными ходатайствами и просьбами, которые он самоотверженно старался удовлетворить. Его неудобная, похожая на проходной коридор квартира не позволяла ему запереться, сказаться не дома и не принимать. Всякий входил к нему в какое угодно время, отрывая его от обеда или чая, и милейший Бородин вставал не доевши и не допивши, выслушивал всякие просьбы и жалобы, обещая хлопотать. Его задерживали бестолковым изложением дела, болтовней по целым часам, а он казался вечно спешащим и недоделавшим то того, то другого. Сердце у меня разрывалось, глядя на его жизнь, исполненную самоотречения по инерции».

Александр Порфирьевич Бородин остается одной из ключевых фигур в истории русской культуры и науки, сочетая в себе качества гениального композитора и ученого-исследователя. Имя Бородина носит Государственный квартет, музей, а также несколько музыкальных школ и улиц в разных городах России.

Алиса Качаева
IV курс НКФ, музыковедение

№9 (233), декабрь 2024

«Кто был в состоянии рассказать обо всех тех бродивших в голове Иеронима Босха удивительных, странных и игривых мыслях, которые он передавал с помощью кисти, о тех привидениях и адских чудовищах, которые часто более пугали, чем услаждали смотревшего?» – писал о художнике писатель-историограф из Западной Фландрии Карел ван Мандер. Действительно, картины Босха наполнены загадочными смыслами, изображают фантастических существ и символы, чем и привлекают внимание людей на протяжении нескольких веков.

Ерун Антонисон ван Акен, известный как Иероним Босх (около 1450 – 1516) – потомственный художник из Нидерландов, один из самых таинственных и оригинальных мастеров своего времени. Родился он в городе Хертогенбос, где и провел большую часть жизни. Хотя его личность таит в себе множество загадок, некоторые его тайны все же были раскрыты. Известно, что Иероним Босх принадлежал к некоему духовному сообществу – Братству святого свободного Духа. Начало развития этого движения относится к XII веку. Интересно, что год рождения Босха это религиозное общество считало началом апокалипсиса. Стоит отметить, что похоронен он был как раз в хертогенбоской церкви Святого Духа, вероятно, принадлежавшей этому братству. И религиозная тематика занимает центральное место в его творчестве, в том числе в картинах, рисунках и алтарных композициях.

Он часто изображал конфликт между добром и злом, искушением и спасением. Во многих работах фигурируют символы смертных грехов, человеческих страстей и неминуемой кары. Это, например, сцены падения человека, символизирующие вину и грех. Босх вдохновлялся христианскими текстами и апокалиптическими явлениями. В его произведениях присутствуют мотивы Судного дня, тернового венца, многочисленные сцены ада, изображающие вечные страдания грешников.

Для передачи глубоких религиозных идей он использовал разнообразные аллегорические образы. Например, животные, растения и мифические существа на его полотнах могли представлять определенные человеческие качества или его пороки, а луна — слабость, медитативность. В некоторых его работах («Поклонение волхвов», «Святой Иоанн на Патмосе» и других) изображены святые и персонажи из Библии, которые ведут людей по пути к спасению. В таких картинах делается акцент на важности духовного роста и добродетельной жизни.

Иероним Босх считается представителем нидерландского Возрождения, хотя его стиль сочетает в себе и элементы раннего ренессанса, и элементы готики. Наиболее известными его работами можно назвать «Сад земных наслаждений», «Страшный суд», «Воз сена», а также «Корабль дураков». Эти развернутые сюжетные картины-рассказы как нельзя лучше иллюстрируют художественный стиль Босха. Большая часть его работ представляет собой именно трехпанельные картины (триптихи), популярные в Средние века.

Способ его письма был смелый и искусный. Свои произведения Босх часто писал с одного удара кисти – так называемая манера «а-ля прима». Она создавала особую атмосферу, заставляя зрителей читать картины словно книгу и погружаться в мир тайных символов и метафор. Изображение персонажей в костюмах символизировало различные аспекты общества и морали. Еще одной чертой его техники стала привычка подробного вырисовывания фигур на белом грунте доски, после чего он покрывал их легким топом, оставляя в некоторых местах грунт непокрытым. Этот способ, придающий особую жизненность образам, был распространен среди старых мастеров того времени.

Некоторые специалисты утверждают, что в творчестве Босха находит отражение смысл, касающийся алхимической и астрологической транскрипции вещей. Он размышлял о трагическом финале, ожидающем человечество. Эти идеи прослеживаются во многих его картинах, в частности в «Корабле дураков» – одной из частей створки триптиха, который был собран впервые в 2016 году в родном городе художника. Эта картина, созданная в 1490-х годах, считается одной из самых мистических и загадочных работ в творчестве Босха. На ней изображен большой корабль, наполненный странными и отталкивающими фигурами. В терминологии того времени кораблем называли храм, базилику или католическую церковь. Также кораблем именовалась одна из частей церковного интерьера – неф, где обычно располагаются молящиеся. Таким образом, в середине XV века корабль символизировал место сакральное, священное, направляемое Богом, Творцом.

Но на палубе корабля Босха можно увидеть совершенно неожиданные и несочетаемые с этой сквозной аллегорией изображения. 12 человек с уродливыми и деформированными лицами – монахини, миряне: они все предались беспутству и праздному времяпрепровождению, они больше не слышат божественного голоса, выбрав вместо праведного пути прожигание жизни. Среди них можно заметить фигуру шута, несомненно, олицетворяющего сатирическое обличение обычаев и нравов того времени. А корабль, тем не менее, стоит, не плывёт, и мачта его давно уже превратилась в дерево, что также наталкивает на мысль о нравственном тупике. И этот корабль охраняет ночная сова, которая прячется в кроне дерева. По древнему поверью, она символизирует дьявола.

Что касается других известных работ, в том числе и уже упомянутых («Сад земных наслаждений», «Страшный суд»), то в них художник выплеснул свои фантазии через сюрреалистические образы, вызывающие ужас и тревогу. Но что, если это были вовсе не фантазии, а реальное видение мира Иеронима Босха?!

Кем же он был – психически больным человеком или же гением? Информация о его возможном психотипическом расстройстве остается на уровне гипотез, бесспорно одно: своим эмоциональным накалом его творчество производило колоссальное впечатление и имело влияние на многих художников, например, на Питера Брейгеля-Старшего. Такие разные художники как Рембрандт, представитель Золотого века Нидерландов, и Сальвадор Дали, создатель сюрреалистических полотен, также заимствовали идеи из работ Босха, особенно в использовании сновидческих образов и изображения странных существ. Среди тех, кого Босх вдохновил своими видениями, и такие мастера, как Марк Эрнст, Грейс Нисбет, Джефф Кунс. Он оставил глубокий след в истории искусства и продолжает шокировать и восхищать по сей день. А кем он был — остается загадкой.

Елизавета Романова,
IV курс, НКФ, музыковедение

№9 (233), декабрь 2024

В Московской консерватории стартовал прием заявок на участие в Первом конкурсе аудиовизуальных работ «ТВОРЧЕСКИЙ КАДР». Что же особенного заключено в этом новом состязании, какие таланты у музыкантов, обучающихся в Московской консерватории, он призван открыть?

Век технологий и цифровизации немыслим без хорошего визуального контента. Здесь дело не только в социальных сетях, заполонивших виртуальное пространство, а в появлении новых требований, предъявляемых современным артистам. Популярность социальных сетей и других сервисов дает возможность заявить о себе любому начинающему артисту. Знания базовых правил звукозаписи, а также основ видеомонтажа достаточно для создания контента, для этого не требуется профессиональное образование, наоборот – разработчики идут навстречу начинающим «контентмейкерам», упрощая интерфейс программ и приложений.

Многие студенты уже и так часто «балуются» с созданием собственных роликов, ведь в этой области юный специалист чувствует себя настоящим «свободным художником» – отсутствие диктата, правил, спускаемых свыше, открывает огромное поле для творчества. Одни, совмещая создание видео со специальностью, подбирают под собственное исполнение незыблемой академической музыки нечто диковинное для клипа или рекламируют сольный концерт в проморолике. Другие снимают юмористические скетчи, а третьи пробуют себя в роли видеоблогера, рассказывая о своих учебных буднях.

Именно такие образцы видеоконтента были показаны во время презентации конкурса, прошедшей 9 декабря в конференц-зале Московской консерватории. Организаторы отобрали следующие жанры ролика: видеорезюме, блиц-интервью, видеоблог о музыке, промо-видео, видеоклип и видеорепортаж. Хотя отсутствие строгих рамок каждого жанра допускает совмещение нескольких типов, а для любителей эклектики и экспериментов есть категория смешанного жанра.

Целью конкурса стало предоставление студентам, аспирантам и ассистентам-стажерам возможности создать оригинальный контент и воплотить свои идеи. «Конкурс, в первую очередь, направлен на то, чтобы вдохновить студентов на совершенствование себя, на поиск новых форм самовыражения. Мы хотим показать, что музыка может звучать и в кадре, и в движении, и в цвете», – отметил художественный руководитель конкурса, преподаватель Московской консерватории Иван Сергеевич Старостин. Кроме него в жюри также вошли Артем Николаевич Ананьев – доцент кафедры композиции, заведующий кафедрой музыкально-информационных технологий, и Артем Михайлович Васильев – президент Российской ассоциации электроакустической музыки, доцент кафедры музыкально-информационных технологий и кафедры композиции Московской консерватории.

Среди прочего Иван Сергеевич отметил образовательную ценность конкурса, который «развивает не только технические навыки, такие как видеомонтаж и звуковой дизайн, но и помогает студентам глубже понять природу искусства в целом».

Несмотря на любительский характер многих видео, организаторы сразу высоко подняли планку, очень подробно прописав технические параметры ролика. Но высококачественное видео не является залогом успеха. Самое главное – это художественная составляющая самого контента, интересный концепт и его яркое воплощение. Поэтому контент можно и нужно создавать на смартфоне, который есть у каждого в руках, и не комплексовать по поводу отсутствия профессиональной техники. По словам Ивана Сергеевича, окончившего презентацию вдохновенным напутствием: «Лучшая версия в вас самих, это вы – сегодня. А лучшая техника – та, которая у вас сейчас в руках».

I Конкурс аудиовизуальных работ «Творческий кадр»
пройдет с 1 по 28 февраля 2025 года.
Заявки принимаются с 25 ноября 2024 года по 1 февраля 2025 года.
Принять участие в Конкурсе могут студенты, аспиранты и ассистенты-стажеры Московской консерватории.
Каждый участник может представить одну аудиовизуальную работу продолжительностью до 4-х минут. Заключительный этап Конкурса включает публичный показ лучших работ и церемонию награждения, которая состоится в конце февраля 2025 года. Победителей ждут ценные призы, включая профессиональное оборудование для видеосъемки и звукозаписи.

Айдана Кусенова,
аспирант НКФ
собкор «Трибуны молодого журналиста»
Фото Дениса Рылова

№8 (232), ноябрь 2024

10 сентября в Московском концертном зале «Зарядье» состоялось два очень важных и значимых для музыкальной культуры события: концерт Симфонического оркестра Большого театра под управлением Валерия Гергиева и торжественная церемония подписания соглашения о сотрудничестве между залом «Зарядье» и Большим театром России. В церемонии приняли участие генеральный директор и художественный руководитель Большого театра, директор Мариинского театра Валерий Гергиев и генеральный директор зала «Зарядье» Иван Рудин. В рамках соглашения предусмотрено создание совместных проектов.

История молодого, но значимого для Москвы концертного зала «Зарядье» неразрывно связана с коллективом Мариинского театра и Валерием Гергиевым. С первых сезонов маэстро представлял на московской сцене симфонические программы, оперы в концертном исполнении и балетные постановки.

15 апреля 2024 года на сцену «Зарядья» впервые вышел Симфонический оркестр Большого театра России под управлением Валерия Гергиева. Концерт ознаменовал две важные даты в истории русской музыкальной культуры – 180-летие со дня рождения Н.А. Римского-Корсакова и 185-летие со дня рождения М.П. Мусоргского. В тот вечер Большой театр и зал «Зарядье» объявили о начале сотрудничества, которое и скрепили подписями 10 сентября.

В концерте, посвященном этому событию, прозвучали сюита из балета С.С. Прокофьева «Ромео и Джульетта» и Пятая симфония Д.Д. Шостаковича. Объединение в одной концертной программе балетной и инструментальной музыки отразило главную идею события – союз театральных и симфонических жанров на одной сцене.

Исполнение музыки «Ромео и Джульетты», более привычной для коллектива Большого театра, вызвало симпатию у публики. Дирижер объединил две редакции знаменитой сюиты – op. 64 ter и ор. 64 bis. В начале концерта прозвучали «Монтекки и Капулетти» и «Джульетта-девочка» из второй сюиты, а затем «Народный танец», «Сцена», «Мадригал», «Менуэт», «Маски», «Ромео и Джульетта», «Гибель Тибальда» из первой.

Чередование этих номеров, словно калейдоскоп, напоминало о героях шекспировского произведения. Перед глазами сразу возникали и танец рыцарей с его грозной темой, и сцена бала с его пестрыми масками. Лирические эпизоды были исполнены аккуратно и мягко, драматические – мощно и с напором.

Особенно хотелось бы отметить исполнение Пятой симфонии Шостаковича, которой Валерий Гергиев уделил пристальное внимание. С точностью были соблюдены все ремарки композитора, выделена медная группа. Сама концепция симфонии глубоко трагична, что подтверждает преобладание минора над «вспышками» мажора. Судьбоносный мотив основной темы первой части у струнных сразу же погружает в сложный психологический мир, неоднократно напоминая о себе в последующих частях произведения.

В двух средних частях – скерцо и лирическом Largo – маэстро Гергиев предельно заострил контрасты. Упругие ритмы, обилие духовых с подчеркнутым звучанием меди были противопоставлены третьей части. В ней дирижёр выделил кантилену струнных инструментов, особо подчеркнув звучание скрипок.

Финал стал кульминацией не только всей симфонии, но и концерта в целом. Мажорная кода-апофеоз утверждающе завершила выступление оркестра.

Соединение в одном концерте столь разных произведений еще раз подчеркивает основной вектор новых партнерских отношений между двумя ведущими культурными институциями Москвы. Следующие выступления Симфонического оркестра Большого театра в рамках Седьмого концертного сезона зала «Зарядье» запланированы в декабре, а затем в апреле и в июне 2025 года. Какие именно постановки и концертные программы представят партнеры, будет объявлено позже.

Алиса Качаева,

IV курс НКФ, музыковедение

№8 (232), ноябрь 2024

«Двадцать второго июня, ровно в четыре часа…» Не утра, конечно, а дня, но именно в этот священный и памятный для жителей России день мы со студенткой Московской консерватории Антониной Самониной и участниками ансамбля «Вокализ» отправились в Рязань, чтобы исполнить там барочную программу «Музыка земная и небесная».

Для ансамбля, в составе которого играют и поют выпускники Московской консерватории, РАМ им. Гнесиных, студентка колледжа им. М.И. Ипполитова-Иванова, а также преподаватель класса вокала в МПГУ и художественный руководитель ансамбля Маргарита Емелина, это был завершающий концерт дебютного сезона, начавшегося в ноябре 2023 года с идеи исполнить  переложение «Вокализа» Рахманинова для сопрано, скрипки и фортепиано.

Программа «Музыка земная и небесная» была впервые представлена 28 апреля 2024 года в Доме-музее Марины Цветаевой. Поэтому в Рязань участники ансамбля «Вокализ» приехали достаточно подготовленными. Поскольку концерт было решено назначить на 22 июня, его скомпоновали соответствующим образом. В первое отделение вошли барочные произведения с лирико-философской и даже скорбно-трагической составляющей, второе должно было отразить путь от скорби к свету и «жизни будущего века».

Символичным стало и то, что завершено было первое отделение последней частью из «Stabat Mater» Перголези – «Quando corpus», в то время как второе открыла первая часть «Свадебной» кантаты И.С. Баха – «Weichet nut, betrübtte Schatten», а завершил лирический дуэт Нерона и Поппеи «Pur ti miro» из оперы Монтеверди «Коронация Поппеи».

В программу включили 16 номеров; 2 дуэта, 3 сольных произведения и 11 оригинальных переложений популярных барочных произведений для разных составов ансамбля (изначально их было 12), но по ходу концерта от арии Антонио Вивальди «Vedro con mio diletto» пришлось отказаться из-за нехватки хронометража, разрешенного Рязанским художественным музеем.

На протяжении почти всего концертного времени мы с Антониной Самониной находились за роялем. Такая творческая обстановка создавала видимость атмосферы домашнего музицирования, когда Иоганн Себастьян и Анна Магдалена – главы музыкального семейства, – следили за остальными инструменталистами. В роли Баха выступил я, Анной Магдаленой стала Антонина, мой перевертмейстер и дублер, заменившая меня на «Quando corpus» Перголези и сыгравшая Жигу из Французской сюиты № 5 Баха. В «семью» вошли Ярослав Чистов, виолончель; Николай Федотов, гитара; Дарья Шведюк, флейта; Маргарита Емелина, сопрано; Мария Хомская, скрипка.

Программа, которую ансамбль «Вокализ» привез в Рязань, включала арии из «Страстей по Матфею» Баха, арии из опер и кантат Вивальди, Перголези, Генделя, Генри Пёрселла, Адольфа Хассе, а также дуэтную «Пассакалью» Йохана Хальворсена, родившуюся из переложения им Пассакальи из Сюиты № 7 Генделя, и другие сочинения этих композиторов.

Некоторые из этих произведений были представлены в моих оригинальных переложениях, как например, ария альта «Cum dederit» из кантаты «Если только Господь» Антонио Вивальди – аскетичная остинатная молитва, лишь изредка перемежаемая краткими мотивами в партиях флейты и скрипки. Исполнил ее ансамбль совместно с Владиславом Александрийским (контратенор). Напротив же, две арии из «Страстей по Матфею» – ария сопрано № 58 «Aus Liebe» и ария альта № 47 «Erbarme dich» – выглядели оазисом лирики, молитвы и скорби не только по отношению ко всей оратории, но и к нашей программе. Сольные партии сыграли Дарья Шведюк и Мария Хомская.

В программу также вошли сольные инструментальные номера. По-философски глубоко прозвучали Сарабанда и Жига из сюиты №5 для виолончели соло И.С. Баха в исполнении лауреата международных конкурсов Ярослава Чистова. Артистка Москонцерта Мария Хомская восхитительно сыграла Адажио из Сонаты № 1 для скрипки соло И.С. Баха. Сдержанную и строгую хоральную прелюдию фа минор на тему протестантского хорала «Я взываю к Тебе, Господи» исполнил Николай Федотов – обладатель золотой медали Молодежных дельфийских игр России в номинации «Классическая гитара».

Владислав Мартыненко,

выпускник НКФ МГК 2020 года

№8 (232), ноябрь 2024

27 ноября в Москве открывается V международный конкурс-фестиваль «Время гитары». В этом году фестиваль проводится при поддержке Президентского фонда культурных инициатив. Член жюри конкурса, гитарист, профессор Высшей музыкальной консерватории в Ване (Бретань, Франция) Маурисио Диас Альварес рассказал нашему корреспонденту о гастролях в России, выступлении в африканской саванне и любви к русской музыке.

– Маурисио, расскажите, пожалуйста, о Вашем музыкальном пути. Ваши родители были музыкантами?

– Да, мой отец был профессиональным гитаристом, а моя мать – оперной певицей. У нее был невероятный голос, сопрано. Я рос в музыкальной среде, так что мне очень повезло. Эта атмосфера, безусловно, повлияла на мой творческий путь.

 – Почему из всех инструментов Вы выбрали гитару? Владеете ли Вы другими инструментами?

– Я родился с гитарой в руках, рос со своими братьями, которые тоже играли на гитаре, а мой отец был учителем гитары. Так что, конечно, я хотел играть именно на этом инструменте. Хотя признаюсь: еще один инструмент, который я очень люблю, – это фортепиано. Это прекрасный инструмент. Если бы я не был гитаристом, то, конечно, я бы был пианистом. Для фортепиано написано огромное количество музыки, фортепианный репертуар невероятно обширный. Для гитары создано тоже много музыки, но не так, как для фортепиано. На нем я играть не умею, к сожалению. Мне еще многому предстоит научиться на гитаре, всегда есть, к чему стремиться, так что я не буду заниматься одновременно двумя инструментами.

– Вы несколько раз были в России. Расскажите о впечатлениях от выступлений на российской сцене.

– Да, в России я выступал несколько раз, я люблю эту страну. Страна великих композиторов, богатой культуры. Я играл в Москве и Владивостоке. Я счастлив, что открыл для себя Москву – такой динамичный и современный город. В России, кстати, очень высокий уровень классической гитары, много прекрасных музыкантов, с которыми я познакомился.

– Что Вы делаете в свободное время, как восстанавливаете силы между концертами?

– Я люблю читать, гулять около моря. Я живу на юге Бретани, мне нравится ходить в походы, наслаждаться природой.

– Как артист Вы много путешествуете. Какая из стран произвела на Вас самое сильное впечатление?

– Это были гастроли в Кении. Я играл там для воинов народа масаи в Момбасе(город на юге Кении – ред.), в африканской саванне. Я играл для них, а они пели для меня. Тогда все звуки сливались воедино, и музыка не имела границ. Это была особая встреча.

– Следующий вопрос очень распространенный, но, тем не менее, важный: кто Ваш любимый композитор?

– Я люблю многих композиторов, мне трудно выделить кого-то одного. Особенно я люблю Листа, прежде всего его си-минорную сонату. Моя страсть – Дмитрий Шостакович, Клод Дебюсси, Альберто Хинастера, Петр Чайковский. Да, у всех этих композиторов очень разный стиль.

– У Вас есть дети? Они играют на гитаре?

–Да, у меня есть сын и он обожает музыку. Он играл на гитаре и фортепиано какое-то время, но сейчас приостановил занятия, у него появились другие увлечения, и я не хотел его заставлять.

– Как Вы думаете, достаточно ли на сегодняшний день гитарных конкурсов в Европе?

– Да, конечно, их очень много. Но больше всего конкурсов, конечно, в Испании, они проводятся в каждом регионе, в каждом городе. Потому что гитара – это инструмент нашей культуры. Во Франции они тоже есть, безусловно. Очень важно, что Дмитрий Бородаев (гитарист, композитор и дирижер, доцент Московской консерватории – ред.) решил организовать гитарный конкурс «Время гитары» в Москве. Важно, что он проходит из года в год, мотивируя исполнителей на новые победы. Я слышал, что в Московской консерватории нет отделения гитары, но есть факультатив, поэтому студенты смогут тоже принять участие.

– В конкурсе также принимают участие и композиторы, которые для него специально пишут музыку. В этом году произведения студентов-композиторов Московской консерватории прозвучат в финале.

– Да, я знаю об этом. Прекрасно, что конкурс объединяет современных композиторов и исполнителей, что звучит современная гитарная музыка. Это расширяет гитарный репертуар и открывает большие возможности как для исполнителей, так и для композиторов.

– Сейчас Вы будете работать в жюри заочного тура. Насколько велика разница между очным и заочным туром и как она влияет на работу жюри?

– Это очень хороший вопрос. Конечно, современные технологии очень хороши и помогают нам работать с музыкальным материалом даже на большом расстоянии. Мы уже работали в таком формате во время пандемии: мне отправляли видео, я слушал, как гитарист играет, и отправлял жюри свою оценку. Без сомнения, есть большая разница. Я предпочитаю слушать музыку вживую на конкурсе. Но нужно всегда находить решения, иметь «план Б», и мы нашли решение. Пусть это дистанционно, пусть есть много трудностей, но все равно я очень рад, что принимаю участие в этом конкурсе. Желаю всем участникам вдохновения и творческих побед!

Беседовала Светлана Бондаренко,

IV курс НКФ, музыковедение

№8 (232), ноябрь 2024

30 сентября состоялось прослушивание произведений финального тура конкурса на создание музыкального сочинения на тему «E-F-G», посвященного Елене Фабиановне Гнесиной. Пять молодых композиторов, прошедших во второй тур, представили свои сочинения для струнного оркестра. В программе прозвучала «Фантазия на тему E-F-G» Василисы Лапатановой, студентки 4–го курса РАМ им. Гнесиных. Студентка Московской консерватории Софья Бердникова встретилась и побеседовала с финалисткой:

 – Василиса, что происходило в твоей жизни во время написания сочинения?

– Это было в прошлом учебном году, в мае, если я не ошибаюсь. Сочинение было написано специально для конкурса. Там было несколько номинаций: фортепианное сочинение на тему «E-F-G», хоровое сочинение на тему «E-F-G» ипроизведение для струнного оркестра тоже на тему «E-F-G». Я почему-то решила писать сочинение для струнного оркестра. Наверное, потому что меня вдохновил масштаб – это точно исполнят, и исполнят не один-два человека, а целый оркестр. Писать хор, мне показалось, – это не то, чтобы сложный, а более энергозатратный процесс. А писать нужно было быстро, и я написала это сочинение за месяц.

– Что слушала в это время? Обычно, перед тем как брать новый состав, слушают много музыки для него.

 – Я – наоборот. Перед тем как взять новый состав, ничего не слушаю, чтобы ничего ни у кого не украсть.

– Расскажи хотя бы в двух словах: о чем твоя музыка?

–Так как это сочинение на тему «E-F-G», то есть связанное с Еленой Фабиановной Гнесиной, и оно писалось специально для упомянутого конкурса, то, я думаю, оно связано с темой музыки, ее развития в стране. И, возможно, не буквально, но эмоционально, оно попытается показать всю силу музыки как великого искусства. Думаю, смысл произведения примерно такой. Конечно, звучит очень помпезно, но надо стремиться к бо́льшему.

– В твоем сочинении несколько музыкальных тем. Они явились в процессе или были какие-то заготовки?

– Тема «ми-фа-соль» является основной. Все остальное – это порыв вдохновения, скажем так. Вначале была оркестровая идея: как можно начать, чтобы было интересно. А дальше все, как снежный ком покатилось, и вылилось в целую симфоническую картину.

– Что советовал твой педагог Андрей Иванович Головин?

– Местами он направлял мысль в нужное русло. Обычно это происходит так мягко и ненавязчиво, что в итоге получается вообще не то, что он предполагал. Такова жизнь музыки.

– Для некоторых оркестр – это большой массив, для других  – большой ансамбль. А для тебя?

– Для меня это не массив, а отдельные инструменты. Важен каждый исполнитель, несмотря на то что это оркестр все-таки.

– То есть это для тебя большой ансамбль, где каждый имеет свой собственный голос?

– Да. Думаю, эта трактовка мне ближе.

– Может быть, ты хотела бы рассказать что-то, о чем я еще не спросила?

– Думаю, если бы у меня было больше времени, что-то я бы сделала по-другому. То есть, в моем понимании, это – не совершенное сочинение, а скорее конкурсная работа. Я все-таки стремлюсь к бо́льшему. Там есть что исправить, доделать, переделать, так что это не окончательный вариант.

– Может быть, есть в планах сделать переложение?

– Если только на такой же большой ансамбль, например, деревянных духовых с медными духовыми. Но в музыке много чисто скрипичных приемов: и двойных нот, и флажолетов, и pizzicato. Максимум на что можно переложить – струнный квинтет с контрабасом, но это сомнительный состав.

– «Симфоническая фантазия» – так ты назвала свое сочинение. В русском музыковедении сложилась традиция называть «фантазией» что-то относительно свободное по форме?

– Здесь не стоит искать вообще какой-то смысл. Это просто название. Сейчас я назвала бы его просто «E-F-G». Без всяких фантазий.

Беседовала Софья Бердникова,

IV курс НКФ, музыковедение