№2 (226), февраль 2024 года

Грандиозный просветительский проект «Все кантаты Баха» начал седьмой цикл погружения в музыкальный мир великого композитора. Сезон 2023/2024 обещает быть памятным: ровно 300 лет назад Иоганн Себастьян получил место кантора церкви Святого Фомы в Лейпциге, навсегда закрепив значение музыкального искусства в этом городе и в конечном счете изменив судьбу истории музыки. Я побывала на втором концерте цикла (концерты проходят каждый месяц) и постаралась ответить на вопрос – насколько ясными и актуальными для современных слушателей остаются исконные смыслы христианской религии, воспетые в кантатах Баха три столетия назад.

Ансамбль Collegium Musicum начал свой беспрецедентный по масштабу духовно-просветительский проект осенью 2017 года. Грандиозный замысел – исполнить все кантаты Баха (их около 200) на исторических инструментах в пространстве Кафедрального собора Святых Петра и Павла – не смог бы стать реальностью без талантливых идейных вдохновителей: руководителя и дирижера ансамбля Олега Романенко и одного из крупнейших в России специалистов по старинной духовной музыке, доцента Московской консерватории Романа Насонова.

Формат цикла уникален. И не только потому, что исполнение всех кантат великого кантора одним ансамблем даже для западной исполнительской практики – весьма редкое явление. Более всего поражает доступность концертов широкому кругу слушателей, от искушенных знатоков барочной музыкальной традиции до тех, кто имеет о Бахе самые скромные познания.

Музыка Иоганна Себастьяна Баха, в частности его кантаты, – не то искусство, смысл и значение которого лежат на поверхности. Чтобы приблизиться к его пониманию, человеку XXI века, не лютеранину, нужен опытный проводник. Все трудности перевода взял на себя бессменный ведущий серии концертов: вот уже седьмой сезон Роман Насонов щедро делится своим опытом истолкования баховских шедевров.

Публика на концерте 2 октября была необычайно разнообразная, всех возрастов, как из духовного, так и из светского мира. Под сводами храма царила атмосфера по-настоящему домашняя: как будто все здесь присутствуют уже далеко не первый раз, а тот, кто все-таки впервые решил приобщиться, вовсе не чувствует себя чужаком. Праздник музыки Баха объявили открытым и на сцену пригласили пастора общины евангелическо-лютеранской церкви России Владислава Телегина. Но то было не просто приветствие, прозвучала настоящая проповедь. Что это, если не полное погружение в лютеранскую традицию?!

Программу концерта составили три кантаты Баха (BWV 138, 48, 109), а также три органные обработки, исполненные выпускницей Московской консерватории Ириной Красной. Органистка выступала в этом проекте впервые и прекрасно справилась с ответственной задачей. Возвращаясь к главным виновницам торжества – трем кантатам, важно подчеркнуть, что они не задумывались Бахом как единый цикл, хотя и были написаны в одно время, осенью 1723 года. Тем не менее объединение их в рамках одного вечера тоже не случайно. По мнению ведущего, кантаты обладают общим идейным замыслом. 

Роман Насонов рассказывал: «Эта трилогия – о пути, который приходится пройти на этом свете любому человеку и о том, почему этот путь настолько труден. Три главные темы, раскрывающиеся в избранных кантатах – это заботы и житейские попечения, болезни и скорби, наши грехи и маловерие… Но это размышление – вовсе не только о человеческой слабости. Оно и о том, что человек не одинок, ведь даже в трудную минуту Господь никогда не покидает своих детей. Актуальна ли эта истина сегодня? Несомненно, поскольку спустя 300 лет человек особенно не изменился и по-прежнему порой чувствует себя одиноким. Где искать опору и как победить давящее чувство одиночества? Обо всем этом нам рассказывает музыка Баха».

Все эти важные истины, возможно, не открылись бы слушателю во всей своей полноте без проникновенного звучания плачущего и молящего тенора, традиционно символизирующего голос христианина, одного из представителей общины (Михаил Нор), без проникновенного и доверительного тембра альта (Анастасия Бондарева), светящегося, прозрачного сопрано (Гиляна Дорджиева) и, конечно, поражающего гибкостью и одновременно объемом звучания баса (Владимир Красов).

Сбалансированным был и оркестр: он мягко поддерживал солирующие тембры, вступавшие в диалог с партиями солистов. Каждый участник ансамбля – самостоятельный голос из общины, порой партия отдельного инструмента становилась слышнее остальных. Но он, как и человек, о котором повествуется в кантатах Баха, никогда не остается один. 

Отдельное впечатление произвела грандиозная световая проекция на стенах собора. Она выполняла и декоративную функцию (дополняла кантаты репродукциями витражей с библейскими сюжетами), и практическую (сопровождала переводом пение на немецком языке).

Совершенно не имеет значения, умудрен ли слушатель опытом общения с барочной музыкой, или же пришел в собор в Старосадском переулке впервые открывать для себя этот музыкальный мир. Можно с уверенностью сказать, что любой концерт столь масштабного проекта обязательно произведет неизгладимое впечатление и останется в памяти надолго.

Анастасия Немцова, IV курс НКФ, музыковедение

№1 (225), январь 2024 года

23 декабря в Музее имени Н.Г. Рубинштейна Московской консерватории состоялся необычный концерт: силами студентов и аспирантов Московской консерватории и студентов Московского государственного университета были исполнены средневековые гимны с латинским текстом. Наш корреспондент побеседовала с одним из организаторов события, художественным руководителем проекта «Musicae latinae societa» Анастасией Хлюпиной. 

– Анастасия, как возникла идея проекта и, в частности, концерта? 

– Предыстория очень долгая. Еще в августе к нам обратились студенты-латинисты из МГУ. У них есть латинский клуб, очень старинный, в котором занимаются студенты историки, филологи, искусствоведы. Они изучают разные традиции латинского языка, и то, как он существовал и развивался впоследствии. Возникла совсем несерьезная на первый взгляд идея: не просто читать и изучать, а еще как-то попытаться исполнить музыку с латинским текстом. Но нужна была помощь, и они решили обратиться к нам. Инициатором и автором проекта была Вита Чернявская.

– Как они на нас вышли?

– Нашли в социальных сетях. У нас уже были проекты с МГУ. У них есть театр, который участвовал в организованных Консерваторией мероприятиях. Например, в концертах старинной музыки СНТО, посвященных Пёрселлу, Монтеверди. То есть контакт уже был налажен. Конечно, мы были очень рады, что они к нам обратились, сразу с ними списались, договорились.

Провести концерт мы запланировали сразу, потому что решили: если мы просто будем собираться и что-то такое петь, это ни к чему не приведет. Нужна невероятная мотивация продолжать такие репетиции. В итоге эта задумка превратилась в жесткий проект с жестким дедлайном. 

– Как долго вы работали над программой, часто ли собирались?

– Мы репетировали на протяжении всего семестра каждую субботу. Сначала читали, отрабатывали произношение, разбирали, что это за традиция. Постепенно складывалась программа. Скажу честно, вплоть до середины ноября не было уверенности, соберем ли мы ее. Первое время было трудно. Мы даже попросили ребят из Консерватории принять участие, хотя изначально планировался только коллектив МГУ. Откликнулись студенты и аспиранты, в основном музыковеды и хоровики, которые очень заинтересовались проектом и захотели присоединиться. 

К декабрю программа собралась, но оставалось самое сложное – исполнители. Исполнением именно средневековой музыки занимаются немногие коллективы. Мы обратились к Алексею Шеину и его ансамблю блокфлейт Московской консерватории с предложением собраться. Было несколько репетиций, музыканты по слуху подобрали в кратчайшие сроки свои партии. По большей части все это было импровизацией, безусловно. 

– Как складывался репертуар? Где вы брали источники, ноты, транскрипции?

– Мы выбрали средневековые латинские гимны, потому что их, во-первых, проще найти, и, во-вторых, это более или менее понятная музыка, доступная и непрофессиональному музыканту. Пользовались двумя сборниками: «Кармина Бурана» и книга монастыря Монсеррат. Последняя – старинная испанская рукопись. В основном все песни там духовные, посвященные деве Марии, чей культ существовал в этом районе. Их еще называют песнями крестоносцев, потому что эти очень известные гимны они потом распевали.

У книги Монсеррат есть расшифровки, а вот «Кармина Бурана» – это целиком устная традиция, хотя существует система неких устойчивых напевов, закрепленных за определенными гимнами. Вообще, мы ориентировались на современные известные записи ведущих коллективов и ансамблей. Взяли за основу какие-то общепринятые мелодии, а дальше импровизировали: решали, что урезать, добавить, как варьировать. 

– То есть создавали свой собственный вариант?

– Да, мы коллективно обсуждали разные варианты по ходу репетиций, пока они не сложились в какое-то видение. В программе появилась центральная композиция – застольная песня «In Taberna». В ней есть и политическая сатира, и антиклирикальная в духе «Гаргантюа и Пантагрюэля». Но на самом деле, это текст о радости жизни: она очень непредсказуема, но тем и прекрасна. 

И как у Шекспира весь мир – это театр, так и таверна для вагантов становится миром, объединяющим все общественные слои. Смысл в том, что нельзя никогда никого осуждать. Независимо от положения мы проживаем одинаковую жизнь, полную испытаний. 

– Действие происходит в таверне? Вот откуда идея с кружками?

– Да, это та самая идея с кружками. Мы подумали, что начать и закончить надо этим. Как известно средневековое мышление никогда не чувствовало определенного контекста, то есть в таверне могли происходить очень разные вещи, даже те, которые кажутся для нас несовместимыми. Средневековый человек славит Богородицу, и тут же – Вакха. И у нас так же: сначала блок застольных песен с культом вина. Это не просто распитие спиртных напитков, а метафора «упивания» жизнью. Затем песни из книги Монсеррат. Это такой лирический центр, осмысление более тонких материй. Потом блок известных рождественских гимнов. Все очень тесно существовало: и мистические размышления, и радость бытия, и ощущение приходящего праздника. 

– Вы как-то объяснили эту идею на концерте?

– Вообще мы хотели уйти от того, что каждый номер нужно как-то объявлять и объяснять. У нас принципиально не было каких-то пауз, переходов, долгих рассказов. Это цельная идея, которую нужно воспринимать от начала до конца. В буклетах к концерту мы расписали программу так, чтобы она была понятна. Исполнение в академической традиции – это было бы скучно. 

– Вы планировали этот концерт больше в развлекательных целях, чем в академически-просветительских?

– Во-первых, он студенческий, мы, все-таки, не такой профессиональный коллектив. Но, с другой стороны, мы неожиданно обнаружили, что у нас весьма аутентичная получилась версия. Неформальная, не всегда выверенная и чистая, но с эффектом импровизации. 

– В музыкальных коллективах обычно есть какой-то лидер, руководитель, транслирующий участникам свое видение программы. У вас был такой человек? 

– У нас был наш музыкальный руководитель – это аспирантка Консерватории Мария Ладыгина. Маша, вообще, закончила хоровой факультет, но сейчас в аспирантуре занимается изучением жанра кэрол. Она очень заинтересовалась проектом и стала нашим дирижером и руководителем, который задавал тон, требовал, командовал. Но с другой стороны – она абсолютно никому не навязывала свою трактовку. Иногда в процессе репетиций интерпретации менялись прямо противоположным образом. 

– Это был акт коллективного творчества?

– Да, конечно. Маша очень хорошо ощущала всю атмосферу и помогала ребятам почувствовать себя уверенно.

– А были какие-то проблемы у латинистов или Консерваторских студентов на репетициях?

– Консерваторские ребята, музыковеды, более или менее уже сталкивались с латинским языком, им было не так сложно. Плюс музыкантский навык схватывания со слуха каких-то нюансов очень помогал. Мы переживали насколько быстро студенты МГУ втянутся в этот процесс. Но нам попались самые поющие. Все сразу же включились в работу, очень быстро понимали, что нужно делать, реагировали и подстраивались. Работать с ними было одно удовольствие. 

– Вы быстро нашли общий язык?

– Да, у нас сложилась очень дружеская и творческая атмосфера. Оказалось, что у ребят много общего и в учебном процессе, и в жизни. Одинаковый подход и взгляд на многие вещи.

– Сценка в таверне не переместилась в реальность? В кружки не наливали?

– Мы очень хотели, но поняли, что в какой-то момент все может расплескаться прямо на ковер или замечательную обивку кресел Музея Рубинштейна. Очень этого испугались, поэтому принесли пустую посуду. Но был и забавный случай на концерте. По сюжету к концу в таверне остается последний «выживший», который заводит грустную «Песню о брюхе». Солист должен был перевернуть бутылку и показать, что в ней больше ничего не осталось. И вот он опрокинул одну из бутылок, и всем показалось, что оттуда-таки что-то капнуло. Мы все так потрясающе сделали: «Ах!» Публика тоже приподнялась с мест, чтобы посмотреть вылилось там что-то или нет. Оказалось, что всего лишь вылетело перо, но это был напряженный момент. Эмоций – на все сто процентов! 

– Какие остались впечатления от концерта?

– Потрясающие! Оказалось, что эту музыку может исполнять любой, она открыта для всех. Все получили большое удовольствие. Особенно студенты МГУ. У них появилась уникальная возможность выступить на самом концерте, увидеть инструменты, понять, как все это исполняется. С ними играла волынка, что еще нужно для счастья?

Какие-то моменты импровизировались в режиме реального времени и на удивление получились лучше, чем предполагалось. Например, дуэт свистулек в начале. Так получилось, что они появились у нас в последний момент, мы успели только налить в них воду, но не опробовали. А в итоге прозвучал замечательный дуэт-импровизация. 

– Как реагировала публика?

– Публика собралась разная: постоянные слушатели музея Рубинштейна, очень увлеченные и интеллектуальные, студенты МГУ и Консерватории, которые пришли поддержать своих и познакомиться с гостями. Отклик был живой, слушатели активно участвовали и хорошо понимали, что происходит: хлопали, смеялись. После концерта нам подарили новогоднего ежа. Теперь у нас в СНТО есть свой тотемный зверь. 

– Строили ли вы планы на дальнейшую совместную деятельность? Проекты, концерты планируются?

– Мы это обсуждали. Так как уже наладился контакт, речь шла о том, чтобы проводить еще какие-то совместные мероприятия и не только на базе латинского клуба. Выяснилось, что у нас много и других общих тем. Что касается средневековых гимнов, в дальнейшем можно было бы расширить репертуар и исполнять их не только в стенах консерватории, но и, например, в МГУ. Возможно, студенты других вузов, той же Высшей школы экономики, тоже захотят присоединиться. 

Елена Арутюнова, IV курс, НКФ, музыковедение

№6 (212), сентябрь 2022 года

С 19 мая по 5 июня 2022 года в Москве впервые прошла Всероссийская декада выпускников творческих вузов. Организаторами мероприятия стали Министерство культуры РФ, Ассоциация учебных заведений искусства и культуры и ФГБУК «Росконцерт». Московская консерватория и РАМ имени Гнесиных были кураторами музыкального направления декады.

Цель Декады – демонстрация достижений российского художественного образования. Потенциальные работодатели получили возможность познакомиться с творчеством ярких молодых представителей творческих профессий – актеров, музыкантов, артистов балета, кинематографистов, художников, а зрители увидели будущих звезд балета, оперы, ведущих сценических площадок, мирового кино.

В течение почти трех недель выпускники различных творческих вузов России представляли свои дипломные работы в виде специальных мероприятий по различным тематическим направлениям: театральное, хореографическое, музыкальное, кинематографическое и изобразительное искусства.

Московская консерватория и РАМ имени Гнесиных организовали для участников Декады четыре масштабные концертные программы: две в Большом зале консерватории и две в Концертном зале Академии, в которых приняли участие выпускники 18 творческих вузов Москвы и регионов России, в том числе представители Дальневосточного, Уфимского, Воронежского институтов искусств, Санкт-Петербургской, Нижегородской, Казанской консерваторий. Как отметил ректор Консерватории, проф. А.С. Соколов, «ребята преодолели тысячи километров, чтобы показать свое мастерство как перед любителями музыки, так и перед профессионалами – потенциальным работодателями».

Кроме того, был проведен серьезный образовательный блок с участием ведущих педагогов Московской консерватории. Своим мастерством поделились профессор кафедры камерного ансамбля и квартета А.З. Бондурянский, декан Научно-композиторского факультета Московской консерватории, проф. И.А. Скворцова, руководитель Центра организации практической подготовки и карьеры выпускников Московской консерватории, доцент Л.Р. Джуманова, профессор кафедры истории зарубежной музыки И.В. Коженова, заведующий кафедрой медных духовых и ударных инструментов, профессор Э. Б. Юсупов, доцент кафедры сольного пения Е.И. Скусниченко, декан по работе с иностранными учащимися, профессор А.В. Соловьёв.

30 мая в Конференц-зале Консерватории состоялась презентация направлений научной деятельности выпускников музыкальных вузов (модератор – Анастасия Хлюпина), а вечером того же дня Камерный хор и солисты Консерватории приняли участие в торжественном Гала-концерте Декады в концертном зале Московской филармонии.

Этот масштабный проект был организован в рекордные сроки – практически за месяц благодаря слаженной работе Отдела по работе с федеральными целевыми программами (рук. Я.А. Кабалевская) и Общевузовского центра координации творческих проектов (рук. К.О. Бондурянская).

По словам Министра культуры Российской Федерации О.Б. Любимовой, «демонстрация дипломных работ в формате яркого культурно-просветительского проекта позволила увидеть настоящих профессионалов своего дела – молодых и перспективных актеров, артистов балета, музыкантов, кинематографистов и художников, повысить кадровый потенциал учреждений культуры, а также укрепить профильное образование в области искусств. Уверена, проведение Декады станет славной традицией, а участие в ней придаст выпускникам импульс для дальнейшего развития. Желаю молодым талантам плодотворной работы и незабываемых впечатлений!»

Собкор «ТМЖ»

№4 (210), апрель 2022 года

Доводилось ли вам бывать в скандинавских странах? Это особые края. Несмотря на то, что большую часть года зе́мли покрыты снегами, они наполнены потрясающей цветностью. Летом вовсе не заходит солнце, опаляя своим прохладным огнем темнеющее кружево вековых сосен, раскинувших ветки подобно тому, как юные девушки сплетают протянутые ладони, кружась в хороводах. Вольный ветер танцует меж тонких изгибов стволов, разбрасывая повсюду дубовые и осиновые листья и разнося по окрестностям аромат душистых кедров. А когда этот солнечный ветер достигает неземных высот, рождается северное сияние. Видели ли вы когда-либо что-нибудь подобное? Все это – и колюче-морозное солнце, и ветер, танцующий под звуки бегущих ног, и заливистый смех, – все это составляет образную основу яркого и запоминающегося, синкретического действа музыкального спектакля «Парень из Гудбраннской долины» по мотивам классической и всеми любимой пьесы Генрика Ибсена «Пер Гюнт». А голосом Пера и голосом Норвегии становится яркий, удивительный, многогранный коллектив под названием Luminis artis. Их главный рассказчик – метущийся, свободный дух Севера. Кто знает, быть может, в своих скитаниях его занесет даже на подмостки наших сцен? Вы только прислушайтесь, и он вам расскажет…

Коллективу Luminis artis недавно (22 февраля) исполнился год. В январе состоялась московская премьера музыкальной фантазии «Парень из Гудбраннской долины», что, по словам Марины Шигановой, художественного руководителя Luminis artis, стало важным этапом на творческом пути коллектива. За этот год был сыгран ряд успешных концертов на разных площадках с различными программами и в разных конфигурациях состава: Luminis artis – это и камерный оркестр, и художественное слово, и искусство танца, и мастерство вокалистов (список, безусловно, будет продолжаться). У коллектива уже есть собственная публика – люди, которые следят за их творчеством, регулярно посещая концерты и даже приезжая из других городов на выступление любимых артистов. 

В чем уникальность Luminis artis? В переводе с латыни название означает «Искусство света», и именно это исповедуют участники коллектива – выпускники ведущих столичных и европейских музыкальных вузов. Объединенные возвышенной целью – просвещения и просветления, – музыканты представляют публике самые яркие и разнообразные программы: от произведений эпохи барокко до опусов наших дней, только что вышедших из-под композиторского пера. Это и просветительские проекты, где помимо исполнения рассказывается предыстория произведений и их создателей, и в какой-то степени соприкосновение с уникальным внутренним миром композитора, ведь исполнители Luminis artis как никто другой глубинно погружают как себя, так и нас в каждое произведение, словно в шкатулку, хранящую свое неповторимое сокровище. И тогда речь идет уже не о выступлении в традиционном понимании, но о некоем таинстве, в ходе которого заряд светлой, позитивной энергии – то самое «искусство света» – раскрывает музыку глубинно и по-новому, делая ее более близкой и понятной каждому.

Художественный руководитель, концертмейстер, композитор, солист и дирижер оркестра – и все это в одном лице – блестящая выпускница Московской государственной консерватории именипо П.И. Чайковского Марина Шиганова (скрипка), в настоящий момент продолжающая обучение в аспирантуре Консерватории. Лауреат международных и всероссийских конкурсов в Москве, Санкт-Петербурге, Италии, Бельгии, Франции, Северной Македонии, Литве, Латвии, солистка Санкт-Петербургского Дома музыки, автор музыки к ряду фильмов и спектаклей («Освещая путь», «Подарок шамана» – режиссер А.Мещангина; «Рыжик» – режиссер П. Жарков), Марина также является приглашенным музыкантом для участия в Русском фестивале в Карнеги-холле и ведет активную творческую деятельность, гастролируя в России и за рубежом.

Оркестр М. Шигановой часто взаимодействует с актерами, танцорами, певцами и может исполнять как интересные тематические программы, так и собственные музыкально-литературные композиции. В этом отношении «Парень из Гудбраннской долины» – безусловно, самое яркое и запоминающееся событие в истории Luminis artis за прошедший первый год коллектива. Автором идеи, сценаристом, режиссером и музыкальным руководителем данного проекта является сама Марина, а постановку танцев осуществила педагог Московской консерватории по классу исторического танца и хореограф Большого театра Наталия Кайдановская. 

Тематика постановки актуальна во все времена – в ней поднимаются проблемы человеческой сущности – того, что значит быть человеком, проблема истинного и ложного пути, а также поиска самого себя. Вместе с главным героем мы пробуем ответить на вопрос, каково же это – быть собой.

Действие этого оригинального спектакля сопровождается великолепной музыкой – и не только Эдварда Грига, с именем которого уже неразделимо связано имя Пера Гюнта, но и других норвежских композиторов – Юхана Свендсена и Уле Булля. Их произведения органично переплетаются между собой в единой канве спектакля, и рядом со знаменитыми и любимыми «Колыбельной» и «Песней Сольвейг» Грига появляется новая грань, новая «цветность» – «Романс» Свендсена, который становится олицетворением душевной красоты и чистоты Сольвейг, чья фигура так важна в этом действии. Именно благодаря ее надежде, вере и любви метущийся Пер Гюнт наконец-то обретает самого себя.

Завораживающая своей красотой и незыблемостью северная природа Норвегии отражается для нас сквозь призму музыки «норвежского Паганини» Уле Булля. И, следуя за ней, мы воочию можем лицезреть, как под ночь пробуждается самый настоящий сказочный дух, пугающий и в то же время игривый. Это родной дух Норвегии, издревле почивающий в горных хребтах и на заостренных вершинах сосен, так правдиво переданный игрой трудолюбивых пальцев на струнах музыкальных инструментов. 

Из музыки Грига, помимо двух сюит и непосредственно, самой музыки к театральному действу, в спектакле звучит потрясающей нежности «Ноктюрн» из «Лирической сюиты» (op. 54) в версии для оркестра. Как подчеркивают артисты, это одна из самых важных сцен – ведь именно под эту музыку происходит долгожданное прозрение и раскаяние Пера Гюнта. 

«Когда у меня появилась идея обратиться к этому сюжету, ее реализация сразу представлялась чем-то масштабным, поэтому не хотелось ограничиваться только музыкой и словом, – рассказывает Марина. – У нас в спектакле также участвуют и танцоры, и певцы, исполняющие песни в оригинале – на норвежском языке. Я считаю этот язык очень красивым и поэтичным, на мой взгляд, он очень органично сочетается с прекрасной музыкой Грига. Поэтому было принято решение исполнять песни в оригинале, что также оказалось интересно и самим вокалистам. Также огромную роль играют декорации. В процессе подготовки спектакля я обратилась к декорациям Николая Рериха, созданным специально для этой пьесы. В своих дневниках художник писал, что это повествование для него – сказка с морализирующим финалом. Кстати, имя главного героя заимствовано из народного эпоса – сказок, заботливо собранных Питером Кристеном Асбьёрнсеном и Йоргеном Му под поэтичным названием «На восток от Солнца, на запад от Луны» и проиллюстрированных датским художником арс-нуво Каем Нильсеном… Но это – уже другая история».

Для того, чтобы смог родиться подобный спектакль, должны были объединиться в органичном сплаве не только слово и музыка, хореография и вокал, художники и композиторы разных времен, но люди, движимые общей идеей – светом (что следует из самого названия) и вкладывающие этот свет во все, будь то хорошо проработанный сценарий, координация слова с музыкой и танцами, видеорядом, режиссура. И, конечно, каждая творческая единица Luminis artis, выполняя свою собственную функцию, должна была при этом работать в русле единого, слаженного организма. В результате всего этого и образуется искусство, отличающееся качеством и профессионализмом. 

В целом можно сказать, что Пер Гюнт весьма неоднозначен. Его нельзя назвать полностью положительным или отрицательным персонажем – он, скорее, «герой своего времени», и в том числе собирательный образ пороков, порожденных социумом. Данный архетип был очень распространен как в зарубежной, так и русской литературе девятнадцатого века: образ Пера Гюнта можно поставить в один ряд с образами Чайльд-Гарольда, Фауста, Жюльена Сореля, Печорина, Онегина. И коллектив Luminis artis, обращаясь к этой одновременно простой и сложной философской драме Ибсена, затрагивает и пробуждает серьезную, особенно волнующую нас сейчас тему человека и человечности: что бы ни преподносила нам жизнь, давайте оставаться людьми.

Дарья Славникова, II курс ассистентуры-стажировки НКФ, композиция

№4 (205), апрель 2021 года

«Искусство – это наука, ставшая ясной»

Ж. Кокто

Итогом такого содружества мира цифр и технологий с миром творчества станет создание экспериментальных опер. Задачи проекта выстроены поэтапно: его участники – композиторы, режиссеры, сценографы из Британской высшей школы дизайна и ученые из школы Сколтеха, – разделились на восемь постановочных групп. В течение года они вместе будут работать над камерными операми продолжительностью 20-30 мин, которые в ноябре 2021 года прозвучат в театре «Новая опера». Таким образом, впервые результаты лаборатории «КоOPERAция» выйдут на большую сцену.

Проблема связи науки и искусства поднимается тысячелетиями: об этом рассуждали философы, ученые и видные деятели разных эпох. Многие практическим путем находили линии соприкосновения двух областей человеческой жизни и воплощали идею их синтеза в разных видах творческой деятельности, в том числе и в музыкальной. Вспомним хотя бы оперу Филипа Гласса «Эйнштейн на пляже».

И в данном случае непростая задача, стоящая перед авторами камерных опер в проекте ART&SCIENCE, требует тщательной подготовки. От создания идей опер до поисков оригинального музыкального языка, с помощью которого станет возможным выразить научные концепции (сфер нейронауки, биотехнологий, информационных технологий). Участникам предстоит не просто объединить музыку и точные науки, но и показать, как из полярных способов отражения реальности рождается нечто гармоничное.

За музыкальную составляющую научно-творческого эксперимента в парах «музыкант – ученый» отвечают композиторы Елизавета Саничева, Александр Хубеев, Роман Пархоменко, Дарья Звездина, Рамазан Юнусов, Арман Гущян, Михаил Пучков и Кирилл Архипов. Куратор проекта — оперный режиссер Екатерина Василёва, а в число преподавателей образовательной программы и консультантов вошли художник Дмитрий Булатов и искусствовед Ольга Ремнёва, медиахудожники Анна Титовец (Intektra) и Дмитрий Морозов (Vtol), композитор Ольга Бочихина, певица и композитор Наталья Пшеничникова, драматург Евгений Казачков, музыковед Владислав Тарнопольский, оперный критик Ая Макарова и руководитель литературной части Большого театра России Татьяна Белова.  

На встрече, состоявшейся позже в Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и В.И.Немировича-Данченко, участники каждой из восьми групп презентовали кураторам, консультантам и публике темы будущих опер, рассказали о концепциях и теориях, положенных в основу их специфических сюжетов. Планка высока, и теперь дело за музыкальным воплощением. Пожелаем всем участникам проекта успехов на этом экспериментальном поле действий!

Христина Джишкариани, IV курс НКФ, музыковедение

№4 (205), апрель 2021 года

2 апреля в мраморном зале Дома журналиста прошла пресс-конференция в честь открытия Первого Международного фестиваля киномузыки KINOREX. В ней приняли участие ректор РАМ им. Гнесиных Александр Рыжинский и члены жюри фестиваля: продюсер Борис Токарев, композитор Илья Духовный, организаторы фестиваля – Елизавета Фирулик, Никита Брусин и Роман Серебряный, секретарь Союза журналистов России. Фестиваль пройдет с 11 по 17 апреля в РАМ им. Гнесиных.

KINOREX задуман для привлечения молодых композиторов и режиссеров: первые присылают на конкурс свои сочинения, а вторые –короткометражные фильмы без музыкальной составляющей. Задача конкурсной программы – создать творческую команду из пары композитор – режиссер. Лучшие работы удостоятся не только призовых мест, но и таких приятных бонусов, как запись музыки к фильму в исполнении симфонического оркестра, стажировка у известного композитора, сертификаты от партнеров фестиваля и многое другое.

Журналистам удалось побеседовать с организаторами фестиваля на тему актуальных проблем киноиндустрии и киномузыки в целом. Обсудили они также цели и перспективы фестиваля. Илье Духовному задали много вопросов, посвященных различиям процессов сочинения песни и саундтрека. Рассказал композитор и о возможных «подводных камнях» подобной творческой работы.

Борис Токарев коснулся  темы самого сотрудничества с композиторами. Он подчеркнул, что для режиссера в данном вопросе важно понимать и уметь сформулировать, какая музыка ему нужна, что она должна выражать, в противном случае совместное творчество может принести не те результаты. Много слов было сказано и о слишком активном современном производстве кино, и о плагиате саундтреков, которого сложно избежать.

За круглым столом гости говорили и о положительных сторонах самого проекта для поддержки молодых талантов. Важно, что кроме получения призовых мест конкурсанты смогут познакомиться друг с другом, поскольку конкурс проводится в очном режиме, и каждый режиссер сможет найти «своего» композитора. И наоборот.

Пресс-конференция прошла очень интересно и живо. Будем надеяться, что и сам фестиваль утвердится в творческой жизни столицы и проведет еще не один сезон.

Христина Джишкариани, IV курс НКФ, музыковедение

№5 (193), май 2020

Паппиногом называют возникший в хип-хоп культуре танец, основанный на резком сокращении и расслаблении мышц (по такому же принципу, например, выстроена большая часть знаменитой хореографии Майкла Джексона). Поняв, что суть паппинга составляет тряска, Систарелли обратил свое внимание на людей с Паркинсоном и понял, что это явление можно обратить в их пользу и, таким образом, помочь им обрести контроль над своим телом.

Симоне Систарелли, будучи выпускником одного из британских музыкальных вузов, начал заниматься паппингом в качестве хобби, а Школу паппинга для людей с Паркинсоном создал в сентябре 2019 года. Инициатива, на мой взгляд, потрясающая, единственная в своем роде и, что важно, абсолютно бесплатная для всех участников. После успешного запуска проекта мэрия Лондона начала его поддерживать. И неудивительно: отклик оказался настолько большой, что потребовалось организовать два класса вместо планируемого одного. 

Из Лондона Систарелли часто приглашают на мастер-классы в города континентальной Европы и в США. По заверениям участников мастер-классов, даже одно занятие дает ощутимый положительный эффект. На основе результатов занятий Школа Систарелли совместно с Хертфордширским университетом готовит исследование,выход которого планируется уже в следующем году.

Паппинг – это не просто танец, но и особая культура соревнований. В хип-хоп движении они называются баттлами. Суть их заключается в «перетанцовывании» соперника. Чем больше шума произвела публика после выступления, тем больший эффект смог произвести тот или иной танцор (примерно так же происходит и в рэп-баттлах, известных на постсоветском пространстве намного больше, чем танцевальные). И если «дух победы» свойственен паппингу как танцевальному жанру, то здесь, в случае с борьбой куда более серьезной, это соревнование приобретает новые черты.

Бексултан Садуев, IV курс ИТФ 

Фото Ludovic Des Cognets

№6 (185), сентябрь 2019

11 сентября 2019 года в Большом зале Московской консерватории состоялось открытие Молодежного форума «Партитура будущего». Оригинальным решением организаторов форума стал выбор программы первого концерта – прозвучала премьера музыки Кузьмы Бодрова к фильму Константина Хабенского «Собибор» в исполнении Государственного симфонического оркестра «Новая Россия» под управлением Дениса Власенко иКамерного хора Московской консерватории под руководством профессора Александра Соловьева. Солировали лауреаты международных конкурсов Гайк Казазян (скрипка), Василий Степанов (виолончель), Кузьма Бодров (фортепиано), а отрывки из воспоминаний узников лагерей смерти прочел Заслуженный артист России Игорь Гордин. Примечательно, что публика смогла услышать не только прекрасное сочинение одного из самых одаренных молодых композиторов, но и помочь подопечным Благотворительного фонда К. Хабенского: часть средств от организации концерта была передана детям с онкологическими заболеваниями.

Молодежный форум «Партитура будущего»– уникальный проект Московской консерватории, предоставляющий для творческой молодежи возможность самореализации и профессионального общения. Форум стал победителем Всероссийского конкурса молодежных проектов среди вузов и проводится при финансовой поддержке Федерального агентства по делам молодежи. Автором идеи и исполнительным директором форума стала организатор музыкально-просветительских проектов, кандидат искусствоведения Ярослава Кабалевская.

Программа форума очень разнообразна и включает в себя серию концертов, композиторский конкурс на создание молодежной песни «Партитура будущего», школу лидерства и выставку работ студентов художественной академии им. С.Г. Строганова. В концертную часть входят: прозвучавшая 11 сентября в Большом зале консерватории премьера музыки Кузьмы Бодрова к фильму Константина Хабенского «Собибор», музыкально-театральная программа «Дорогами Высоцкого», которая будет представлена 5 октября на сцене Смоленской филармонии и гала-концерт участников Международного конкурса молодых композиторов «Новые классики», который состоится 17 ноября в Рахманиновском зале Московской консерватории. Школа лидерства, где студенты творческих вузов смогут приобрести новые знания в области социального партнерства и музыкального продюсирования откроет свои двери в парк-отеле Ершово с 23 по 29 сентября.

Важная часть форума – Вахта памяти, ежегодно проводимая Московской консерваторией в честь 8-й Краснопресненской дивизии народного ополчения, в составе которой осенью 1941 года в Смоленской области сражались консерваторские преподаватели и студенты. «Консерватория традиционно уделяет большое внимание воспитательной работе, не только раскрывая музыкальные таланты, но и способствуя формированию гармоничной, постоянно совершенствующейся, конкурентоспособной, обладающей прочным нравственным стержнем и восприимчивой к новым созидательным идеям личности», – сказал о форуме ректор, профессор А.С. Соколов.

Фильм «Собибор» (по мотивам книги Ильи Васильева «Александр Печерский: прорыв в бессмертие») вышел на экраны весной 2018 года. Он посвящен единственному успешному восстанию в концлагере, подготовленному советским лейтенантом Александром Печерским. Создателям фильма удалось передать весь ужас происходившего: по словам режиссера, «главный герой – это лагерь смерти», «страшный убийца», безжалостно перемалывающий души и тела попадающих туда людей. Но показывая, подчас, невообразимые страдания, автор все же оставляет зрителю надежду: «Я пытался рассказать историю, которая внутренне все-таки настроена на созидание. Именно созидание, потому что, мне кажется, неправильно рассказывать о подобных исторических моментах с точки зрения отчаяния», – утверждает Хабенский.

Кузьма Бодров уже сотрудничал с К. Хабенским в драматическом театре, но музыка к «Собибору» стала их первой совместной работой в кино. Она, без сомнения, относится к творческим удачам музыканта, по эмоциональному накалу саундтрек вполне сопоставим с фильмом. Среди написанных номеров композитор особо выделяет «дикую ночь» – большой симфонический эпизод с хором и солистами. Несмотря на то, что музыка является неотъемлемой частью истории, рассказанной в фильме, ее самостоятельная ценность была очевидна с самого начала, поэтому режиссер и композитор выпустили диск, где в перерывах между основными музыкальными фрагментами Константин Хабенский читает письма – воспоминания узников лагерей. Эта концепция и была представлена на концерте.

Вечер был открыт транскрипцией Сарабанды c-moll Баха, сделанной Кузьмой Бодровым для виолончели, скрипки и хора a capella. Это создало необходимое для восприятия скорбной музыки к «Собибору» настроение. Кроме того, многие номера музыки К. Бодрова имеют отсылки к стилистике барокко: в них нередко встречаются характерные для эпохи риторические фигуры и звукоизобразительность (в одной из частей скрипки изображают завывания сирены). Несмотря на то, что музыка иллюстрирует невероятно страшные события, происходившие в немецких лагерях, большинство номеров носят возвышенный и сдержанно-трагический характер. Композитор не пытается буквально изобразить ужасы, о которых повествуют фильм и письма; его музыка словно оплакивает жертв. В интервью газете «Российский музыкант» (2019, №3) К. Бодров отметил, что самым сложным было сдерживать «очень сильные чувства, которые вызвала эта тема», сделать так, чтобы музыка не комментировала, а оттеняла действие, стала контрапунктом, «который усиливает то, что происходит в кадре».

Исполнителям удалось захватить внимание слушателей, заставить их задуматься и сострадать судьбам узников. Это еще раз подчеркнуло актуальность военной темы в русском искусстве и то, что память о войне продолжает жить в сердцах людей. Кроме того, очень приятно видеть, что Большой зал Московской консерватории открыт для музыки молодых композиторов, а также тот живой интерес, с которым публика встречает подобные проекты. Надеемся, что дальнейшие мероприятия форума «Партитура будущего» вызовут столь же горячий отклик.

Анна Горшкова, аспирантка МГК

Юна Катко и Яна Катко, выпускницы МГК

Фото Дениса Рылова

№3 (182), март 2019

В этом сезоне в Доме-музее Марины Цветаевой проходит цикл концертов камерной вокальной музыки «Разговоры по душам». Приглушенный свет, спокойная обстановка, никакой суеты – что может быть более приятным после рабочих будней?

Холодным ноябрьским вечером в небольшом, но уютном зале состоялся один из первых концертов. Его программа была целиком посвящена романсам Танеева: ранние звучали в начале вечера, более поздние – во втором отделении. Исполнял дуэт замечательных музыкантов: меццо-сопрано Екатерина Лескова и пианист, студент МГК Филипп Чельцов (они же – организаторы всей серии концертов). Исполнение завораживало искренностью и, одновременно, глубиной переживаемых чувств. Публика слушала с трепетом и теплотой, атмосфера к тому располагала. Возможно, не каждый романс полностью подходил вокалистке по тесситуре, но впечатление в целом осталось светлым.

Музыканты очень внимательно относятся к формированию своих программ. В этом цикле звучат в основном редко исполняемые на столичных сценах вокальные произведения – «Мирты» Шумана, «25 стихотворений А. С. Пушкина» Кюи; нечасто услышишь вживую и многие романсы Танеева. Исполнил этот дуэт и вокальные циклы самого Чельцова: в декабре – «Сосны» на слова Глеба Семенова, в январе – премьеру цикла «Пятьдесят лет лирики» на слова Олега Шестинского. Впрочем, репертуар дуэта не обходится и без популярной камерно-вокальной музыки – в частности, в марте они  исполнят «Любовь и жизнь женщины» Шумана, романсы Чайковского.

Название цикла «Разговоры по душам» совершенно не случайно – концертмейстер выступает также в роли комментатора. Вполголоса он рассказывает о композиторе и его произведениях, которые прозвучат. Атмосфера уводит от волнений и суматохи Москвы, возникает редкое для нашего города ощущение интимности, уединения. Пожалуй, именно такой зал, как в Доме-музее Цветаевой, идеально подходит для проведения камерных музыкальных вечеров. Заметно, что музыканты действительно вложили всю душу в создание этих прелестных концертов, слово возрождающих добрые традиции домашнего музицирования.

Анастасия Касимова,
IV курс ИТФ

№8 (178), ноябрь 2018

Кто из молодежи не мечтал показать свой талант, чувствовать себя на сцене как дома, обыгрывать репертуар перед экзаменом на сцене? К сожалению, в связи с ограниченным количеством концертов музыкальные вузы не могут так часто «снабжать» студентов концертной практикой, ведь по учебному плану лимит выступлений участников часто не превышает четырех, а то и двух концертов в семестре.

Студенты, часто по знакомству, стараются найти хоть какие-то площадки для выступлений, а многие залы Москвы требуют арендную плату (как правило, ощутимую для студенческого кармана). Даже если вам все-таки удалось организовать концерт, встает проблема привлечения публики, чтобы расходы окупились.

В прошлом году в Москве появился новый проект – Первая Московская студенческая филармония. Его создатели – художественный руководитель Александр Звонов (студент МГК им. П.И. Чайковского), арт-директор Арсений Черниченко и координатор Дария Богданова (студенты ГМПИ им. Ипполитова-Иванова). В этой филармонии существует масса способов получить концертную практику в рамках учебного процесса. Вы можете устроить сольный концерт, не беспокоясь о названнных проблемах, кроме того появляется перспектива сыграть с оркестром. Студенты могут подобрать удобное время и дату концерта по таблице графиков и предоставляемых залов, согласовать их со своими занятиями, обсудить со специалистами тематику вечера и другие интересующие вопросы.

Помимо того, что Студенческая филармония позволяет выступать на многочисленных площадках Москвы, она также проводит мастер-классы известных исполнителей и опытных преподавателей, тренинги по преодолению сценического волнения, курсы по работе с аудиторией, которые организует фонд «Harmonia mundi». Этот проект приветствует не только исполнение классической музыки – тот, кто сегодня пишет музыку, может представить и собственное сочинение.

Первая Московская студенческая филармония базируется недалеко от консерватории – в нотной музыкальной библиотеке им. П.И. Юргенсона. Приятно, что у каждого есть возможность вступить в это прекрасное сообщество!

Анастасия Фомина,

IV курс ИТФ