Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Возвращение Мечислава Вайнберга

№ 3 (164), март 2017

М. Вайнберг

В конце зимы любой желающий мог стать свидетелем эпохального события в Большом театре: с 16 по 19 февраля там проходил Международный форум «Мечислав Вайнберг (1919–1996). Возвращение». Три постановки опер Вайнберга; три концерта камерной музыки и мировые премьеры; четыре круглых стола; шесть творческих встреч; научная конференция с участием 40 музыкантов, ученых-музыковедов из восьми стран – такая грандиозная программа была заявлена. И она действительно оказалась очень яркой.

Опера «Идиот». Большой театр, 2017

Примечательна даже сама история зарождения Форума. Не секрет, что мероприятия такого масштаба обычно приурочены к крупным юбилеям или годовщинам, а до 200-летия М. Вайнберга еще два года. Но сегодня интерес к творчеству композитора невероятно высок за рубежом, актуальность и острота его тем приобретают все более злободневный характер, и российский музыкальный мир не остался в стороне. Только в 2016 году сразу два крупных театра страны представили новые постановки опер Вайнберга: «Идиот» в Мариинском театре (июль, концертное исполнение) и «Пассажирка» в Екатеринбургском театре оперы и балета (см. «Трибуна молодого журналиста», 2016 №8 – ред.). А в 2017-м в Москве вышли еще два спектакля: «Пассажирка» на сцене театра «Новая опера» и «Идиот» в Большом театре. Именно в это время и родилась идея Форума как обобщающего и объединяющего начала, способного глубоко погрузить зрителя-слушателя в необъятную и во многом еще непознанную звуковую Вселенную композитора Вайнберга.

Опера «Пассажирка». Новая опера, 2017

Главными организаторами Форума стали Государственный академический Большой театр России и газета «Музыкальное обозрение», куратором Форума и конференции – главный редактор «Музыкального обозрения» Андрей Устинов, научным консультантом – научный сотрудник кафедры истории еврейской музыки Университета музыки им. Ф. Листа в Веймаре Антонина Клокова. Среди участников Форума такие значительные организации, как Государственный институт искусствознания, Институт Адама Мицкевича в Варшаве, Государственный Мариинский театр, Екатеринбургский государственный академический театр оперы и балета, Московский театр «Новая опера». Время проведения также было выбрано неслучайно: именно на февраль Большой театр запланировал премьеру оперы Вайнберга «Идиот».

Форум торжественно открылся 16 февраля двумя круглыми столами: «Оперы Мечислава Вайнберга в контексте современного театра» и «Опера Идиот на российской сцене». И если первое событие представляло собой широкую общественную площадку для всех участников Форума, то вторая половина заседания вылилась во встречу с постановщиками нового спектакля – режиссером Евгением Арье и дирижером Михалом Клауза, – которая затем плавно переросла в доклад музыковеда Светланы Войткевич о самом оперном произведении.

Новая постановка Большого театра не вызвала однозначного восторга. Невольно напрашивалось сравнение с концертным (но, пожалуй, не менее полноценным) исполнением «Идиота» в стенах Мариинского театра в июле 2016 года. И если в Петербурге после спектакля не возникало желания разделять музыкальное и сценическое воплощение оперы – настолько цельным, единым, глубоким и по-настоящему «достоевским» оно получилось, то в послевкусие от московской постановки, помимо восхищения, вплеталось четкое ощущение излишних или, возможно, не до конца сложившихся решений.

Спорным показался образ Аглаи (Виктория Каркачева), довольно неожиданным было появление на инвалидной коляске Епанчиной (Елена Манистина), и, наконец, ярое несогласие вызвал образ Князя Мышкина (Станислав Мостовой) – как преувеличенно чрезмерно больного, убогого человека. Абсолютно нелепо и ужасающе выглядело ожившее на экране, иногда передернутое нелепыми гримасами с высунутым языком лицо Настасьи Филипповны. Да и три точильщика (само по себе крайне интересное решение!) не так органично, как хотелось бы, вписались в сюжетную канву постановки.

При всем этом «Идиот» Вайнберга в сценическом прочтении Арье, несомненно, не утратил «дух» Достоевского. Полифоническое ощущение пространства и времени создавалось за счет подвижного разделения сценической площадки и эффектного использования экрана в ее глубине. Помимо упомянутого выше неудачного момента в финале, образы, рожденные на экране, как и весь визуальный ряд, появляющийся из глубины сцены (отображенный для зрителей портрет, рассматриваемый кем-то из героев; изменяющиеся образы расшатанной реальности в момент приступа Князя, огонь, поезд…) – все эти детали значительно углубляли и расширяли пространственно-временной континуум. Дизайнерское решение спектакля (Галина Соловьева), как и световое (Дамир Исмагилов) и, особенно, пластическое (Игорь Качаев) были отлично продуманы. Запомнились и красно-черная гамма первого действия, кульминационно взорвавшаяся сценой брошенных денег… И белоснежные оттенки второго, когда тонкая грань миров еще не пройдена, но это непременно произойдет… И пластичный миманс на фоне событий (подобный заводным куклам, марионеткам), лишь подчеркивающий трагизм и неотвратимость развязки…

Фантастически хороши были образы трех героев оперы: это Настасья Филипповна (Мария Лобанова), Рогожин (Николай Казанский) и Лебедев (Константин Сучков). Особенно Лебедев! Непростая в интерпретации Вайнберга роль резонера, в каком-то смысле злого гения происходящего действия, была значительно нивелирована режиссером, но даже оставшихся деталей хватило солисту, чтобы едко и иронично сплести свою сюжетную нить. Да и Настасья Филипповна с Рогожиным вышли очень «достоевскими»!

Но, бесспорно, наиболее ярким, напряженным и взрывным моментом в спектакле стал конец первого акта. Сначала сцена у Иволгиных, затем именины и, наконец, эпизод сожжения денег – это, конечно, были самые цельные и самые захватывающие мгновения сценического действия.

Растущее внимание к музыкальному театру Мечислава Вайнберга не может не радовать. Хочется надеяться, что оно будет преумножено, и мы еще не раз подискутируем о художественных решениях его сценических работ, включая постановки его последнего творения – оперы «Идиот». Тем более что налицо явное возрождение всестороннего интереса к творчеству этого выдающегося композитора ХХ века.

Ольга Ординарцева,
выпускница МГК

Фото Дамира Юсупова

Ангельские голоса

№ 2 (154), февраль 2016

В конце 2015 года в рамках II Международного рождественского фестиваля духовной музыки «Адвент» в Евангелическо-Лютеранском Кафедральном соборе святых Петра и Павла прошел концерт под названием «Ангельские голоса».

Звучание хора мальчиков действительно напоминает ангельское пение: особая полетная красота звука, чистота и нежность интонации, звонкие верха. Сегодня в России крайне актуально («в тренде») возвращение к традициям существования раздельных детских хоров – создаются хоровые студии, школы, обучающие только мальчиков. И на этом «модном» фоне особенно выделяются коллективы, уже прошедшие сквозь «огонь, воду и медные трубы».

Хоровой школе мальчиков и юношей «Дебют» почти 20 лет. Ее бессменный руководитель Алла Ястребова придерживается строжайших принципов работы с мальчишескими голосами, ориентированных на сохранение и воспитание уникального тембра каждого юного певца. И рождественский концерт в потрясающей атмосфере собора вновь подарил слушателям чудесную возможность услышать результат кропотливейшей работы педагогического коллектива школы.

Замечательно была составлена программа. Иногда впечатление от прекрасного исполнения омрачается затянутым или нелогично выстроенным подбором сочинений. Но концерт 27 декабря действительно пролетел на одном дыхании! В его программу наряду с духовной музыкой русских и зарубежных композиторов вошли популярные детские песни. Слушатели смогли насладиться не только хоровой музыкой в исполнении детского и смешанного хора мальчиков и юношей (дирижер Эльдар Абасов, концертмейстер Денис Денисов), но и царственным звучанием уникального исторического органа (Алексей Шевченко).

Тон концерту был задан сочинением «Ave Maria» Баха–Гуно в исполнении концертного хора мальчиков «Дебют». Легкие взлеты дискантов, сочные гармонии альтовой партии в сопровождении невесомых, нежных переливов рояля – такое по-настоящему «рождественское дыхание». За ними последовали «Stabat Mater» Дж. Б. Перголези и вокальный триптих М. Славкина «Христос с Тобой», а затем и полнозвучные партитуры песен «Прекрасное далеко» Е. Крылатова и «Снеженика» Я. Дубравина. Насколько неожиданно прозвучали эти популярные детские песни в гулком величии собора, настолько же и одухотворенно!

В середине концерта к совсем еще юным мальчишкам присоединились старшие воспитанники хоровой школы. Рахманинов, Пуленк, Вивальди, Франк – совсем не юношеский репертуар! Но сводный хор «Единство» блестяще справился с исполнением жемчужин хорового репертуара, а два финальных номера – «Sanctus» из мессы «Вооруженный человек» К. Дженкинса и «Rhythm of Life» из мюзикла «Милая Чарити» С. Коулмэна были исполнены ярко, зажигательно, с потрясающим драйвом, присущим настоящему «мужскому братству».

Жаль, что век мальчишеского голоса так недолог, ребята быстро вырастают и переходят в юношеский состав, начиная петь мужскими голосами. Но им на смену приходят новые дисканты и альты. Так непрерывно, сквозь все преграды и трудности, звучит на радость публике хор ангельских голосов…

Ольга Ординарцева,
выпускница МГК

Вдохновение чувствуют все

№ 8 (151), ноябрь 2015

Вокальный ансамбль «Arielle» был создан в 2014 году по инициативе выпускницы кафедры современного хорового исполнительского искусства Эльмиры Дадашевой. В преддверии II Международного рождественского фестиваля духовной музыки «Адвент» мы беседуем с основателем, художественным руководителем и дирижером о настоящем и будущем молодого коллектива.

- Эльмира, как родился ансамбль «Arielle»?

- Идея основать свой коллектив возникла давно, еще когда я училась в консерватории, а в декабре 2014 года такая возможность появилась. Поводом стало участие в концерте «Парад молодых дирижеров» в Рахманиновском зале. Там был строгий временной регламент, мы не могли исполнить всю подготовленную программу, но наше выступление имело успех. Очень хорошо прозвучали фрагменты из «Песнопений и молитв» Свиридова. Потом был еще ряд выступлений, в частности, участие в закрытии сезона в Центре Павла Слободкина вместе с камерным оркестром Центра. А сегодня мы уже готовим серьезные программы для сольных концертов.

- Откуда такое название?

- Оно родилось само собой. Кому-то может прийти на ум шекспировский Ариэль – это дух воздуха, по своей природе очень миролюбивый, симпатичный герой. Конечно, хотелось, чтобы наш коллектив нес слушателям мир, добро и красоту! Но кроме этого Arielle – это Ариф и Эльмира: слияние первых трех букв наших с мужем имен рождает такое поэтичное название. [Ариф Дадашев, дирижер Московского театра оперетты, выпускник МГК – О.О.].

- Существует ли некий «рецепт успеха»?

— Я глубоко убеждена, что лучший рецепт – работать с профессионалами, пусть даже это и молодые исполнители. В нашей стране не так много «взрослых» (не студенческих) коллективов формата камерный хор – вокальный ансамбль, в составе которого только профессиональные хормейстеры, где каждый может исполнять солирующую партию. Когда имеешь дело с такими музыкантами, коллектив развивается, и его начинают замечать.

- С какими трудностями сталкивается дирижер, создающий коллектив с нуля?

— Прежде, чем все состоится, на руководителя сваливается огромная координационная работа: нужно найти место для репетиции, найти удобное время, всех заинтересовать. Нам повезло: музыкальная школа имени С. С. Прокофьева выделила время и место на постоянной основе, за что я хочу выразить огромную благодарность руководству школы и лично директору Алине Семеновне Цодоковой.

А так, думаю, нет универсального способа развития коллектива, каждый выживает, как может. Безусловно, нужны поездки, и это упирается в финансовый вопрос. Нужно завоевывать себе имя в Москве. А дальше уже держать планку.

- Каким ты видишь будущее ансамбля?

- Живое исполнение никогда не бывает однозначным, оно всегда – поиск. Когда снисходит вдохновение – это чувствуют все. Хотелось бы, чтобы в нашем ансамбле всегда было именно так. Что касается целей, наверное, они такие же, как и у всех коллективов – исполнение шедевров мировой музыки в отличных залах.

Если же мыслить глобально, то хочется, чтобы наш коллектив был мультифункционален и стал одним из образцов качественного современного певческого искусства. При этом, мне кажется, важно сломать стереотип исполнения сочинения, написанного для симфонического оркестра и хора, только очень большими хорами. Качество далеко не всегда зависит от количества участников.

А ближайшие планы?

— Наш ближайший концерт – 6 декабря в Евангелическо-лютеранском Кафедральном соборе святых Петра и Павла на Китай-городе. Мы поем большую программу, которая включает сочинения от Баха до наших дней. Прозвучат и Бриттен, и Пуленк, и Мессиан… Особенно интересным, если все удастся, будет окончание концерта – мы исполним «Lux aurumque» нашего современника, композитора Эрика Уитакера. Сочинение было «бомбой» интернета: его исполнил виртуальный хор из трех тысяч голосов. С нами выступит органистка Мария Черепанова, лауреат международных конкурсов, которая, несомненно, очень украсит этот концерт!

Беседовала Ольга Ординарцева,
выпускница МГК

Конкурс имени Чайковского в год Чайковского

№ 6 (149), сентябрь 2015

С 15 июня по 2 июля в Москве и Санкт-Петербурге проходил XV Международный конкурс имени П. И. Чайковского. С тех пор, как в 2011 г. Оргкомитет возглавил Валерий Гергиев, состязания разделились на два города. На этот раз в Москве соревновались пианисты и скрипачи, а в Санкт-Петербурге – виолончелисты и вокалисты. В распоряжении участников оказалось наибольшее количество лучших столичных площадок: Большой и Малый залы Московской консерватории, Концертный зал им. П. И. Чайковского, Большой и Малый залы Санкт-Петебрургской филармонии, Концертный зал «Мариинский-3», Зал им. М. П. Мусоргского «Мариинки-2». Еще один рекорд конкурс установил на Интернет-канале классической музыки medici.tv, превосходно организовавшем трансляции прослушиваний: более шести миллионов просмотров и более одного миллиона уникальных пользователей из 179 стран.

Учитывая внимание, прикованное к этому событию во всем мире, особенно приятно, что среди нынешних лауреатов – шесть выпусников  Московской консерватории: Дмитрий Маслеев и Лукас Генюшас (фортепиано), Гайк Казазян и Павел Милюков (скрипка), Александр Рамм и Александр Бузлов (виолончель). И хотя обладателем Гран-при в этот раз стал певец из Монголии Ганбаатар Ариунбаатар, победителем в номинации «фортепиано», исконно вызывающей наибольший интерес слушателей, был назван молодой музыкант, окончивший Московскую консерваторию в классе профессора М. С. Петухова, – Дмитрий Маслеев. Публикацией материалов о московской части конкурса мы открываем тему, которая, надеемся, будет продолжена.

Лукас Генюшас

Каждый конкурс – это победы и поражения, неожиданные откровения и досадные промахи, но какие бы переживания его не сопровождали, это невероятный праздник Музыки. И в этот раз особенно ярким он был в номинации «фортепиано». Еще на предварительных прослушиваниях стало ясно, что впереди предстоит нешуточная битва, главным победителем которой станут… слушатели. На протяжении почти трех недель каждый день в Большом зале Московской консерватории, где соревновались пианисты, был аншлаг.

Перед авторитетным жюри, в котором работали Дмитрий Башкиров, Мишель Берофф, Борис Березовский, Сергей Доренский, Питер Донохоу, Владимир Овчинников, Клаус Хельвиг, Мартин Энгстрем, Барри Дуглас, Владимир Фельцман, Денис Мацуев и Александр Торадзе, стоял нелегкий выбор. Благодаря плюрализму их мнений в финал вышли настолько яркие музыканты, что интрига – кто же из них жюри объявит победителем – сохранялась до самого конца. Окончательное решени было неожиданным и ожидаемым одновременно: V и VI премии не были присуждены, IV премию получил Люка Дебарг (открытие конкурса), III премию и Бронзовую медаль разделили Сергей Редькин и  Даниил Харитонов; Лукас Генюшас и Джордж Ли удостоились II премии и Серебряной медали, а победителем конкурса, обладателем Золотой медали стал выпускник Московской консерватории Дмитрий Маслеев.

Дмитрий Маслеев

Пианисты, выступающие на конкурсе Чайковского, – заведомо сильные, прошедшие отбор, музыканты, а дух соревнования до предела мобилизует творческий потенциал. Поэтому в каждом туре были выступления, которые заставляли по-особому замереть, застыть и просто плыть на волне музыки. В I туре самое яркое впечатление, несомненно, произвела игра Андрея Коробейникова. Это не было конкурсной игрой, это был скорее манифест, полет духа вне каких-либо рамок – и это было по-настоящему захватывающе. Коробейников не прошел во второй тур, но Ариетту из Тридцать второй сонаты Бетховена в его исполнении невозможно слушать без трепета даже сейчас, в записи… И, хотя на первом туре было еще очень сложно делать какие-либо выводы – в этот раз конкурс не подарил ярко выраженного фаворита с самого начала, – особенно жаль было не услышать во втором туре Юрия Фаворина, Андрея Гугнина и Динару Клинтон.

Второй тур, безусловно, стал «туром Дебарга». Да, ему не хватит опыта на два концерта в III туре, да, к его исполнению – как и к любому – можно придраться. Но обо всем этом сразу забываешь, как толькоэтот высокий, застенчиво улыбающийся юноша садится за рояль и сливается с ним в единое целое. Это не игра, это не исполнение – это волшебство, звучащая мысль души. И уже не важны объективные рассуждения и анализ деталей – нужно просто слушать, слушать сердцем. Люка Дебарг – обладатель приза Ассоциации музыкальных критиков Москвы, любимец публики, даст в новом сезоне несколько концертов в Москве, но билеты на них были раскуплены еще в начале августа.

И самым неожиданным, пожалуй, был финал конкурса. IIIтур – этап и морально, и физически самый сложный для музыкантов: сыграть два концерта с оркестром подряд в принципе нелегко. Да еще и с одной стороны – полшага до пьедестала, а с другой – усталость и напряжение, превышающие все возможные пределы. Бесспорно блестяще выступили Лукас Генюшас, Джордж Ли, Сергей Редькин. Немного не хватило пока глубины исполнения самому юному участнику конкурса – Даниилу Харитонову и опыта игры с оркестром – Люке Дебаргу. Но когда на сцену вышел Дмитрий Маслеев, завершавший волей жребия все туры, и зазвучал Третий концерт Прокофьева, в голове отчетливо промелькнуло – вот она, Первая премия. Очень тонка грань между исполнением музыки и любованием в музыке собой, многим сложно остаться на стороне искусства, а не ремесла, но Маслеев – тот музыкант, который исполняет, а не трудится, дарит радость от музыки, а не восхищение собой.

Решение жюри – это всегда сложный и неоднозначный выбор, но результат конкурса был заслужен и справедлив.

Ольга Ординарцева

Гайк Казазян

Традиционно хорошо показала себя московская скрипичная школа, представленная выпускниками и студентами Московской консерватории в классах профессоров Эдуарда Грача (Гайк Казазян, Игорь Хухуа и Сергей Поспелов), Владимира Иванова (Павел Милюков и Елена Корженевич) и Сергея Гиршенко (Тихон Лукьяненко и Степан Стариков), Александра Винницкого (Леонид Железный). В некотором роде разочарованием стало выступление единственной выпускницы Санкт-Петербургской консерватории Любови Стекольщиковой, которую сняли еще с I тура. Участники из Японии, Южной Кореи и Тайваня, вступившие в борьбу за награды, хотя и имели поддержку азиатской диаспоры, не всегда были на высоте.

Разумеется, как и на любом конкурсе, публика оказалась разочарована некоторыми решениями жюри. Система распределения мест дала неожиданные даже для самих членов жюри результаты, оставив первую премию уже который раз подряд не присужденной.

Однако поговорить хочется о двух музыкантах, с которыми у меня связаны наиболее яркие воспоминания конкурса. Это Павел Милюков и Гайк Казазян, разделившие (вместе с Александрой Конуновой из Молдавии) III премию. Я отметил их с самого начала по многим причинам: благодаря качеству исполнения, демонстрации разных граней таланта и выбору сочинений.

Еще на первом туре всем конкурсантам был предложен своего рода тест на мастерство – Чакона d-moll Баха, – который далеко не все из них смогли пройти. Если другие обязательные сочинения (Вальс-скерцо Чайковского, каприсы Паганини) были призваны показать владение технической стороной и «блестящим» концертным стилем, то Чакона требовала зрелости, умения логически выстроить гигантскую конструкцию (почти двадцать минут!), и вместе с тем не забыть про сложные полифонические переплетения. Только Милюков и Казазян исполнили этот шедевр, не оставляя ощущения бесконечности; при этом у них наблюдался совершенно разный подход к барочному стилю.

Павел Милюков

Здесь уместно сделать оговорку: хотя формат конкурса и склонен поощрять следование традициям, слушатели любят индивидуальный, запоминающийся стиль игры (ни в коем случае не следует путать его с актерской игрой и тем более клоунадой). Великих музыкантов прошлого всегда можно узнать буквально с первых секунд записи именно по тому, как по-разному они подходят к одним и тем же сочинениям. С этой точки зрения выступления Милюкова и Казазяна заметно выделяются на фоне остальных. Оба продемонстрировали в разных турах ранее не слышанные в их игре оттенки, в особенности Милюков, раскрывшийся в Скрипичной сонате №7 c-moll Бетховена как лирик. Имея более чем десятилетний опыт концертных выступлений, в финале оба без труда взаимодействовали с оркестром Московской филармонии под руководством Юрия Симонова, которому можно только аплодировать за освоение и репетицию в считанные дни шести концертов.

Самое интересное, на мой взгляд, случилось в выборе программы для вторго тура, в которую оба исполнителя включили сочинения, прямо отсылающи к предыдущему туру. Это третий момент, который обращает на себя внимание, потому что, будем откровенны, в большинстве случаев исполнители не заботятся о сочетаемости произведений в конкурсных программах. Как правило, выбираются «вещи», прочно выученные и уже занявшие свое место в репертуаре – как правило, между ними нет никакой связи. Здесь же в связи с каприсами Паганини, обязательными на первом этапе, Милюков и Казазян, каждый по-своему, выразили отношение к скрипичному гению. Милюков сыграл «Посвящение Паганини» А. Шнитке, как бы в кривом зеркале отражающее каприсы, а Казазян выбрал более нейтральную «Паганиниану» Н. Мильштейна.

Все выше сказанное не означает, что остальные конкурсанты совершенно не понравились. Я бы дал отдельные «утешительные» призы не прошедшим во II тур Елене Корженевич и Леониду Железному за самые проникновенные выступления. Мне показалось, что другие участники финала по сравнению с Милюковым и Казазяном ничем не выделялись. Конечно, юные и красивые музыканты с Востока вызвали симпатии публики, которая даже устремлялась к ним за автографами. Но конкурс Чайковского – не конкурс красоты, оценивать стоит, прежде всего, музыкальную часть исполнения, и только потом – артистическую.

Хотя лауреатам скрипичной номинации и не удалось завоевать Гран-при, все оставшиеся силы они отдали публике на гала-концертах.   

Михаил Кривицкий,
студент
V курса ИТФ

Титий… безупречный?

№ 5 (148), май 2015

Титий — Александр Полковников

Одна из самых эффектных премьер сезона состоялась в апреле в Камерном музыкальном театре имени Б. А. Покровского – «Титий Безупречный», опера в двух действиях Александра Маноцкова на либретто Владимира Мирзоева по одноименной пьесе Максима Курочкина.

Поводом для создания пьесы послужило предложение, поступившее нескольким драматургам от Шекспировского Королевского театра и The Royal Court Theatre, создать в качестве эксперимента такой текст, который содержал бы аллюзии на пьесы Шекспира. Курочкин выбрал самую кровавую шекспировскую трагедию «Тит Андроник» и написал драму о сложных поисках выхода из экзистенциального тупика. «Чтобы понять современную пьесу, требуется определенное усилие», – говорит один из героев «Тития». Усилие требуется и для понимания современной оперы…

Музыкальный материал непривычен и сложен для оперных артистов: «опера в опере» обрамляется фрагментами «реального повествования», в которых использован Sprechgesang и пение хора под аккомпанемент шумов. Полноценное оркестровое звучание появляется только в момент начала представленной на суд героя «пьесы Шекспира». При этом музыкальный пласт оперы многогранен, Маноцков со свойственной ему органичностью и стройностью мысли играет музыкальными техниками и стилями. К примеру, восходящий глас хора «О, Титий Безупречный» отсылает к эпохе барокко, а партия Субурбия напоминает партию героя оперы-буфф, и таких аллюзий и реминисценций можно привести множество. Но каждый отдельно взятый образ внутри спектакля ярко индивидуален, будь то слегка комичная Нерегулярная жена Капитана, абсолютно Безупречный в своих глазах Титий, хитрый и рассудительный Архитектон или нарочито-шутовская до трагичности Порк, жена и шут Тития.

Сцена из спектакля. Нерегулярная жена Капитана — Екатерина Большакова

«Титий Безупречный» не сразу воспринимается как опера, и это не случайно. Музыка здесь – лишь одно звено цепочки тесных взаимосвязей. Огромное количество причудливых смысловых переплетений в литературной основе, математическая выверенность музыкальной ткани и сценографии сплетаются в единый замкнутый мир, во главу которого встает вопрос, так и не решенный ни в опере, ни в пьесе окончательно: «У человечества останется только один враг. И этот враг…».

К сожалению, от третьего после премьеры спектакля, состоявшегося 23 апреля, остались смешанные чувства. Техническая сторона не оставила ожидаемого удовлетворения. Не хватало дикционной четкости, слаженности в совместной декламации, местами ощущался недостаток в насыщенности звучания. Не было ощущения туго натянутой струны, такой, когда в раскаленном воздухе гудит оголенный нерв. Но позволим себе предположить, что такую оперу сложно ровно и с блеском исполнять два вечера подряд.

«Это невозможно понять. Это современная пьеса», – говорит врач-убийца в перерыве «пьесы Шекспира». Современное произведение Маноцкова – шире, чем опера, оно – синтез космических пространств, задиристой иронии и глубокого личного начала.

Эту оперу хочется увидеть еще и еще раз. И пусть ответ на главный вопрос так и не прозвучит, пусть сюжетные ходы пьесы, по словам Маноцокова, представляют собой «доведенное до абсурда представление о “красоте-которая-спасет-мир”», «Титий Безупречный» интересен – своей небезупречностью.

Ольга Ординарцева,
выпускница МГК

Музыкальный вечер в честь Королевы

№ 2 (145), февраль 2015

Концертный зал имени П. И. Чайковского полон… Вечер открывает редко звучащая в Москве «Траурная музыка для королевы Марии» Генри Пёрселла. На сцене – Московский камерный хор под управлением Владимира Минина; инструментальный ансамбль Российского национального оркестра (Владислав Лаврик и Константин Григорьев – трубы, Иван Ирхин и Александр Нянькин – тромбоны, Александр Суворов – литавры); за органом – Марианна Высоцкая. Дирижер дает ауфтакт, и неторопливым шагом марша начинается движение траурной музыки: «Для королевы»…

В самом начале нового года музыкальный мир постигла невосполнимая утрата: не стало Королевы вокального искусства – великой певицы Елены Васильевны Образцовой. Многие десятилетия Владимира Минина и Елену Образцову связывали теплые дружеские отношения. И концерт Камерного хора в Московской филармонии 3 февраля под заголовком «В такт времени…» – дань маэстро памяти Примадонны.

«Музыка! Любовь моя! Сколько духовности в этом понятии! Как нужно беречь и взращивать любой росток любви, как надо оберегать ее», – в этих словах Елены Васильевны – вся Образцова. Ее творческий путь – это блестящие победы и мировое признание. Ее репертуар – ведущие оперные партии, классические и современные. Ее сцены – наш Большой театр и миланский «Ла Скала», нью-йоркский «Метрополитен-Опера» и лондонский «Ковент-Гарден». Ее обожали и ей поклонялись великие музыканты и простые слушатели всех континентов. Но все, кому выпало счастье общаться с Еленой Васильевной: ее родные и друзья, коллеги и ученики, – помнят не только непревзойденное мастерство певицы и феерические спектакли, но и живое человеческое тепло.

Фото Ирины Шымчак

«Был такой случай, который характеризует Елену Васильевну как замечательного человека, – вспоминает Владимир Минин. – В 1982 году у нас был десятилетний юбилей, и в концерте должна была участвовать Образцова. Накануне вечером мне позвонили, и сказали, что она попала в больницу. Расстройству моему не было предела – как же, столько готовились, столько мечтали! Уже на концерте, повернувшись к публике на поклон, я увидел в дверях директора зала В. Е. Захарова, который машет рукой: “Все в порядке! Не беспокойся!”. И… на сцену выходит Елена Васильевна. Мы спели все, что полагалось, и после концерта я ее спрашиваю: “Леночка, как же ты?” Она говорит: “Я убежала из-под капельницы, потому что я дала тебе слово, и я не могу его не выполнить”. Вот это – человек! Вот это – поступок! Это не слова, а это Поступок настоящего Человека»…

В «Траурной музыке для королевы» Пёрселла, открывшей концерт-посвящение, заключены сила и глубина. Чередование строгих медных тембров с мощью органа и «колокольным», полетным звучанием хора оставляет в душе не грусть трагической утраты, а торжество и величие духа. Слушатели ощущают в ней не смерть, а переход в мир иной, жизнь вечную.

Фото Ирины Шымчак

Затем прозвучали сочинения композитора, чье творчество занимало особое место в жизни В. Минина и Е. Образцовой – «Возвращение солдата» и «Честная бедность» Георгия Свиридова (из цикла на стихи Р. Бёрнса) в исполнении Павла Червинского (бас) и Анны Коржавиной (фортепиано). «Я поняла, что петь свиридовскую музыку очень трудно, – рассказывает Образцова о своей работе с композитором. – На вид это очень простая музыка, но простота ее обманчива. Народная распевность сочетается с изысканностью. То это утонченный Блок, то это гибельная удаль, широта и нежность Есенина, то это Тютчев, каждое слово которого, как говорит Свиридов, не пуд, а гора»…

И только в финале первого отделения в программу концерта проникает безмерная грусть. Адажио для струнных Сэмюэля Барбера в редакции С. Анаш-кина для смешанного хора a’cappella под управлением Минина рвет душу непреодолимой скорбью прощания навечно. Звучание хора взрывается всплесками стона то у одной, то у другой партии – без слов. И льется, гудит звук человеческих голосов, наполненных бархатом скрипично-виолончельной кантилены…

Во втором отделении Хор Минина, Российский национальный оркестр под управлением Дмитрия Лисса и солисты – Алина Яровая (сопрано), Максим Пастер (тенор), Михаил Казаков (бас) – исполнили «Колокола» Рахманинова. Это сочинение не случайно завершало концерт памяти Образцовой. В нем – вся жизнь, вся боль и радость человеческого бытия, глубина и страстность, которыми отмечено творчество и самой Елены Васильевны. Можно вспомнить ее слова: «А если говорить о героях Рахманинова – это натуры страстные, порывистые, умеющие любить глубоко и жертвенно. Натуры, которые сильно чувствуют каждое мгновение жизни. Чувствуют радость бытия. И хотя Рахманинов рассказывает не только о счастливых мгновениях, но и тяжелых, одиноких, его герои живут и чувствуют сиюминутно. И это мне очень дорого. Я лирик по натуре. И Рахманинов утоляет мою тоску по лиризму».

Фото Ирины Шымчак

Симфоническая поэма для хора «Колокола» сегодня звучит не часто со сцены концертных залов, это очень непростая для исполнения партитура. Она написана для расширенного оркестрового состава, и, конечно, требует большого хора. Возможно, поэтому местами хотелось немного убавить инструментальное звучание: оркестра было так «много», что, казалось, зал вибрировал от набатного звона. Но и такая трактовка произведения была уместной, особенно в этот вечер. В интерпретации Д. Лисса «Колокола» предстали как огромное художественное полотно, на котором выразительный акцент был сосредоточен лишь на крупных деталях. Так, запомнилось соло сопрано в номере «Слышишь к свадьбе звон святой» или хоровые эпизоды в «Слышишь, воющий набат». Но самой глубокой по музыкальному наполнению была, пожалуй, кульминационная финальная часть поэмы «Похоронный слышен звон»…

Публика очень долго не отпускала музыкантов со сцены. И это были не просто аплодисменты в благодарность мастерству исполнителей. Это была дань великой певице, которая в этот вечер незримо присутствовала в зале…

Ольга Ординарцева,
выпускница МГК

Американский драйв на русской сцене

№ 9 (143), декабрь 2014

Свой абонементный сезон Московский государственный академический камерный хор (художественный руководитель и главный дирижер – Владимир Минин) 23 октября открыл с блеском: на сцене Концертного зала имени П. И. Чайковского при участии ГАСО имени Е. Ф. Светланова опера Джорджа Гершвина «Порги и Бесс» впервые в России прозвучала в концертной версии Эндрю Литтона.

В концертном зале филармонии практически нет свободных мест – не так часто опера Гершвина звучит в Москве. Владимир Минин рассказывает: «Я помню, после войны, в пятидесятые годы, “Порги и Бесс” привозила “Эвримен-опера” – труппа, которая состояла из одних афроамериканцев. Она возила эту постановку по всему миру и, конечно, там было отлажено все до последней ноты».

Почему именно «Порги и Бесс» – сейчас, в России? «Это нужно, для того чтобы не вариться все время в одних и тех же интонациях, одних и тех же стилистических нормах», – подчеркивает В. Минин. И никакие барьеры, трудности не должны и не могут мешать интеркультурному диалогу: специально для премьеры концертной версии оперы были приглашены дирижер Уэйн Маршалл (Великобритания), солисты Индира Мэйан (сопрано, США), Анджела Рене Симпсон (меццо-сопрано, США), Рональд Самм (тенор, Великобритания), Кевин Шорт (бас-баритон, США).

Стильный, выдержанный в черно-белых тонах буклет. На обложке – зарево заката у городских окраин. 16 номеров на одном дыхании – классически выдержанное и одновременно раскрепощенно-яркое исполнение. Особенно радует хор. «В этом сезоне коллектив пополнился молодыми талантливыми артистами, – поясняет руководитель, – и в “Порги и Бесс”, опере “народной” для американской земли, наш хор звучит настолько стилистически органично, что его зажигательная энергия не уступает солистам!»

Одним из ярчайших впечатлений стал Кевин Шорт – лучший, по мнению мировой критики, исполнитель партии Порги. Сочетание бархатного тембра голоса с глубоким внутренним прочтением образа никого не могло оставить равнодушным. Для Рональда Самма бесспорным триумфом стала известная песня Спортинг-Лайфа «It Ain’t Necessarily So». Долгое время после концерта она не отпускала, все звучала в ушах с теми же интонациями, с тем же драйвом.

И, конечно, важным действующим лицом стал дирижер Уэйн Маршалл. Свой выход к публике он обставил очень эффектно – преподнес ей неожиданный сюрприз в виде яркого органного соло. И затем провел весь спектакль на одном дыхании вплоть до финальных аплодисментов, буквально завораживая зрителей своей экспрессией.

Для диалога двух культур нет и не может быть преград. Но только от чистого творческого порыва рождается искусство.

Ольга Ординарцева,
выпускница МГК
Фото Аллы Четвериковой

Open opera

№ 7 (141), октябрь 2014

Евгений Гулюгин

Современный музыкальный театр – явление неоднозначное. Легко переборщить, заигравшись с иносказанием или упростить идею банальным воплощением. Но так или иначе, будущее современного театра в руках тех молодых людей, которые сейчас только постигают азы мастерства. Камерный музыкальный театр имени Б. А. Покровского позволил слушателям приоткрыть завесу будущего и познакомиться с молодыми именами: с 16 по 22 сентября в помещении театра безраздельно царила OPEN OPERA

Уникальный в своем роде экспериментальный проект Театра имени Покровского включал не только три спектакля (камерная опера «Бедные люди», музыкально-литературная композиция «Легкое дыхание» и вокально-пластический спектакль «В память той невстречи»), но также лекции и тренинги самой различной тематики. Задействовано было все – репетиционные залы, фойе, сцена. Реализация всех событий Open Opera, включая исполнение и художественное оформление, легла на плечи молодых талантов, для многих из которых эта теплая сентябрьская неделя стала первым «взрослым» выходом в театральное пространство.

«Кто боится режиссерской оперы?» – такое актуальное для реалий музыкального театра заглавие носила лекция молодого театроведа, выпускника ГИТИСа Вячеслава Уварова. В более чем двухчасовой беседе затрагивались острые вопросы современного музыкального театра: режиссерские концепции и зрительское восприятие. Подобную дискуссию можно было бы продолжать гораздо дольше, поставить точку в ней невозможно, но даже за этот короткий период в эмоциональном монологе Уварова каждый мог как найти для себя какие-то ответы, так и задаться новыми вопросами.

Валерия Климова. Фото Игоря Захаркина

Запомнился и оригинальный мастер-класс по сценическому фехтованию. Дружная команда мастеров Combat Art Team всего за пару часов не только провела краткий экскурс в его историю, но и на практике преподала всем заинтересовавшимся зрителям азы этого непростого искусства – к концу занятия даже удалось разыграть небольшие дуэли!

Зрителей, пришедших на открытие 16 сентября, ожидал необычный вечер: он вобрал в себя и презентацию Open Opera, и посвящение 70-летию со дня рождения композитора Глеба Седельникова (1944–2012), и новую постановку его камерной оперы. «Ничего подобного здесь еще не было», – подчеркнула руководитель литературно-драматической части театра Наталия Сурнина в своем вступительном слове.

В первом отделении, вниманию публики было представлено разноплановое творчество Г. Седельникова – композитора и поэта. Он сочинял стихи под поэтическим псевдонимом Валентин Загорянский. Перед началом вечера каждому зрителю был подарен сборник «Дождь кратковременный». Открывающий его двойной акростих, кажется, лучше всего словесно описывает творческий облик художника – светлый, вдохновенный, волшебный:

Вдохновение, заиграЙ!
вАрварское, закружИсь!
воЛнением затеньКай!
велЕнием заручиСь!
вольНодумием зНаменуйся!
возмуТи застоЯвшееся!
возбудИ задуРманенное!
воскресНи зОвом!
возроди ЗаГубленное!
вознеси зАвещанное!
возведи ЗаГаданное!
воздвигНи зОвущее!
вразумИ замоРоченное!
восхиТи засмеЯвшееся!
весеНнее, зазвеНевшее!
видЕние, задержиСь!
воЛшебное, засверКай!
вАмпирами заполонИсь!
Восторгами заколдуЙ!..

Душевно рассказывал о Седельникове известный певец Сергей Яковенко. Щемящее чувство утраты вызывал короткий фильм о композиторе. Как яркий синтез искусств звучал вокальный цикл «12 прелюдий для голоса и фортепиано на стихи В. Хлебникова» в исполнении Владлены Самоваровой (сопрано) и Даниила Кириллова (фортепиано): костюмы Веры Мухиной для альбома «Искусство в быту» реконструировала специально для этого исполнения Анна Колейчук, визуализационный ряд был создан из конструктивных арт-объектов Дмитрия Колейчука. Фрагмент электронной музыки к МХАТовскому спектаклю «Преступление и наказание» предвосхитил второе отделение, отданное камерной опере композитора также по Достоевскому.

«Бедные люди» – первое крупное произведение Г.Седельникова по одноименному роману, тоже первому на творческом пути великого писателя. Оба сочинения принесли своим молодым авторам известность. И, наверное, закономерно, что именно «Бедные люди» (режиссер-постановщик Наталья Анастасьева-Лайнер) были выбраны первым спектаклем молодежной недели. Хотя музыка оперы и предельно прозрачная сценография предъявляли к исполнителям серьезные требования, молодые певцы-актеры и музыканты сопровождения уверенно справились с поставленными задачами. Валерия Климова (Варвара Доброселова) и Ержан Кулумбетов (Макар Девушкин) из ГИТИСа были по-достоевски выразительны и трогательны, а квартет студентов из «Гнесинки» под управлением Софьи Аверченковой надежно поддерживал монологи героев, «договаривая» не вошедшее в либретто слово писателя…

Проект Open Opera, конечно, нельзя назвать развлекательным. Он заставил и зрителей, и участников действия лишний раз задуматься о будущем музыкального театра и порадовал надеждой, что молодые, неравнодушные таланты сегодня активно ищут новые пути, не теряя Истинного Искусства.

Ольга Ординарцева,
выпускница МГК

«Лазаре, гряди вон!»

№ 5 (139), май 2014

Одним из самых сильных театральных впечатлений за последнее время стала постановка в Камерном музыкальном театре имени Б. А. Покровского религиозной драмы Шуберта-Денисова «Лазарь, или Торжество Воскрешения». Премьера состоялась в Лазареву субботу, 12 апреля. Партитура, воскресшая, подобно своему герою, обрела место на сцене ведущего музыкального театра России.

Знакомство зрителей с «Лазарем» началось за несколько дней до первого спектакля. Пока на сцене продолжались репетиции, отглаживались последние штрихи, в театре в тесном кругу состоялась первая встреча из цикла «Премьера: инструкция по применению». На протяжении почти двух часов вдова Эдисона Денисова, доктор искусствоведения Екатерина Купровская-Денисова рассказывала о творчестве мужа, о значении музыки Шуберта в его жизни, о работе над «Лазарем». Включенные для демонстрации отрывки драмы только подогревали ожидание премьеры. И вот, наконец, открылись двери зала…

Как и в партитуре, действие разделено на три части, с двумя антрактами. В начале каждого акта дирижер медленно выходит на авансцену в сопровождении мальчика в белых одеждах, зачитывает отрывок Евангелия и в звенящей тишине опускается в оркестровую яму. И сцена озаряется светом…

Аскетичный уклад раннехристианской эпохи и сразу – контраст: легкие воздушные покрывала (одежда героев, драпировки сценического пространства) и приземленность каменных столпов. Этот контраст охватывает весь спектакль: между Лазарем, умирающим с верой и успокоением, и Симоном, живущим в вечном страхе смертного ада; между кроткой Марией и страстной Марфой; между смертью (в словах) — и вечным светом (в музыке). Но за антитезой нельзя не услышать полного, единоличного абсолюта веры, который уничтожает сомнения, льется со всех сторон зала мощным хоровым звучанием.

Постановщики – дирижер Геннадий Рождественский, режиссер Игорь Меркулов и художник Станислав Бенедиктов – воплотили драму также деликатно и тонко, как Эдисон Денисов дописал «Лазаря» Шуберта. Сценический образ органично дополняет музыку, такую воздушную и проникновенную, такую единую в своей сути, несмотря на разделяющие «соавторов» века. И пусть разговор о смерти и скупость внешнего облика не обманет зрителя. «Воскрешение Лазаря» в театре Покровского – воистину торжество! Торжество Света.

Ольга Ординарцева
Фото Ильи Кононова

И снова бал!

№ 5 (139), май 2014

Вальс за вальсом, нежные переливы подсветки, дорические колонны, увитые цветами… 24 апреля 2014 года Московская консерватория распахнула свои двери навстречу второму Весеннему балу. Первый (см. «Трибуну» 2013, № 4) был ярким событием, его отголоски долго звучали в душе участников. И теперь с полным правом можно сказать – Весенний бал стал традицией!

За час до события гостей встречала уютная атмосфера нарядного зала, бокал шампанского – в лучших традициях светских раутов – и, конечно, музыка. Под нежные звуки арфы и флейты фойе Большого зала постепенно наполнялось разговорами, шуршанием бальных платьев всевозможных фасонов… Но вот пробил назначенный час, и ведущие вечер – студенты консерватории Яна Межинская и Кирилл Золочевский – объявили начало.

Самая ответственная часть любого бала – церемония открытия, парадный выход нескольких десятков пар дебютантов. Истоки традиции можно найти в Великобритании XVII века, но по сей день уникальная последовательность танцевальных рисунков во главе с вальсом создает неповторимую атмосферу. По парадным лестницам Большого зала, с двух сторон спускаются торжественные пары, дамы в белоснежных платьях и их безукоризненные кавалеры. В этот раз среди них – как первокурсники консерватории, так и студенты лучших московских вузов – 28 пар грациозно двигаются под звуки Полонеза из «Евгения Онегина», исполняемого оркестром оперного театра Московской консерватории под управлением А. Петухова.

Вся первая часть представляла собой чередование классических танцев: вальс, полонез, французская кадриль, полька, падеграс. Танцевали все – и студенты, и профессора. Четкую слаженность задавала распорядитель бала, доцент Московской академии хореографии, балетмейстер Российского Дворянского собрания Т. Докукина. Она мастерски дирижировала происходящим, показывая и подсказывая в трудные моменты, а первыми парами неизменно были студенты консерватории. Голова кружилась от смены фигур и партнеров, а сил становилось все больше.

Неожиданно в вихрь европейских экосезов ворвалась протяжная русская песня, вовлекая дам и кавалеров в хоровод – так ансамбль кафедры хорового народного пения РАМ им Гнесиных задорно и весело подытожил первую часть вечера. После восстановления сил на фуршете, гости вернулись в фойе, где уже царил новый тембр — Брасс-ансамбль Московской консерватории под управлением Я. Белякова. Затем пошла современная часть, которая значительно отличалась от классической, но сохраняла тот же торжественный настрой праздника, добавив в него еще больше зажигательности. Вновь отличились студенты-музыканты, и снова на нестандартном, казалось бы, для себя поприще, блестяще исполнив попурри из латиноамериканских танцев.

Говоря о сказке, невозможно не сказать о волшебниках, которые ее создали. Главная заслуга вновь лежала на плечах авторов идеи – Р. Острикова и Я. Кабалевской. И конечно, какой же бал без учителя танцев? Танцмейстеры А. Рахманова и Т. Докукина помогли всем участникам как следует подготовиться к балу.

Еще в начале вечера к гостям обратился ректор А. С. Соколов: «Где, как не в Московской консерватории может найти свое продолжение культура бала! Год назад мы с некоторым изумлением смотрели друг на друга, но сегодня встречаемся второй раз и видим, что это уже традиция. Наш бал имеет собственное лицо: именно в Московской консерватории он должен проходить под живую музыку. Сама структура бала, которая плавно перетекает из классики, академических бальных танцев в современные – это замечательная гармония, которую мы сразу нашли и сохраняем». А затем озвучил и главный сюрприз: «Столица бала – Вена – заметила наши начинания, и в следующем году, 5 февраля 2015 года, в знаменитой резиденции австрийских императоров Хофбург пройдет Русский бал, организуемый при участии Московской консерватории. После сегодняшнего праздника нам наверняка захочется поразить воображение Вены, которая видела многое!»

Ольга Ординарцева
Фото Дениса Рылова