№6 (230), сентябрь 2024

26 марта в концертном зале Зарядье состоялось исполнение «Страстей по Марку» И.С. Баха в редакции Йорна Бойзена. О существовании двух известных пассионов Баха московская публика знает не понаслышке: в прошлом октябре в Зале Чайковского были исполнены «Страсти по Иоанну», а в апреле этого года на той же сцене прозвучали «Страсти по Матфею». Премьера третьих, еще не исполнявшихся в России, «Страстей по Марку» стала большим событием в музыкальной жизни столицы.

Как полагают музыковеды, эти пассионы являются пародией – переработкой предшествующих сочинений. Партитура была утрачена, но знание о методе заимствования собственной музыки, распространенном в эпоху барокко, позволил вернуть ее к жизни, пусть и фрагментарно. В руках исследователей оказались законченные арии и хоры, но не было главных связующих звеньев – речитативов и хоров-turbae. А ведь именно в них происходит развитие действия, именно они скрепляют и придают смысл всей композиции. Реконструкция недостающих номеров – вот главная проблема, стоявшая перед исполнителями «Страстей по Марку».

Версия клавесиниста и дирижера Йорна Бойзена появилась в 2011 году. Мировая премьера прошла в Нидерландах, и вот спустя 13 лет она была представлена в Москве. Свою главную задачу в деле реконструкции Бойзен определил так: «Проникнуть внутрь эпохи, говорить и мыслить как человек барокко, чтобы стать «барочным композитором». Он намеренно отказался от заимствования речитативов из других пассионов и кантат, говоря: «барочный композитор ни за что не стал бы переносить речитатив из одного сочинения в другое». Все недостающие фрагменты Бойзену пришлось дописывать самостоятельно.

В тот мартовский вечер московская публика с уверенностью могла сказать, что изучение барочных трактатов для клавесиниста не прошло даром. Грамотное использование риторических фигур, оформление различных типов клаузул – свидетельство его глубокой погруженности в вопросы композиции баховского времени. Количество речитативов в версии Бойзена намного превышает число арий и хоров, при этом они не кажутся «заплатками» и не выделяются из общего строя произведения. Дополнительным украшением служило выразительное исполнение этих фрагментов Игорем Подоплеловым (бас) и Михаилом Нором (тенор), покоривших слушателей своей виртуозностью, эмоциональностью и изысканно-барочной культурой пения. Не меньшее впечатление произвела сопрано Диляра Идрисова, блестяще справившаяся с многочисленными распевами и типовыми украшениями. А вот Анастасия Бондарева в сольных ариях альта выглядела не лучшим образом. Певица, известная глубоким тембром и выразительной актерской игрой в тот день звучала несколько тускло и тяжело.

Сопровождал солистов оркестр «Pratum Integrum» (художественный руководитель — Павел Сербин). Его участники – опытные музыканты, специализирующиеся на исполнении старинной музыки. В состав оркестра вошли как традиционные, так и аутентичные инструменты – виола да гамба, гобой д’амур и флейта траверсо. В качестве дирижера в тот день предстал автор реконструкции — Йорн Бойзен, с блеском исполнивший также партию континуо в речитативах. Хоровые эпизоды, в том числе стилистически уместно воссозданные хоры-turbae, мастерски представил публике хор Intrada под управлением Екатерины Антоненко.

Публика приветствовала исполнителей криками «Браво!» Смело можно сказать, что слушатели, восторженно приняли версию «Страстей» Баха-Бойзена. После окончания концерта долгое время не стихали овации, а в кулуарах царило явное оживление. Прикосновение к музыке великого мастера сквозь призму грамотной редактуры и интерпретации глубоко отозвалось в сердцах искушенной московской публики.

Елена Арутюнова,

V курс, НКФ, музыковедение

№4 (228), апрель 2024 года

Главным героем музыкального вечера 17 февраля в зале Мясковского стал пианист Александр Тюменцев – ассистент-стажер Московской консерватории (руководитель – профессор Е.А. Кузнецова), лауреат всероссийских и международных конкурсов.

Все первое отделение звучал рояль. Второе составили ансамблевые выступления, в которых прияли участие учащиеся и выпускники ЦМШ–АИИ Полина Тхай (виолончель), Стефания Поспехина (скрипка) и Светлана Маренкова (флейта). Зал был почти полон. Исполнителей пришли поддержать их знакомые и учителя. До начала оставалось еще несколько минут, а слушатели уже замерли в ожидании. Даже традиционная десятиминутная задержка не охладила их энтузиазм.

Вечер открыли десять прелюдий Рахманинова в исполнении Александра Тюменцева. И вообще музыка Сергея Васильевича была представлена довольно широко. Можно было предположить, что такой выбор программы – отголоски юбилейного года, но, как нам рассказал исполнитель, эти прелюдии были привлечены в репертуар лишь месяц назад.

«Рахманинов – один из моих самых любимых композиторов, – подчеркнул Александр. – Два года назад я сыграл его Третий концерт, год назад весь ор. 39, а в этот раз решил исполнить весь ор. 23. В планах еще есть Вторая соната и Второй концерт, и в будущем, конечно, хотелось бы все его концерты исполнить. Музыка его близка мне, во всяком случае, в голове есть ясная картина того, как хотелось бы ее сыграть». 

По словам пианиста, несколько лет назад он услышал неизвестную ранее запись Рахманинова, где тот играет «Симфонические танцы» дома, и по-новому посмотрел на него, как на исполнителя. Александра поразили его звук, как будто из другого измерения, фразировка, управление временем и фактурой. И это отразилось на его видении этих прелюдий.

Музыкант также поделился подробностями своей подготовки. «Я много записывал себя, слушал и корректировал, искал точное воплощение внутреннего замысла – прежде всего, звукоизвлечения. И формы – чтобы каждая прелюдия и весь цикл выстроились» – рассказал музыкант. 

Слушатели оценили усилия пианиста. «Я в восторге. Вокализ, десять прелюдий оставили особое впечатление» – прокомментировала одна из посетительниц концерта. И, действительно, прелюдии прозвучали очень убедительно. Особенно удачной оказалась медленная музыка, ее вдохновенную лирику подчеркивало мягкое, но полновесное туше пианиста. Первое отделение завершил эффектный Экспромт для фортепиано фа минор, ор. 142 №4 Шуберта. Сам Александр остался более всего доволен исполнением именно этого сочинения, уже давно опробованного на публике.

Во втором отделении были представлены инструментальные ансамбли. Исполнение музыки Э. Грига, И. Брамса, С. Рахманинова и В. Цыбина отличили эмоциональная интерпретация и высокое мастерство.

Публика тепло и восторженно приняла музыкантов, не скупясь на аплодисменты и крики «Браво» почти после каждого номера. «Все понравилось, все замечательно! У А. Тюменцева и его партнеров очень достойный уровень», – поделился впечатлениями один из слушателей. Как признался сам Александр, он не продумывал какой–то особой концепции концерта, ему хотелось донести до слушателей именно саму музыку и идеи, в ней заложенные. И пианисту, безусловно, удалось справиться с этой задачей.

Анна Курова, IV курс НКФ, музыковедение

№9 (224), декабрь 2023 года

Легендарная «Иоланта» прозвучала на сцене «Геликон-оперы». И захотелось поделиться впечатлениями о всеми любимой, давно известной музыке Чайковского в необычном сочетании с гламурной современностью и смелым режиссерским решением. Премьера этой постановки состоялась не так давно – в 2019 году. Два года спустя, в 2021-м, она увидела свет и в Шведской королевской опере в Стокгольме.

Это удивительная одноактная опера. Мы погружаемся в мир, наполненный особым драматизмом и светом любви. «Более чем когда-либо я влюблен в сюжет «Иоланты» и твое либретто сделано вполне отлично. Я напишу такую оперу, что все плакать будут» – напишет Петр Ильич Чайковский брату Модесту.

Композитор планировал соединить оперу «Иоланта» с балетом «Щелкунчик», и так это было на премьере в декабре 1892 года. Хотя после премьеры в Большом театре оперы «Алеко» молодого С.В. Рахманинова, только что окончившего Московскую консерваторию, у Чайковского, находившегося под сильным впечатлением, возникла еще одна идея: давать «Иоланту» в один вечер с «Алеко».

В наше время режиссеры-постановщики по-разному решают этот вопрос. Преобладает вариант постановки, где опера разделяется на две части и дается с антрактом (в Большом театре, в «Геликон-опере»). Интересный вариант предлагает театр Новой оперы, где «Иоланта» предстает в паре с одноактной оперой Александра фон Цемлинского «Карлик». Здесь соединены и переосмыслены две притчи о людях, находящихся в полном неведении, – незрячей девушке Иоланте, не знающей, что она слепа, и Карлике, не знающем о своем уродстве. И если Иоланта исцеляется от слепоты благодаря любви, то судьба Карлика трагична: герой умирает, когда ему открывается правда о его внешности.

Режиссер-постановщик Сергей Новиков решил сосредоточить все наше внимание только на «Иоланте», превратив ее в полноразмерный оперный спектакль с антрактом. Это продуманная интерпретация, не хаос режиссерской фантазии, как часто бывает в новых постановках. В «Иоланте» С. Новикова чувствуется динамика движения, она красочна, ее интересно смотреть, а не только наслаждаться прекрасной музыкой Чайковского. К слову, в профессиональной копилке режиссера Сергея Новикова, который уже в 23 года начал свой творческий путь в Омском государственном музыкальном театре, среди множества постановок большое место занимают именно классические оперы, такие как «Опричник» Чайковского, «Русалка» Даргомыжского, «Золотой петушок» Римского-Корсакова и другие.

Декорации «Иоланты» в стиле уютного итальянского дворика поражают своей пышностью и при этом выглядят очень свежо (художник-постановщик Александр Купалян). Взгляду зрителя есть за что «зацепиться»: здесь и обилие растений, и узорчатая беседка в глубине сцены, которая впоследствии превратится в ложе Иоланты. Отдельно стоит отметить работу костюмеров (художник по костюмам Мария Высотская), которые решили прибегнуть к смешению эпох и создали разные образы: современный кэжуал^[1] (шорты, короткие платья, майки, в которые было одето все окружение главной героини) и довольно нейтральные, все в белых тонах, для самой Иоланты. Вероятно, такой выбор не случаен: белый цвет призван подчеркнуть душевную чистоту и внутренний свет героини, как бы приподнять ее над всем земным.

Всё в этой постановке было невероятно органично. Убедило и исполнение. Солисты в «Геликоне» отличаются высоким профессионализмом, обладают не только потрясающими вокальными данными, но и актерским мастерством. Особенно отмечу партию Иоланты в исполнении молодой певицы Елизаветы Кулагинойи партию Эбн-Хакиа в исполнении Алексея Дедова. В голосах этих певцов сочетались мягкость тембра и природная сила. Они будто были созданы для этих ролей, чувствовалась органичность и отточенность каждой детали. Три мужские партии – Рене (Михаил Гужов), Водемон (Игорь Морозов) и Роберт (Константин Бржинский) – тоже звучали ярко и самобытно. Ансамбль Иоланты и Водемона был наполнен искренними чувствами, в этом большом лирическом эпизоде голоса артистов гармонично дополняли друг друга.

Высоким качеством исполнения в «Геликоне» обладает и оркестр. Симфоническое полнозвучие в нем сочетается с чуткостью и гибкостью аккомпанемента. Руководил оперным спектаклем народный артист России Евгений Бражник.

Возможно, не всем привычно было видеть классику в таком современном преломлении, но, определенно, эта постановка заслуживает внимания. А настоящие мастера своего дела – актеры и оркестранты – составляют главную ценность этого спектакля.

Полина Радугина, IV курс НКФ, музыковедение

---

^[1] Кэ́жуал (англ. casual) – стиль одежды для повседневного использования, главными чертами которого являются удобство и практичность [Википедия].

№9 (224), декабрь 2023 года

Новый 98-й сезон в драматическом театре имени Ермоловой открыл спектакль «Крем» в постановке Алексея Золотовицкого. Но если вы ждали от режиссера воздушного десерта – спешим разочаровать: сегодня вы останетесь без сладкого. Вместо него – черная комедия о ритуальном бизнесе и интригующее превращение драматических актеров в «мюзикальных».

«Крем» на музыку Ольги Шайдуллиной (она же автор идеи спектакля) с текстом Никиты Рязанского – единственный мюзикл за всю историю Театра имени Ермоловой. Написанный по заказу Олега Меньшикова, спектакль стал причиной нескольких впечатляющих трансформаций. Первая касается актеров драмы, которые с весны привыкали к новому амплуа артиста мюзикла. Вторая же тесно связана с творческими ориентирами режиссера А. Золотовицкого. Воспитанный, по его признанию, на Тиме Бёртоне и на не адаптированных, а настоящих сказках братьев Гримм, он в каком-то смысле переносит эстетику пугающих и смешных историй в родной культурный контекст. 

Главную героиню, певицу Наташу Крест (ее фамилия, как потом выяснится, говорящая – в лучших традициях русской литературы), бросил муж – типичный «малиновый пиджак» из 90-х, которому женщина теперь должна большую сумму денег за сорванный ею же собственный сольный концерт в Кремлевском дворце. Наташа,дама с твердым характером и высоченными каблуками, не отчаивается: долг будет выплачен, ведь когда-то на День Святого Валентина муж подарил ей ресторан «Крем», который позволит встать на ноги и заработать, нужно лишь только взяться за него. Но гастрономическое заведение оказывается сомнительным местом с не менее странным для общепита персоналом. Там работают пиар-менеджер Милана, арт-директор и по совместительству органист Рихтер, а также директор Зураб. Часть пустующего зала, в котором нет ничего, кроме огромной печи, арендует оркестр «Бетонное сердце». Все четверо – Милана, Рихтер, Зураб и Наташа – переживают не лучшие времена. Но гениальная бизнес-идея – «уютный, домашний крематорий с индивидуальным подходом» – кажется, позволит каждому из них самореализоваться и, как ни парадоксально, вновь обрести радость жизни. 

Самая волнующая часть авторского эксперимента Ольги Шайдуллиной – это музыкальное воплощение столь абсурдного замысла. И оно не уступило в безумии идей самому содержанию. Многие музыкальные номера – обработки бессмертных шлягеров в разных жанрах, которые вместе с текстом Никиты Рязанского обретают новое звучание. «Крем» собирает в одном месте не только разные типажи личностей, которые вряд ли могли бы встретиться в любой другой ситуации. В мюзикле по прихоти композитора вынужденными соседями оказываются Лолита и Шопен, а знаменитой «Hallelujah» Леонарда Коэна приходится уживаться с блатным шансоном. 

Несмотря на вполне понятное желание получить от подобных химических опытов взрывной эффект, все же результат оставил впечатление некоторой примитивности задумки. Особенно когда музыка буквально иллюстрирует сценическую ситуацию. Что же касается оригинальных песен мюзикла, высмеивающих расхожие жанровые штампы (вроде финального апофеоза с общей песней и танцем, который получился действительно зажигательным), то они кажутся как раз наиболее убедительным решением в контексте этой хулиганской черной сатиры.

Не менее яркой выглядела и игра актеров. Наташа Горбас, исполняющая роль певицы Наташи Крест, явно чувствовала себя в условиях жанра мюзикла весьма органично. Александр Кудин (Рихтер) передал авантюризм и фонтанирующую артистическую энергетику своего персонажа, Шариф Абдул (директор Зураб) – простоту и приземленность простого парня, мечтающего об устройстве семьи, а в героине Стаси Милославской (Милана) могут узнать себя многие молодые девушки, пробивающие себе путь в светлое будущее сквозь конкурентный мир блоггинга. Так удалось ли им преображение в артистов мюзикла? Скорее, нет, но мы бы не спешили ругать их за это. Спектакль оставляет послевкусие жесткой насмешки над жанром мюзикла как таковым, и вряд ли драматический режиссер жил идеей установить свои порядки на чужой территории. Что, собственно, и объясняет тот факт, почему эпицентром событий стала сцена Театра имени Ермоловой.

Спектакль пестрит сатирой на современность. Герои, пытаясь продвинуть частный крематорий и выжить в мире бизнеса, хватаются за любую возможность самопиара. В ход идут броские рекламные баннеры, которые вряд ли оставят клиента (простите за каламбур) равнодушным: «Повысь градус своей смерти», «Нет дыма без тебя», «Женщинам бальзаковского возраста – бальзамирование в подарок», «Приходите к нам вдвоем, сделаем скидку». 

Очевидно, что тема спектакля позволила автору текста проявить свой комедийный талант и дала широкий простор для всевозможных черных острот. Несколько неоднозначный эффект производит обилие в тексте деталей из сферы блоггинга и продвижения личного бренда. И хотя цель введения в повествование тонны соответствующих терминов ясна – Милана стремится продвинуть крематорий в диджитал-пространстве – все же эта особенность нашей повседневной реальности, которая все чаще выносится на театральную сцену, скорее влияет на зрителя как раздражающий тренд.

Декорации к спектаклю художницы Софии Егоровой вполне соответствуют абсурдному представлению, как и сам ресторан «Крем», все кажется не таким, каким есть на самом деле. Вместо занавеса – огромная афиша концерта певицы Наташи Крест, которая словно бы попала в Театр Ермоловой по ошибке. Огромная печь крематория поначалу и вовсе кажется огромным органом, за которым восседает Рихтер и с нетерпением ожидает своего блестящего музыкального будущего. 

Фарс идет рука об руку с моралью о ценности жизни и умении воспринимать все трудности судьбы через смех. Работая в сфере ритуальных услуг, каждый из персонажей задается вопросом: «Кто я? Где мое место? В чем моя сила?». Эти вопросы кажутся актуальными не только в отношении личных судеб героев, но и в контексте масштабного эксперимента, затеянного большой командой энтузиастов. Так есть ли место мюзиклу в стенах драматического театра? Вероятно, да, но при условии, что зритель будет готов не воспринимать увиденное всерьез.

Анастасия Немцова, IV курс НКФ, музыковедение

Фото: Женя Сирина

№8 (223), ноябрь 2023 года

«Был в балете…

 Девки все, как на подбор, в белых тапочках»

 Владимир Высоцкий

Мне удалось посетить спектакль, являющийся визитной карточкой московского балета: 5 апреля наИсторической сцене Большого театра шел «Дон Кихот» с музыкой Людвига Минкуса. Единственный классический балет, рожденный в Москве, а не в Париже или Петербурге, пережил множество трансформаций и был представлен зрителю в новой хореографической редакции еще в 2016 году. С того момента он превратился в один из любимейших спектаклей московской публики. Посещение балетной постановки навело на мысль поговорить с теми, кто также пришел в Большой этим вечером, и попробовать разобраться – как воспринимает элитарное искусство человек, который не имеет к нему прямого отношения…

Зрительный зал Исторической сцены в тот вечер был полон. Публику можно действительно назвать разношерстной: это и благородно наряженные дамы в возрасте, старательно переодевающие парадно-выходные туфли в гардеробе; семьи с подростками и даже детьми, которые громко и много аплодируют; нарядно одетая элита, поспешно вылезающая из черных «Бэнтли» и «Роллс Ройсов» почти что перед входом в Большой. Даже в ложе для членов правительства иногда появлялась высокая фигура в черном костюме, скрывающая свое лицо и резко покидающая зрительный зал в самый разгар действия. Довольно много было и молодежи, которая парами или по одиночке пришла в театр. Именно двое молодых людей из партера стали предметом моего внимания.

Анастасия, 24 года, врач-ординатор, увлекается живописью и архитектурой:

– Посещаешь ли ты балетные спектакли? Что тебя в них привлекает?

– Я люблю ходить на балет, хотя и делаю это не так часто. Больше всего мне нравятся хорошие декорации, которые можно детально рассматривать и оценивать, а также сама атмосфера спектакля – погружение в нее дает еще больше впечатлений, что несомненно влияет на эмоциональное восприятие картины в целом. Также люблю слушать музыку – она может быть совсем разной, то зажигательно веселой, то меланхоличной. Вообще я всегда восхищалась оркестром и управляющим им дирижером, эта профессия кажется мне очень сложной и важной.

– Какие у тебя впечатления от этой постановки «Дон Кихота» в Большом театре?

– Мне очень нравится, что она выполнена в традиционном прочтении, можно сказать, аутентичном. Даже вывели на сцену настоящих лошадь и ослика, было классно! На мой взгляд, тенденция к переделке спектаклей на современный лад вредит обычному зрителю. 

– В чем же, по твоему мнению, вред?

– Для незнакомых с искусством людей, идущих в театр первый раз, это может очень испортить впечатление и от балета или оперы в целом, и от конкретного произведения. Молодое поколение часто не вникает в суть сюжета или идеи, поэтому у них может произойти в голове диссонанс – они не знакомы с оригинальной постановкой и их впечатление может сильно испортиться. Хотя, конечно, часто хочется глотка свежего воздуха в театре.

Андрей, 23 года, предприниматель, который, по его словам, «предпочитает более материальные вещи, чем искусство»:

– Сегодня ты посетил балетный спектакль. Что тебе понравилось больше всего?

– Больше всего мне понравились костюмы, яркие маскарады и то, как выглядела сцена. Познавательно было наблюдать за публикой: кто пришел, с кем, во что они одеты и как себя ведут, что покупают в буфете и о чем говорят (особенно интересно было узнать, кто сидел в VIP ложе – мне показалось, мужчина внешне был очень похож на Собянина). Люди мне кажутся неотъемлемой частью любого культурного мероприятия.

– А что ты думаешь о балете как виде искусства в целом?

– Как обывателю балет мне видится не настолько интересным, как, например, драматическая постановка или даже опера, так как в нем нет речи, слов, облегчающих восприятие. Остается фокус только на музыке, танцах и движениях актеров, а в оценке этого я не могу быть компетентным.

– Насколько легко, в связи с этим, было удерживать внимание и не заскучать в течение двухчасового спектакля?

– Мое внимание держалось не самым активным образом, но мне было комфортно – приятная обстановка дала мне возможность концентрированно подумать о бизнесе и систематизировать в голове свои дела.

– Как ты думаешь, почему люди ходят на балет?

– Для массовой аудитории балет предлагает способ развлечься, необычно провести вечер, сделать красивые фотографии. Но только профессионалы могут оценить его по достоинству и проникнуть в его суть. Все-таки глубокое понимание обычно недоступно для масс.

– Ходил ты еще на какие-то балетные спектакли? Какой оставил самое яркое впечатление?

– Да, прошлым летом я был на «Лебедином озере», которое показывали на сцене Александринского театра Санкт-Петербурга. Это было своего рода знакомство с данным видом искусства вообще. Второй опыт понравился мне больше из-за возможности посетить потрясающее здание Большого театра, знаменитую Историческую сцену, что оказалось очень важным для меня.

– Пошел бы ты на балет снова?

– Один бы вряд ли. Но у меня есть возможность посещать такие мероприятия с человеком, приближающим меня к прекрасному.

Показательно, что в обоих случаях молодым людям понравились сценическое оформление и костюмы – команда Большого театра в составе художника-постановщика Валерия Левенталя, художника по костюмам Елены Зайцевой и художника по свету Дамира Исмагилова действительно сумела сделать спектакль ярким, праздничным и запоминающимся. Хочется верить, что балет все также будет привлекать внимание не только взрослого поколения и тех, для кого искусство имеет профессиональный интерес, но и молодежь, стремящуюся прикоснуться к великому и высокому.

Что касается спектакля, то «Дон Кихот» был исполнен блестяще. За дирижерским пультом стоял Павел Клиничев. Автор новой хореографической редакции Алексей Фадеечев соединил великих (Мариуса Петипа и Александра Горского) с новыми прочтениями: так, в балете использована хореография Ростислава Захарова (Танец с гитарами и Джига), Касьяна Голейзовского (Цыганский танец) и Анатолия Симачева (Фанданго). Любопытно было посмотреть на юных и талантливых исполнителей – легкая и техничная ведущая солистка Елизавета Кокорева в роли Китри, которая несколькими днями позже после дебюта в «Дочери фараона» получила статус примы Большого театра, и темпераментный солист Алексей Путинцев (Базиль). Они, не превращая технически сложные элементы в акробатические номера, станцевали свои партии ярко и очень артистично.

Мария Чилимова, V курс НКФ, музыковедение

№7 (222), октябрь 2023 года

В первую неделю июля состоялся летний студенческий спортивно-творческий лагерь Московской консерватории в Светлогорске Калининградской области. А 5 июля студенты и педагоги МГК завершили сезон региональной музыкально-образовательной программы «Молодые звезды Московской консерватории» успешным выступлением в Концертном зале Калининградской областной филармонии имени Е.Ф. Светланова.

Представьте себе неделю, наполненную творчеством, новыми впечатлениями, чистым морским воздухом и дружественной атмосферой! Именно в такой обстановке оказались студенты Московской консерватории, которые отправились в захватывающее музыкальное приключение в самый западный регион России – Калининградскую область. Наша творческая группа остановилась в Светлогорске, городе на побережье Балтийского моря. Кроме студентов, в поездке участвовали и опытные педагоги. Они делились своими знаниями, вдохновляя молодое поколение музыкантов. Эта поездка стала не только уроком музыки, но и уникальным опытом взаимодействия между поколениями.

На протяжении многих лет Консерватория устраивает летний спортивно-оздоровительный лагерь именно в Светлогорске. Этот лагерь оставил незабываемые воспоминания в сердцах многих студентов и преподавателей нескольких поколений (см. об этом в статьях Я. Кабалевской в «Российском музыканте» 2004, № 5 и 2021, №6). Поездку наполнили не только концерты, но и занятия спортом и экскурсии по прекрасным местам и музеям на фоне непередаваемой красоты Балтийского побережья.

5 июля состоялся замечательный концерт «Молодые звезды Московской консерватории» в концертном зале Калининградской областной филармонии имени Е.Ф. Светланова. Концертный вечер обещал стать чем-то особенным, и он оправдал все ожидания. Перед началом программы Луиза Плетнёва провела лекцию и окунула публику в предстоящее приключение.

Музыкальное путешествие началось с «Ундины» из фортепианного цикла «Ночной Гаспар» Мориса Равеля. Даниил Чжан передал нам то волшебство и тайны подводного мира, которые были задуманы самим композитором. Затем Анастасия Соколова продолжила этот музыкальный калейдоскоп прелюдиями Клода Дебюсси, мастерски передавая различные образы и эмоции сменяющихся картин. Ярким контрастом послужило выступление дуэта Олеси Суворкиной (скрипка) и Екатерины Федосеевой (фортепиано). Студенты исполнили произведения Фрица Крейслера, вдохновив публику яркой игрой.

«Фортепиано в шесть рук» – послышались голоса из зала. Конечно! На сцене Екатерина Федосеева, Анастасия Соколова и Мария Ткач исполнили душевное трио любимого композитора Сергея Васильевича Рахманинова, юбилей которого мы празднуем в этом году. «Вальс» и «Романс», написанные композитором в юношеском возрасте, в годы обучения в Московской консерватории, были сыграны настолько с любовью, что на лицах людей виднелись слезы. «Романс» стал лирическим центром концерта, проникнутым эмоциональной глубиной и меланхолией. 

Дарья Криницына (скрипка) и Тамара Еприкян (фортепиано) исполнили произведение «Песни матери» Фрица Крейслера, написанное на основе песен Антонина Дворжака. Так нежно, тонко и выразительно играют редко. Голос скрипки хотелось слушать снова и снова. «Трагическая соната» Николая Метнера, исполненная Екатериной Федосеевой, была наполнена философскими размышлениями.

В завершении нашего концерта выступила яркая певица Екатерина Скусниченко (сопрано) с Александрой Котляревской (фортепиано). Был исполнен вокальный цикл «Акварели» Михаила Таривердиева на стихи японских поэтов. Каждая миниатюра была прочувствована до тончайших деталей. Также Екатерина исполнила романсы П.И. Чайковского. Невероятная лиричность, мелодичность стихов, выразительность – все было прочувствовано и передано в зал. «Браво!» – кричали слушатели без остановки. Этот финальный аккорд послужил восхитительным завершением вечера.

На следующий день наши молодые звезды провели благотворительный концерт в самом крупном детском доме области – Центре содействия семейному устройству детей «Наш дом» в Зеленоградске, подарив им теплоту, радость и любовь. К слову, консерваторские концерты, мастер-классы и благотворительные мероприятия в детских домах прошли в этом году также в Рязанской, Псковской и Смоленской областях. После концерта нас пригласили в одну из семей на чаепитие, потом вручили памятные подарки и устроили экскурсию по корпусам: мы видели жилые комнаты, столярную мастерскую, библиотеку, компьютерный центр, актовый зал. Сердце радовалось и разрывалось одновременно, ведь здесь есть детки, живущие тут с самого рождения. Но все дети – с горящими глазами, цельные и активно заняты в развивающих кружках.

Экскурсионная программа поездки была обширной, познавательной и очень интересной. Первая наша остановка была в Форте №5 под названием «Король Фридрих Вильгельм». Этот исторический объект является одним из символов Калининграда и имеет важное значение в истории города. Форт был построен во времена Пруссии и был частью оборонительной системы города. Сегодня это место стало уникальным музеем под открытым небом. 

Затем мы посетили остров Канта. На острове Иммануила Канта когда-то был университетский город, напоминающий Прагу своей застройкой. Однако в результате разрушений во времена войны, он превратился в каменоломню. Сегодня этот остров поражает своей красотой и ухоженностью. Также здесь находится восстановленный Кёнигсбергский собор, который является единственным сохранившимся старым зданием на острове. Остров Канта удивляет своей живописностью как днем, так и ночью, благодаря аллеям, собору и набережным.

Завершилась экскурсия походом в музей янтаря. Янтарь, известный как «золото Балтики», имеет богатую историю и особое значение для региона. Музей янтаря стал одним из наиболее популярных мест в городе. Студенты и педагоги Московской консерватории имели уникальную возможность узнать об истории добычи, обработки и использования этого драгоценного камня.

Калининград и Светлогорск оставили незабываемые впечатления в сердцах всех участников. От всей души благодарим ректора Консерватории, проф. А.С. Соколова, «Росконцерт», Министерство культуры Калининградской области, организаторов программы – проректора В.А. Каткова, доц. Я.А. Кабалевскую, А.С. Клевич и Студенческий профком Консерватории. Надеемся, что каждое лето будет возможность продолжать эту прекрасную традицию!

Луиза Плетнёва, V курс НКФ, музыковедение

Фото: Александр Мелехов

№7 (222), октябрь 2023 года

Юлия Бедерова – музыкальный критик, музыковед, обозреватель разных изданий, и печатных, и digital. Это описание можно продолжать, потому что Юлия имеет колоссальный опыт работы в самых разных музыкальных сферах. В предлагаемой вниманию книге собраны тексты автора последних тридцати лет.

Открывает книгу глава «Против журналистики: бумажная графика. 1993–1996». В ней выборочно собраны статьи с 1993 по 1996 год из газеты «Сегодня», в которой Юлия начинала профессиональный путь, еще будучи студенткой Гнесинской академии. Названия работ неизменно яркие, интригующие («Лунная» как готовый объект», «Чайник без головы», «Танцующий Пифагор, светлый и неистовый» и пр.), но главное – с самых первых текстов уже отчетливо слышна индивидуальность языка, ставшая одним из главных достоинств Юлии Бедеровой. Например, в статье «Дальнейшее – молчание» о «Декабрьских вечерах» 1994 года, где ансамбль Hortus musicusисполнил сочинения анонимных авторов XIV века и музыку Арво Пярта, Юлия поэтично описывает необычный акустический эффект от игры старинных инструментов. Кажется, сам язык становится здесь самодостаточным произведением искусства. Спустя годы заголовок статьи выглядит печальным пророчеством: в 2022 году фестиваль не состоялся, и остается гадать, вернется ли к жизни этот легендарный проект.

Глава «Индустрия: стихийная архитектура» также охватывает непродолжительный период – с 1996 по 2000 год. Тематика статей периода передает стиль эпохи конца века. В это время музыкальная индустрия России не скупилась на концерты иностранных звезд: Стинга, Дэвида Боуи, Майкла Наймана и его бэнда. Выступления Гребенщикова, Макаревича, празднование 60-летнего юбилея Высоцкого также были запечатлены Юлией на газетных страницах. Издание «Сегодня» сменилось на «Коммерсантъ», «Известия», Polit.ru, подавляющее большинство представленных здесь статей – из «Русского Телеграфа».

Почти десятилетний период с 2001 по 2010 год назван автором «Маленькая стабильность: живописные подробности» (все статьи – из газеты «Время новостей»). Это годы, совместившие в себе множество возможностей и, одновременно, малую уверенность в ближайшем будущем. На страницах статей имена Антона Батагова, Хенрика Гурецкого, Леонида Десятникова, Эдисона Денисова, Гии Канчели, Владимира Мартынова, Майкла Наймана, Алексея Сюмака, Владимира Ашкенази, Мстислава Ростроповича, Мариса Янсонса, Даниэля Баренбойма, Гидона Кремера, Альфреда Бренделя, Вадима Репина, Бориса Березовского, Марка-Андре Амлена, Михаила Плетнёва, Василия Петренко, Евгения Кисина, Курта Мазура, Роджера Норрингтона, Теодора Курентзиса, Чечилии Бартоли, Лоры Клейкомб. Крупным событием стало выступление в БЗК Джеймса Ливайна с молодежным фестивальным оркестром (в программе: музыка Бартока к балету «Чудесный мандарин», Пятая симфония Прокофьева и Восьмая Дворжака). Исключительно точно Юлия характеризует нюансы исполнения: «оркестр звучал все время одинаково – ярко и густенько», поэтому «частности – вроде не слишком выразительных соло в Бартоке, лишенной иронического изящества темы прокофьевского скерцо, никак не понятого автоматизма третьей части и кислого темпа финала Пятой симфонии – не так уж принципиальны».

«Не против журналистики: ветер крепчает. 2011­–2013» – не самый продолжительный раздел книги, однако здесь описаны главные события тех лет: распри между Марком Горенштейном, на тот момент занимавшим должность художественного руководителя и главного дирижера ГАСО, и Минкультом; разногласия на конкурсе Чайковского, вызванные отказом жюри допускать к финалу фаворита слушателей Александра Лубянцева; гастроли чикагского и израильского оркестров в Москве; наконец, окончание реконструкции Большого театра. Конечно, автор отзывается и на крупные премьеры (например, «Тристан и Изольда» в «Новой опере»).

Восемь лет в период с 2014 по 2022 годы были непростыми для страны; вероятно, по этой причине глава «Поток и паузы: военная музыка» имеет такое заглавие. Самая крупная по объему часть книги содержит в основном статьи из газеты «Коммерсантъ». Все более «говорящими» становятся заголовки, все более отчетливыми – авторские акценты, а масштаб видения критика – все более укрупненным. Знаковым событием в те годы стал концерт Даниэля Баренбойма. Исполненные им три последние сонаты Бетховена отличались, по замечанию Бедеровой, «запредельным звуком и соотнесенностью микроскопических деталей и конечной формы с бесконечным временем». Оглушительные овации так и подталкивали маэстро на продолжение музыкального вечера – но, как выразился по-русски пианист: «после последней сонаты невозможно играть на бис».

Последняя и самая важная глава – «Негазетная музыка», охватывает весь профессиональный путь автора. Из года в год меняется способ выражения Бедеровой, ее язык обогащается, но удовольствие от него остается неизменным. Ответ читателя, смакующего прочитанную фразу и размышляющего, критическая статья это или уже настоящий художественный шедевр, может оказаться не столь однозначным. Неизменно привлекает внимание и бесстрашие личной позиции автора.

Драматургия книги, на первый взгляд, следует хронологическому принципу – но, с другой стороны, названия ее глав в художественной форме обобщают основные вехи российской истории последних тридцати лет. И этот срез дает возможность не только проследить, чем жила музыкальная индустрия нашей страны, но и как развивалась ее критическая мысль, какие формы она приобретала и как реагировала на вызовы времени. Хотя теперь интернет-пространство как никогда размывает жанровые и стилевые нормы литературного высказывания, художественная критика была, есть и будет вне зависимости от типов медиа.

Алевтина Коновалова, IV курс НКФ, муз. журналистика

№6 (221), сентябрь 2023 года

В галерее ГРАУНД Солянка в продолжение фестиваля «Свет Фест» прошел концерт «Внутренний свет» с музыкой современных композиторов. Концерт был реализован средствами инструментального театра «НИТЬ» авторского проекта композитора Александры Кобриной. 

 Александра отчасти продолжает линию, найденную Маурисио Кагелем. Однако в отличие от немецкого автора, она подчиняет все происходящее на сцене драматическим законам. «НИТЬ» воплощает концепцию «безмолвной оперы», где текстовый нарратив полностью замещается музыкой. Может ли музыкант-инструменталист стать актером, доступны ли ему те же возможности, что и актеру в драматическом театре – эти и другие вопросы составляют основной вектор творческих поисков коллектива.

Большая часть работ, представленных на «Свет Фесте», рассматривает свет как физический процесс на примере фотографий, инсталляций и видеоматериалов. Для Александры свет интересен как явление метафорическое и поэтическое. Программа концерта «Внутренний свет» объединила весьма разнородную по генезису музыку, однако связанную общей художественной идеей. 

Открыла вечер пьеса Sunrise, редко звучащий в России поздний опус Артура Лурье в исполнении потрясающей флейтистки Марии Корякиной. Импрессионистичное соло флейты хорошо дополнило спектральное трио Ins Licht Георга Фридриха Хааса (Феодосия Миронова, Александра Кобрина, Андрей Забавников). Так первая половина концерта образовала своеобразный микроцикл, живописующий движение от появления света до погружения и пребывания в нем.

Сердцевиной вечера стал «Счастливый Принц» Оскара Уайльда на музыку Александры Кобриной и в ее постановке. Сочинение было избавлено от текстового нарратива, однако отчасти присутствовавшего в виде субтитров. Сказка есть воплощение высокой простоты: это история о подлинной любви и безвозмездном самопожертвовании во благо страждущих. Главные герои – навеки прикованная к месту статуя Счастливого Принца и одинокая в своей свободе Ласточка – изображены с помощью тембров кларнета (Игнат Красиков) и флейты (Мария Урыбина). Немного тесное пространство ГРАУНД Солянки и соответствующая ему лапидарность постановки создали совершенно особую, камерно-чуткую атмосферу, в которой только и дозволено звучать этой сказке. 

Каждый исполнитель проявлял искреннее участие по отношению к своему герою и всему происходящему, что чувствовалось как на уровне целого, так и в деталях. Фабула решена музыкальными средствами. Так, партия Ласточки пронизана импрессионистическими мотивами в духе Дебюсси, что одновременно вносит восточный колорит (ведь Ласточка изначально держала путь в Египет) и отсылает ко времени Оскара Уайльда, с которым композитор посещал одни и те же кружки Парижа. В свою очередь, в партии Принца присутствует своеобразный лейтмотив «страдания», неоднократно звучащий по мере развития сюжета и представляющий собой один из самых ярких фрагментов постановки. Другие герои также смотрелись весьма эффектно: от беззаботно общающихся горожан (Мария Корякина, Алексей Крохин) до изнемогающей от тяжелой работы швеи (Александра Кобрина) и ее больного ребенка (Мария Корякина). 

Особое музыкальное решение было найдено и для финальной сцены. Здесь, окруженные полной темнотой, на пьедестале остаются сердце Принца (мундштук кларнета) и труп Ласточки (флейта). Именно эти сакральные предметы представляют наивысшую ценность у Уайльда, и именно они «источают свет» в постановке Александры – будто из них, подобно высеченной в камне эпитафии, звучит строго-возвышенный дуэт в стиле средневекового органума. Если с технической точки зрения в постановке удалось и не все (что не есть зазорно, а скорее нормально для молодого коллектива!), то общее впечатление и долгое приятное послевкусие не оставили публику равнодушной.

Ярким контрастом интимному нерву сказки стала Luci II, поздняя пьеса Франко Донатони, своим движением напоминающая конструктивисткие perpetuum mobile начала XX века (исполнители: Вероника Карчемкина и Алексей Крохин). А замыкала программу сценическая премьера «Фимбулвинтер» Александры Кобриной (Мария Корякина, Игнат Красиков, Ксения Мельник, Алексей Крохин). Пьеса стала своеобразным «конспектом» музыки всего вечера – ледяной мрак постепенно сменяет здесь животворящий свет.

«НИТЬ» видится весьма интересным и перспективным проектом. Это единственный в Москве коллектив, специализирующийся на инструментальном театре.

Феликс Канатбаев, II курс НКФ, музыковедение

Фото: Полина Капица

№6 (221), сентябрь 2023 года

14 апреля в Камерном зале Филармонии прошел концерт «Рахманинов. 150 лет со дня рождения». Музыку С.В. Рахманинова исполняли солисты оркестра Государственной академической симфонической капеллы России. Это был очень необычный концерт, как для слушателей, так и для самих артистов, которые выступали в камерном зале впервые.

Виолончельная соната также, на мой взгляд, была сыграна прекрасно. Ее в концерте исполняли Евгений Аврушкин и Татьяна Полянская (фортепиано). Надо отметить, что для солиста оркестра выходить на сцену с сольным номером весьма волнительный процесс. Но несмотря на это Евгений держался очень уверенно и был на высоте. 

Первое отделение вызвало у слушателей разные эмоции. После Квартета зал несколько заскучал. Безусловно, ценители камерно-инструментальной музыки были приятно удивлены, а вот у другой части публики в какой-то момент стало ощущаться отсутствие интереса к происходящему. И произошло это не по причине плохого исполнения, а потому что слушатель вообще стал меньше любить спокойную философскую музыку.

Гораздо более эффектно прошло второе отделение, в котором звучали известные сочинения Рахманинова. Сам состав, заявленный в программе, оказался интригующим. Открыв брошюрку, мы увидели очень интересное инструментальное решение в аранжировках: большинство вещей было написано для сольного деревянного духового инструмента с камерным ансамблем (струнный квартет и фортепиано). Ожидание необычного звучания известных сочинений захватывало дух.

Аранжировщик Виктор Мурашев очень внимательно подошел к стилю композитора, подчеркнув особенности каждого сочинения. Порадовало переложение романса «Уж ты, нива моя, нивушка». Здесь он учел не только рахманиновский замысел в подражании народной лирике, но и особенности протяжных народных песен. Например, струнные у него пели в унисон.  Надо отдать должное и мастерству артистов. Каждый из них исполнял не просто мелодию, но подразумевал под ней слова. Текст романсов хорошо угадывался, что доставляло еще больше удовольствия от прослушивания.

А эффект интриги, на мой взгляд: удался. Сюрприз Государственной симфонической капеллы состоялся. 

Дарья Шагеева, V курс НКФ, музыковедение

№6 (221), сентябрь 2023 года

26 апреля в музее С.С. Прокофьева Российского национального музея музыки состоялась презентация новой книги известного музыковеда Марины Раку «Время Сергея Прокофьева. Музыка. Люди. Замыслы». Мероприятие приурочили к 132-й годовщине со дня рождения С. С. Прокофьева. Книга о взаимоотношениях композитора с драматическим театром вышла еще летом в издательстве СЛОВО/SLOVO и стала участницей Международной ярмарки интеллектуальной литературы Non/fiction – 2023.

Свои впечатления о книге высказал доктор искусствоведения Л.О. Акопян, сделав акцент на масштабном замысле и его осуществлении. Его поддержал кандидат искусствоведения, доцент А.В. Наумов, который охарактеризовал книгу как целостную биографию Прокофьева за определенный период – время активной работы композитора в области драматического театра. Творческому союзу Прокофьев – Мейерхольд посвятил свое рецензионное выступление искусствовед В.А. Щербаков.

Сама Марина Григорьевна тоже немало рассказывала о своей книге. Основной ее посыл – неразрывная связь Сергея Прокофьева с советским театром 1930-х годов. Более всего привлекла бесконечная влюбленность, с которой исследователь говорила о своем герое. Марина Григорьевна также объяснила, почему книга вышла такой объемной. Ведь из всех планов и задумок композитора сцену увидели всего два проекта: «Египетские ночи» в постановке Таирова и «Гамлет» Шекспира в режиссуре Радлова. Музыку Прокофьев написал к еще нескольким спектаклям, среди которых пушкинские «Евгений Онегин» и «Борис Годунов», но обстоятельства помешали их осуществлению.

Повествование постоянно сопровождалось музыкой. Марина Раку – работник театра, поэтому на презентацию собственной книги пригласила музыкантов и артистов «Мастерской Петра Фоменко». С большим интересом публика прослушала первую и четвертую песни Офелии в исполнении актрисы «Мастерской Петра Фоменко» Серафимы Огарёвой и сцену Онегина, только получившего письмо Татьяны в интерпретации ее коллеги Вениамина Краснянского. Музыкальное сопровождение осуществляло трио в составе Евы Бреннер(флейта), Евгения Рогозинского (альт) и самой Марины Раку (фортепиано). Главной идеей музыкальных иллюстраций стал необычный диалог: вокальные партии озвучивались голосами драматических актеров в противовес академическому музыкальному исполнению. 

В завершение презентации зрителям предоставилась возможность услышать, хотя и в записи, полный симфонический оркестр, на фоне которого актеры разыграли сцену Клеопатры из «Египетских ночей».

Софья Игнатенко, V курс НКФ, музыковедение