№5 (175), май 2018

Химик забывает о пробирках, математик оставляет в стороне числа – и все они встречаются на одной сцене. 6 мая в Большом зале состоялся гала-концерт III Всероссийского фестиваля классической музыки Musica Integral, созданного творческой командой МГУ. В рамках фестиваля в течение двух недель состоялось шесть мастер-классов и десять концертов в крупнейших вузах Москвы (МГУ им. М.В.  Ломоносова, ВГИК им. С.А. Герасимова, МАРХИ), а также в отделах Государственного литературного музея (Дом-музей А.П. Чехова и Дом-музей И.С.  Остроухова). На сцене БЗК выступил оркестр Ассоциации студенческих клубов классической музыки под руководством Алексея Богорада, а также солисты: Елена Корженевич (скрипка), Екатерина Мечетина (фортепиано), Александр Рамм (виолончель), Гайк Казазян (скрипка), Игорь Федоров (кларнет).

«Многие из нас когда-то учились в музыкальных школах. Кто-то выбрал музыку своей основной профессией и поступил в консерваторию, а кто-то пошел другим жизненным путем. Но это не повод откладывать инструмент и забывать свои уникальные музыкальные навыки!», – считают организаторы фестиваля. Уникальностью этого проекта является тот факт, что наряду с профессиональными музыкантами на одной сцене выступают музыканты-любители, студенты разных профессий. За все время существования фестиваля в нем приняли студенты более      350 образовательных учреждений России и западных стран. В этом году Musica Integral стартовал уже в третий раз. В промежутке между концертами я встретилась с главными организаторами фестиваля – Борисом Жилинским и Варварой Ермолаевой:

– Musica Integral – проект, созданный в результате деятельности вашей же организации – Ассоциации студенческих клубов классической музыки. В чем ее идея?

Борис: Идея Ассоциации в том, что в каждом вузе нашей страны должен быть создан клуб классической музыки – своего рода ячейка большой системы. В нем организуются мероприятия, мастер-классы, концерты для студентов конкретного вуза. Ассоциация клубов ежегодно проводит фестиваль, куда приезжают участники различных учебных заведений. У себя в регионах они проводят такие же фестивали – региональные, городские, межвузовские. Подобная Ассоциация была создана по аналогии с Ассоциацией студенческих спортивных клубов, к которой я когда-то имел отношение. Основываясь на опыте наших спортивных коллег, мы начали искать, кто поддержит нашу инициативу. На наше предложение с большой теплотой и открытостью откликнулась Екатерина Васильевна Мечетина. В 2015 году на Совете по культуре она представила наш проект президенту В.В. Путину, и он его одобрил. А уже в следующем году мы зарегистрировали межрегиональную молодежную общественную организацию.

– Расскажите немного о вашем Клубе классической музыки.

Борис: В нашем университете есть много студентов, которые помимо своей специальности, владеют каким-либо музыкальным инструментом. Например, когда я учился на третьем курсе физического факультета МГУ, то в это же время поступил в Академическое музыкальное училище при консерватории. Долгое время наши ребята не могли выступить вместе – не было сообщества, которое бы их объединило. Однажды я услышал фортепианные звуки, которые доносились из музея физического факультета. И 16 сентября 2011 года там же состоялся первый концерт, который проводится теперь каждую последнюю пятницу месяца. Приятно, что директор музея, профессор кафедры колебаний Игорь Васильевич Иванов, согласился помочь с организацией.

– В этом году фестиваль Musica Integral прошел более чем успешно. А каким был второй фестиваль?

Борис: Именно тогда мы придумали формат выступления – оркестр и несколько солистов. Один из них известный музыкант, другой – любитель. Студенты не просто выступают на сцене Большого зала, они играют соло вместе с лауреатами конкурса Чайковского. Все студенты полны огромного энтузиазма. Это потрясающие люди, которые готовы пожертвовать своим временем во имя распространения и развития музыки среди непрофессиональной молодежи.

Варвара: В прошлом году у нас выработалась двухнедельная программа, в течение которой в дополнение к основным концертам на площадках Государственного литературного музея проходят концерты студентов консерватории и мастер-классы для участников фестиваля. А преподаватели из консерватории занимаются с ребятами-любителями из других городов.

– На эмблеме фестиваля – скрипичный ключ и, одновременно, математический знак. Как родилось это сочетание?

Борис: Мы увидели, что в скрипичном ключе есть интеграл. Никто этого раньше не замечал, и мы решили, что это интересная «изюминка». Это только подчеркнуло сущность нашего объединения. Автоматически вместе с эмблемой возникло и название. Вообще, аббревиатура представляет собой ноту ми (MI).

Варвара: Если внимательно вглядеться в логотип, то можно увидеть слово «МЫ». Musica Integral мы расшифровываем как «музыка объединяет».

– В оркестре Ассоциации студенческих клубов классической музыки играют люди самых разных профессий. Каких, например?

Борис: Как правило, там участвуют ребята технических специальностей: физики, математики. У нас также есть юристы, философы, лингвисты, архитекторы, театроведы. Много звукорежиссеров из ВГИКа.

Варвара: Например, на нашем фестивале исполнялась музыка Давида Петросяна, практикующего нейрохирурга, недавнего выпускника факультета фундаментальной медицины МГУ.

– Приятно, что на фестивале много задействовано студентов Московской консерватории, которые в ходе программы дают и сольные концерты.

Борис: В свое время был заключен договор о содружестве МГУ и Московской консерватории, в рамках которого мы и начали свой проект. Кстати, помимо Е.В. Мечетиной попечителем нашей Ассоциации является ректор МГК, профессор А.С. Соколов. В консерватории учились наши друзья из музыкальных школ, и мы позвали их играть вместе.

Варвара: Да, но из профессионалов участвуют не только студенты консерватории. Это студенты и РАМ имени Гнесиных, и Государственного музыкально-педагогического института имени Ипполитова-Иванова, и Государственной классической академии имени Маймонида…

Борис: Мы всем рады!

– Есть ли у вас в планах другие совместные проекты с Московской консерваторией?

Борис: Сейчас мы параллельно занимаемся театрально-сценической постановкой «Времен года» Антонио Вивальди, где участвует много студентов МГК. Но это студенческая инициатива, официального сотрудничества пока нет. Конечно, мы вынашиваем еще множество интересных идей, но пока нашим главным проектом остается фестиваль.

Беседовала Алиса Насибулина, II курс ИТФ

№5 (175), май 2018

14 апреля в Мемориальной квартире Святослава Рихтера состоялся очередной концерт из цикла «Годы странствий: Англия – Америка». Без концерта, посвященного музыке поистине культового композитора – Джона Кейджа – такой цикл был бы немыслим. Ведь кто, как не он, философ музыки, совершил переворот не только в композиторском методе. Изобретатель и отчаянный экспериментатор, Кейдж не просто расширил границы понимания, что является музыкой – он их стер.

Входя в уютный и домашний зал квартиры Рихтера, меньше всего ожидаешь услышать музыку Джона Кейджа, которая до сих пор вызывает острые дискуссии. Меньше всего ожидаешь увидеть на сцене… струнный бензобак. Странно: сам зал, казалось бы, не располагает к непривычным электронным звучаниям, препарациям, разнообразным шумам и элементам перформанса. Тем не менее, никакого отторжения не возникло – подобные музыкальные эксперименты органично вписались в пространство музея и образовали цельное художественное явление.

Композитор утверждал: «Музыкой можно назвать абсолютно все. «Немузыки» просто нет». Так, эту установку в полной мере можно было прочувствовать на монографическом концерте-посвящении. Диапазон звучаний в произведениях Кейджа простирался от нежного, классического вокала до омузыкаленного дыхания, шепота, хохота, от привычных звуков акустического рояля до самых необычных электронных. Вступительное слово музыковеда Надежды Игнатьевой и краткий, но информативный экскурс по программе концерта от непосредственного его участника Дмитрия Чеглакова подготовили слушателей к музыке, чьи звуковые вибрации физически ощущались.

Концерт открыли три коротких соло из сборника Songbook: № 17 для голоса с электроникой (Дмитрий Чеглаков), импровизационное соло № 52 «Ария №2» для голоса в исполнении Татьяны Михеевой и соло № 74 для голоса (Дмитрий Чеглаков). Вслед за голосовыми миниатюрами Татьяна Михеева и Полина Николаева продемонстрировали медитативные «Литании для кита». Диалог певиц, перемещающихся в зале, завораживал, словно вводил слушателей в некий транс. Завершило первое отделение исполненное Дмитрием Чеглаковым «Дыхание» с электроникой (Соло № 22 из Songbook), демонстрирующее четыре разных типа дыхания.

Вторая часть концерта представляла собой hommage Кейджу. Прекрасным образным ответом «Литаниям» стало изысканное, тонкое звучание электроакустической композиции «Колыбельная для двух роялей: реального и виртуального» Татьяны Михеевой в ее же исполнении. В неспешно развивающемся диалоге двух инструментов рождалась простая диатоническая мелодия. Неожиданный эффект возник в самом начале произведения: создавалось ощущение, что звук зарождался внутри тебя самого, и лишь впоследствии, появившись в воображении зрителя, переходил к музыканту.

Последний номер программы окончательно поразил тех, кто осмелился досидеть до конца этого необычного концерта. Совместная импровизация Дмитрия Чеглакова (электроника) и Святослава Пономарева (перкуссия) «Очень тихая музыка» напоминала скорее мистическое действо: в полной темноте, с периодическим аккомпанементом дым-машины, музыканты создавали абсолютно неведомые звучания, распознать среди которых электронные и акустические было почти невозможно. После концерта публика разделилась на два лагеря: кто-то уходил в некотором замешательстве, а, возможно, и с радостью, что все закончилось. Но подавляющее большинство с нескрываемым любопытством отправилось изучать весь огромный арсенал перкуссиониста. Музыкант играл не только на представленном в самом начале концерта самодельном струнном бензобаке, но и использовал в качестве ударных и шумовых инструментов самые немыслимые предметы (причем, не все из них получилось идентифицировать): кости, разнообразные молоточки, сантехнические трубы, проволока и многое другое.

Судя по всему, некоторые постоянные слушатели концертов в квартире Рихтера никак не ожидали услышать то, что прозвучало в этот день – многие уходили посередине концерта. Удивительно: Кейдж родился более ста лет назад, но его музыка до сих пор terra incognita, несмотря на давние и многократные попытки исполнителей познакомить русских меломанов с его пьесами. Творчество Кейджа можно любить или не любить (впрочем, последний вариант более распространен). Однако, после знакомства с его сочинениями собственное восприятие музыкального материала неизменно меняется, обнаруживая новые грани понимания такого неоднозначного явления, как музыка.

Кристина Агаронян, IV курс ИТФ

№5 (175), май 2018

27 апреля в Большом зале выдающийся пианист Фредерик Кемпф дал сольный концерт. Название вечера – «20 лет в России» – было выбрано неслучайно. Выступление перед русской публикой для Кемпфа стало особой традицией. Именно в России он приобрел известность, когда в 1998 году на    XI Международном конкурсе имени П.И. Чайковского ему присудили 3-ю премию. Уже тогда в своем интервью он с восторгом восклицал: «В России очень страстная, эмоциональная публика. Чувствуется, что люди понимают музыку. Это прелесть – играть здесь!»

Концерт открылся вступительным словом музыкального критика Артема Варгафтика, который яркой эмоциональной речью подчеркивал степень таланта пианиста. Перед исполнением каждого номера ведущий представлял компактную, но очень емкую и содержательную аннотацию.

Программа включала в себя этюды op. 10 Шопена, этюды-картины op. 39 Рахманинова, а также прелюдию, интермеццо и финал Николая Капустина. Выбор этого композитора – весьма оригинальная находка. Сквозь колоритную, «пряную» джазовую аккордику, импульсивно-огненную ритмику проскальзывали черты шопеновской, а временами и рахманиновской экспрессии. Безусловно, это создавало поразительную слитность в драматургии всего концерта. Особое впечатление произвела прелюдия Капустина, которая в интерпретации Кемпфа звучала подобно музыкальному «полотну», заполненному гаммой многоцветных ассоциаций.

В этюдах Шопена Кемпф продемонстрировал блестящую технику, умение тонко чувствовать художественную задачу пьесы. При этом трактовка образов некоторых этюдов у музыканта индивидуальна. Например, в этюде С-dur Кемпф удивительным образом сочетал торжественную «космическую» высокопарность и мягкую игру, богатую различными нюансами (филигранное выделение басов, снятие педали в некоторых моментах).

В этюде E-dur пианист избрал более подвижный темп, что слегка нарушало сдержанность благородной напевной темы и движущейся фактуры. Превосходно прозвучал также и «Революционный этюд» c-moll в особо трогательном воплощении трагического пафоса. В этюдах-картинах Кемпф с живописной рельефностью воплотил образы рахманиновских музыкальных «фресок». А в «Чайке» картину моря с жалобными птичьими криками пианист передал удивительно трепетными интонациями.

На бис Фридерик Кемпф исполнил вторую часть «Патетической» сонаты Бетховена в манере, близкой этюду E-dur Шопена. Философская созерцательность мгновенно сменялась легкой взволнованной кантиленой.

Несомненно, каждое выступление английского пианиста является знаковым событием в концертной жизни России. К сожалению, в этот раз публики было не так много. Трудно сказать, с чем это связано – возможно, с высокими ценами на билеты, возможно, с отсутствием громкой рекламы. Тем не менее, успех концерта был оглушительным. Говоря словами А. Варгафтика, остается лишь пожелать Кемпфу «многих счастливых возвращений в Россию».

Андрей Жданов, I курс ИТФ

№5 (175), май 2018

Музыка, вышедшая в этом учебном году из-под пера молодых консерваторских композиторов, прозвучала 5 мая в зале им. Н.Я. Мясковского. Студенты II курса композиторского факультета представили любителям «чего-то нового» свои произведения. В прошлом сезоне они уже провели подобный концерт в Овальном зале Музея Рубинштейна, и тогда возникла прекрасная идея исполнять «новоиспеченную» музыку каждый год. Ребята показывали недавно написанные сочинения как самостоятельно, так и с помощью своих друзей-музыкантов.

Каждый молодой автор ищет свой стиль. Каждое сочинение требует индивидуального решения. Потому на концерте звучала очень разная музыка: иногда легкая и мелодичная, местами тревожная и настойчивая, где-то таинственная и магическая. В основном это были пьесы для фортепиано: Прелюдия на русскую тему Владимира Такинова, «Пьеса» Кристины Оганесян, «Фантазия» Романа Млодика, «Поэтические картинки» Виктора Корсакова. Виктор Зиновьев представил на концерте «Каденцию» для флейты соло.

Большое разнообразие в концерт внесло исполнение двух контрастных пьес для органа (Вера Петрова). Разными красками переливались обработки русских народных песен («По морю, морю синему» в обработке Петра Дятлова для виолончели и фортепиано), были продемонстрированы необычные тембровые сочетания (в «Плутониаде» для балалайки и тенора Елизаветы Згирской на слова А. Зайцева). Очень энергично прозвучало Flamenco Ынхе Им для ансамбля ударных инструментов и Квинтет для медных духовых Павла Микаеляна.

Некоторые композиторы комментировали свои сочинения. Так, Анастасия Рыкалова рассказала о своих Вариациях для виолончели и фортепиано: «Тему я писала долго, а начиная со второй вариации стало так легко, что, казалось, я не успеваю записывать. Музыка сама привела меня к неожиданному финалу в Fis-dur».

Квинтет для медных духовых инструментов П. Микаеляна находится еще в стадии завершения. По словам самого композитора, выбор инструментального состава объясняется просто – желанием «набить руку» под руководством профессора Ю.С. Каспарова в сочинении для всех групп инструментов (две трубы, валторна, тромбон и туба). Первая часть квинтета была написана осенью прошлого года, вторая в январе нынешнего, а буквально накануне концерта родилась идея третьей части.

Надеюсь, что музыкальные встречи с молодыми авторами, которые способны заинтересовать и порадовать публику своим творчеством, продолжатся и в следующем году.

Антонина Чукаева, II курс, муз. журналистика

№5 (175), май 2018

Театр балета имени Леонида Якобсона – уникальный, первый в России балетный театр, отделившийся от оперной труппы. Мировую известность и славу он получил благодаря непревзойденным миниатюрам балетмейстера, чья творческая свобода и полет фантазии приводили зрителей в неистовый восторг, а автора … на ковер к начальству! «Каждая постановка, словно скандал в благородном семействе!» – кричали критики на всех углах. Труппа состояла в основном из приезжих артистов, прошедших подготовку не в самых ведущих учебных заведениях. А в скором времени в постановках Якобсона стали выступать такие выдающиеся артисты как Майя Плисецкая, Михаил Барышников и другие звезды. И только после смерти Леонида Вениаминовича репертуар театра оживился новыми классическими постановками, первыми из которых стали бессмертные «хиты» балетной сцены – «Лебединое озеро» и «Жизель».

Великий балет Чайковского по-прежнему остается визитной карточкой театра. Премьера «Лебединого озера», обновленного под руководством талантливого театрального художника Вячеслава Окунева, состоялась в июне 2015 года. Постановочная группа очень бережно обошлась с оригиналом, оставив классическую версию хореографии балета, созданную Мариусом Петипа и Львом Ивановым.

Безусловно, все помнят историю «Лебединого озера», разворачивавшуюся на глазах у современников П.И. Чайковского. Дорога к славе проходила не через «усыпанную розами ковровую дорожку», а через кусты колючего терновника. Примечательно, что долгую жизнь спектаклю обеспечила петербургская постановка 1895-го года. И после долгожданного успеха балет был поставлен бесчисленное количество раз на сценах лучших театров всего мира. Кто бы мог подумать, что еще 100 лет назад «высочайшие умы» столицы пускали ядовитые замечания в сторону его хореографии, в том числе обвиняя кордебалет за неуместное размахивание руками!

В нынешнем 49-м сезоне театра имени Якобсона «Лебединое озеро» вновь радует зрителей своей завораживающей атмосферой волшебства. К сожалению, балетная труппа до сих пор не имеет собственной площадки. На этот раз двери для них с радостью распахнула историческая сцена Мариинского театра, одна из немногих сохранившая дух прошлого.

Спектакль 9 апреля прошел на одном дыхании. Бессмертная музыка Петра Ильича в прекрасном исполнении Санкт-Петербургского государственного академического симфонического оркестра (дирижер – Владимир Артемьев) не могла оставить равнодушным даже самого бесчувственного слушателя. А замечательные красочные декорации и костюмы помогли окунуться в мир тевтонских рыцарей и прекрасных дам, сказочных замков и романтических саг.

Восхищение вызвали необыкновенная пластика артистов балета Якобсона и, конечно, их тонкая актерская игра. Только одно перевоплощение Одетты в Одиллию (Алла Бочарова) заслуживает бурных и долгих оваций! Некоторым счастливчикам, сидящим в первых рядах партера, удалось разглядеть и потрясающую мимику танцоров.

Действие балета завораживало и держало зрителей в настоящем напряжении. Разрядка произошла, пожалуй, только в последних тактах – во время звучания столь любимой слушателями элегической темы главной героини. Ее торжественное и мощное «провозглашение» tutti завершило рассказ об истории вечной любви Зигфрида и Одетты.

Немецкий философ Гегель когда-то сказал: «Подлинные бессмертные произведения искусства остаются доступными и доставляют наслаждение всем временам и народам». Балет П.И. Чайковского «Лебединое озеро» по праву можно отнести к таким бессмертным творениям, до глубины души трогающим сердца людей.

Олеся Бурдуковская, IV курс ИТФ

№5 (175), май 2018

В марте в Третьяковской галерее стартовал интересный проект «Культура без границ. Диалоги с культурными лидерами современности». Его открыла встреча с генеральным директором Большого театра Владимиром Уриным.

На протяжении нескольких месяцев в зале Врубеля будут проходить публичные дискуссии с руководителями ведущих международных культурных организаций. Эти дискуссии являются продолжением проекта «Культурное лидерство в современном мире», организованного два года назад той же Третьяковской галереей совместно с благотворительным фондом Владимира Потанина. В отличие от первой серии встреч, которая представляла собой диалоги двух культурных лидеров России и Великобритании, вторая построена как разговоры модератора и одного главного действующего лица.

В анонсе цикла был представлен ряд вопросов, вокруг которых и будут складываться беседы. Они касаются таких тем, как национальная культура в эпоху глобализации, роли культурных лидеров в формировании представления о своей стране в международном пространстве, универсальности культуры как основы для сближения народов, роли институций культуры в межкультурном диалоге и т.п.

Конечно, гостями Третьяковской галереи прежде всего станут директора музеев – таких как Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке, парижская Галерея де Орсе, флорентийская Галерея Уфицци, Художественный музей Лос-Анджелеса. Но также в числе гостей будут и представители других искусств: актёр Евгений Миронов, кинорежиссёр Александр Сокуров, архитектор Роберт Малл. Модератором цикла выступает историк и журналист, профессор Высшей школы экономики Сергей Медведев.

Первым собеседником Медведева стал Владимир Урин. Несмотря на то, что «общекультурная» часть беседы получилась довольно обобщенной, на некоторые моменты стоило обратить внимание, с той целью, чтобы яснее сформировать представление о деятельности Большого театра. Например, Урин описал некоторые процессы, связанные с формированием репертуара. Здесь мы случайно узнали, что в кабинете Даниэля Баренбойма в берлинской Штаатсопер график постановок прописан фломастером на следующие восемь лет; а в Большом театре пока только на четыре года.

Директор Большого продолжает настаивать на том, что на него и на театр никогда не оказывалось никакого давления со стороны государства, в том числе и в связи с балетом «Нуреев» (композитор Илья Демуцкий, режиссер Кирилл Серебренников, хореограф Юрий Посохов). Он подтверждает свои слова фактом все-таки состоявшейся премьеры и последующим повторением спектакля в июне и ноябре нынешнего года. «Проговорился» Урин и об еще одной премьере. После долгого перерыва в сотрудничестве с Большим Дмитрий Черняков поставит на исторической сцене русскую оперу. Когда именно и какую оперу – пока не говорит (в настоящее время Черняков активно пропагандирует за рубежом творчество Римского-Корсакова).

Предсказуемо, что некоторые вопросы присутствующих коснулись недоступности спектаклей из-за высоких цен на билеты. Стало понятно, что в зале не так много студентов, раз о «студенческих» билетах никто не заикнулся (в анонсе сказано, что это мероприятие «адресовано профессионалам культуры – руководителям культурных институций, кураторам, продюсерам, критикам, а также специалистам по международным отношениям»). Один из депутатов Донского района воспользовался возможностью и передал письмо от своих избирателей, пояснив, что представляет как раз интересы той части интеллигенции, которая не может позволить себе купить билеты. «Может быть Большой театр не во всем общедоступный, но все-таки доступный театр» – долго убеждал Урин.

Встреча не принесла серьезных сюрпризов. Зато, добираясь до зала Врубеля, можно было немного «потеряться» и бесплатно осмотреть еще некоторые залы. «Диалоги с культурными лидерами современности» будут продолжаться до конца сентября. Расписание следующих встреч можно посмотреть на сайте проекта.

Виталия Кононова, I курс, муз. журналистика

№5 (175), май 2018

Кафедра медных духовых инструментов консерватории в концертном сезоне, посвященном              10-летию со дня своего основания, не перестает радовать московскую публику яркими концертными программами. Не успели в Рахманиновском зале отзвучать последние аккорды концерта преподавателей и ассистентов-стажеров, как музыкальную эстафету принял класс профессора Вадима Алексеевича Новикова.

Первое отделение концерта 14 марта, по доброй традиции подобных вечеров, состояло из произведений эпохи барокко. Призывными фанфарами Сонаты Дж. Буамортье для трех труб solo (редко исполняемой в залах МГК) концерт открыли А. Пожидаев, П. Долинин и К. Танцырев. Дальнейшее путешествие к шедеврам Вивальди и Телемана солисты и зрители совершали в сопровождении Камерного состава Симфонического оркестра Московской консерватории (главный дирижер – доц. В.А. Валеев). Руководили оркестром студенты кафедры оперно-симфонического дирижирования.

Публику ждал сюрприз: со сцены ни разу не прозвучала труба в строе В. Студенты класса профессора В.А. Новикова представили богатый арсенал видовых и родственных инструментов – трубу in C, трубу-пикколо и флюгельгорн (переложение для флюгельгорна solo Сарабанды И.С. Баха сыграл Р. Ларин). Ассистент кафедры медных духовых инструментов Н. Токарев в дуэте с И. Лецкой (сопрано), исполнившие арию «Let the bright Seraphim» из оратории Г.Ф. Генделя «Самсон», наглядно доказали, что труба – один из самых близких к человеческому голосу музыкальных инструментов.

Во втором отделении концерта ученики и выпускники класса профессора В.А. Новикова в сопровождении концертмейстера, блистательной С.М. Оруджевой, оживили «золотые страницы» трубного репертуара – звучала музыка XIX–XX веков. Демонстрируя высокохудожественный уровень исполнения и успешно преодолевая трудные, а местами даже коварные инструктивные «ловушки», студенты профессора наполняли зал звуками шедевров Томази и Хиндемита, Энеску и Леончика. Большое впечатление на многих произвело филигранное воспроизведение сложнейших «Каскадов» А. Визутти ассистентом кафедры Н. Токаревым в ансамбле с пианисткой Т. Куделич. Под звуки «Парада трубачей» Л. Андерсона от Брасс-ансамбля кафедры медных духовых инструментов п/у Я. Белякова (идейным вдохновителем создания которого является В.А. Новиков) концертная программа подошла к концу.

Концерты класса профессора В.А. Новикова стали доброй традицией и всегда проходят с большим успехом: студенты и аспиранты приобретают новый опыт, демонстрируя то, чему научил их педагог. А для публики они были и остаются неизменным праздником чарующих звуков трубы.

Владимир Пинялов, ассистент-стажер МГК

№5 (175), май 2018

Среди творческих инициатив иностранного деканата Московской консерватории ежегодный весенний праздник музыки – студенческая Викторина, организуемая иностранной комиссией КОФ, – становится традицией. Этот праздник, проводимый в рамках зачета по чтению с листа и охватывающий учащихся-иностранцев разных специалитетов консерватории, год за годом расширяет свой музыкальный диапазон.

Чтение с листа – одна из основных задач фортепианного класса для студентов всех факультетов. В этом году, наряду с фортепианными пьесами разных стилистических направлений, включая современность, на Викторине прозвучали и фрагменты опер великих русских композиторов. Эту тенденцию предполагается развивать и в дальнейшем.

В сотрудничестве с кафедрой истории русской музыки создается серия сборников для чтения с листа на фортепиано, включающая основной материал курса истории русской музыки по темам: русские оперы на исторические сюжеты, русские оперы на сказочные сюжеты и русская оперная лирическая драма. Идея соединения практических занятий с тематикой курса истории музыки, а именно – чтение с листа фрагментов из оперных клавиров, – дает двойной результат: кроме решения основной задачи она обеспечивает иностранным студентам глубокие познания специфических особенностей русской оперной традиции.

Объединяя приобретаемые навыки чтения с листа с проблемой непосредственного ознакомления с сюжетными коллизиями оперы, студент развивает свое воображение и ассоциативное мышление, столь необходимые для каждой творческой личности. Следует заметить – эти качества часто практически отсутствуют у многих иностранных студентов, что обедняет их исполнительский потенциал. В результате предлагаемых новых форм работы студенты-иностранцы, получая диплом Московской консерватории и разъезжаясь по своим странам и континентам, унесут с собой не только мастерство в узкой исполнительской специализации, но и знания и любовь к бессмертным образцам великого оперного искусства России.

P.S. Участники Викторины: студенты из Великобритании, Вьетнама, Китая, Колумбии, Кореи, Сербии, Турции, Чили, Японии…

Профессор Р.А. Хананина

№5 (175), май 2018

24 апреля в Концертном зале имени Н.Я. Мясковского прошел Конкурс импровизаций, организованный Межфакультетской кафедрой фортепиано Московской консерватории.

Событие – весьма необычное, поскольку импровизация как способ и форма спонтанного созидания звуковых идей больше свойственна джазовой, а не классической музыке. И, вместе с тем, привычное: конкурсы импровизаций проводятся в Московской консерватории более 50 лет, а в качестве идей для музыкального воплощения предлагаются стихи, проза, живописные полотна, изображения архитектурных сооружений.

В этот раз в состязании участвовали семь человек. Среди представителей России, Китая и Турции были те, кто учится на подготовительном отделении (Акалын Асрын Джан), фортепианном и композиторском факультете (Елизавета Терентьева, Сергей Тютин, Ли Хао, Александр Красота, Сергей Нестеров), и в ассистентуре–стажировке (Никита Хабин) Московской консерватории.

В состав жюри вошли также семеро: профессора межфакультетской кафедры фортепиано (В.Л. Гинзбург, М.C. Евсеева), преподаватели кафедры сочинения композиторского факультета Московской консерватории (Т.Г. Шатковская–Айзенберг, А.Ю. Чернаков), профессор кафедры специального фортепиано А.А. Вершинин, преподаватель МГК и профессор японского университета «Сакуйо», композитор и пианист А.А. Агажанов. Как и в прошлые годы, жюри возглавила заведующая Межфакультетской кафедрой фортепиано – профессор Е.С. Карпинская.

Выбор темы для импровизации оказался совсем непрост. В каждом из образцов – свои трудности для развития материала. Среди тем были: Песня Вальтера из третьего действия оперы «Нюрнбергские мейстерзингеры» Р. Вагнера, Песня Порги из первого действия оперы «Порги и Бесс» Дж. Гершвина, тема Клары Вик и тема из студенческих заданий по гармонии.

Конечно, учитывая стилистическую сложность, многие стали импровизировать на гармоническую тему – знакомую по структуре и ясную по особенностям развития. Сомнений не вызвало, что Гран-при нужно вручить ассистенту-стажеру кафедры специального фортепиано Н. Хабину. Пианист сумел соединить многообразие стилей, приемов и методов в цельное по драматургии высказывание. Обладательница первой премии Е. Терентьева удивила разработкой гармонических и мелодических моделей. С. Тютин и С. Нестеров, разделившие вторую премию, порадовали метроритмической изобретательностью. Акалын Асрын Джан и Ли Хао предложили своеобразные «продолжения темы», а не ее варианты. Оба стали дипломантами конкурса.

Жюри и участники поделились впечатлениями:

Е.С. Карпинская: «Мне кажется, что такие конкурсы очень полезны для студентов. Жаль, сейчас участвует не так много людей. Но будем надеяться, что все продолжится в дальнейшем. Чем хороши импровизации? Они дают возможность показать, что ты можешь извлечь из конкретного фрагмента. Как ты понимаешь и представляешь себе маленький восьмитакт. Импровизация развивает мышление. Когда у нас были тематические конкурсы по рассказам, живописи и архитектуре, то многие чаще всего играли свои произведения, так называемые «домашние заготовки».

Н. Хабин: «Этот конкурс – редкая возможность концертной импровизации на публике в присутствии жюри. Каждый музыкант пробовал импровизировать, но вынести импровизацию на концертную эстраду – большой риск, дело, требующее смелости. Потому для меня подобные конкурсы – это некий стресс-тест, требующий мобилизации всех накопленных знаний, умений, навыков, а также быстрого принятия решений. На мой взгляд, это очень нужно в наше динамичное время».

Е. Терентьева: «В таких конкурсах важно не только выступление, но и подготовительный процесс. Вот, ты сидишь с музыкальной темой в руках. У тебя лишь она или целый мир: комедия с множеством шуток и перекличек-дразнилок с мелодией, жизнь героя (мелодии), меняющегося через путь этой жизни (импровизация как композиция). Благодаря средствам музыкальной выразительности, в зависимости от вдохновения ты меняешь мелодию, гармонию, даешь большее или меньшее развитие. Ты создаешь новый мир, который может родиться и умереть на сцене, оставив след в памяти слушателей».

Профессор А.А. Вершинин,

Анна Ефанова, выпускница

№5 (175), май 2018

4 апреля 2018 года в стенах Московской консерватории прошел Круглый стол на тему «Актуальные проблемы современного сольфеджио», в котором принимали участие преподаватели-сольфеджисты Московской и Санкт-Петербургской консерваторий. Обсуждение предваряли мастер-классы участников.

Такой формат профильного общения – новый для наших учебных заведений. Основной целью было понять, насколько мы разные, и попытаться найти актуальные точки соприкосновения для дальнейшего сотрудничества и обмена опытом.

Общеизвестен факт, что питерцы в своей практике используют исключительно художественную музыку, считая, что инструктивному материалу не место в сольфеджио. Такие приоритеты берут свое начало от Н.А. Римского-Корсакова, впервые озвучившего мысль о том, что студентов (консерватории) необходимо обучать записи музыки. Позднее диктант как форма работы в курсе сольфеджио получил и другие смысловые нагрузки. Однако по мере усложнения задач стало понятно, что далеко не всегда образцы художественной музыки отвечают поставленным перед диктантом конкретным целям.

Большого интереса заслуживают мастер-классы по сольфеджио, где и обнаружились те самые точки соприкосновения двух школ. Именно молодые преподаватели обеих консерваторий, не сговариваясь, показали взаимодополняющие формы работ с дирижерами хора над хоровыми партитурами. Не стремясь рассказать обо всех интересных находках, озвучу наиболее, на мой взгляд, оригинальные.

Старший преподаватель МГК О.В. Зубова предложила студентам и участникам поработать в рамках диктанта над отрывком из хора «Цветы и деревья» К. Сен-Санса. После предварительных прослушиваний надо было заполнить недостающие отрывки в разных голосах. Старший преподаватель Санкт-Петербургской консерватории Ю.А. Орёл работала над тренировкой внимания дирижеров хора. Одному из студентов (которого просили заранее выйти на несколько минут из аудитории) предлагалось продирижировать заданным отрывком и по ошибкам (заранее согласованным с педагогом) найти неточности в их исполнении.

Противоположными по направленности стали мастер-классы маститых профессоров. М.В. Карасева показала, как можно использовать на современных уроках сольфеджио гаджеты, которые дают колоссальные возможности для выхода за пределы аудитории здесь и сейчас. В результате все составляющие элементы сольфеджио (к примеру, ладовые структуры, ритмические особенности) отрабатываются с привлечением необъятных интернет-ресурсов мировой музыкальной культуры. Профессор Петербургской консерватории Н.Ю. Афонина сфокусировала свое внимание на работе с вокалистами. Нина Юрьевна работала над Плачем Ярославны из оперы «Князь Игорь» Бородина. Студентам было предложено подумать над интонационной семантикой вокальной партии, возможностью понять и далее – пропеть сложный с точки зрения ладовой и ритмической структуры отрывок. Разумеется, в мастер-классах были и другие, не менее интересные формы работы с художественным материалом в части ладового, гармонического анализа.

Дальнейший разговор участников позволил определить схожесть задач, стоящих перед современным сольфеджио, убедил присутствующих в том, что к поставленной цели можно идти разнообразными путями. В размышлениях о стратегии преподавания сольфеджио в вузе красной нитью проходила мысль о том, что для такой сугубо практической дисциплины как сольфеджио необходимым двигателем прогрессивных идей может стать только подобный обмен опытом с показом мастер-классов. И, наоборот, уровень научных конференций не позволяет в полной мере способствовать развитию сольфеджио.

Неформальное событие вызвало одинаково большой интерес с обеих сторон. Как и желание делать методические встречи систематическими. Безусловно, от такого формата общения представителей двух ведущих консерваторий страны преподавание сольфеджио только выиграет.

Доцент Л.Р. Джуманова