№ 5 (121), май 2012

Международный фестиваль Мстислава Ростроповича, который проходит в Москве уже третий год, балует столичную публику букетом самых разнообразных музыкальных событий. В рамках этого фестиваля 2 апреля в Большом зале Московской консерватории вниманию публики была представлена оригинальная программа из музыки Прокофьева.

Одно удовольствие стать участником такого масштабного события, на котором собрались вместе лучшие музыкальные коллективы. Это Лондонский симфонический оркестр, а также Государственный академический русский хор им. А. Свешникова и Камерный хор Московской консерватории (художественный руководитель и дирижер Борис Тевлин). Идейным вдохновителем этого действа был дирижер Владимир Юровский.

Концерт получился необычным по форме и содержанию. Исполнялись произведения – редкие гости на нашей сцене: музыка к драматическому спектаклю «Египетские ночи» и оратория «Иван Грозный» (в версии Левона Атовмяна). Если первое cочинение было полностью воссоздано Юровским по сценическому плану режиссера Таирова, то «Иван Грозный» в этой версии в России исполнялся впервые. Тем сильнее было ощущение того, что мы стали свидетелями исторического события.

Сам дирижер открыл концерт вступительным словом, что придало событию бóльшую непосредственность. Главной целью концерта, по его словам, стало исполнение малоизвестных произведений, как и сближение лондонских музыкантов с российскими.

В первом отделении публика могла соприкоснуться с миром Востока, который мастерски воплощен Прокофьевым в музыке к драматическому спектаклю «Египетские ночи». К сожалению, сегодня мы не можем видеть эту постановку, но известна ее историческая судьба: сценическая композиция, которую придумал Таиров, – это компиляция трех независимых источников. Здесь соединились пьесы «Цезарь и Клеопатра» Бернарда Шоу, «Антоний и Клеопатра» Шекспира и монолог Пушкина «Египетские ночи».

Несмотря на всю сложность перенесения драматического произведения на музыкальную сцену, маэстро Юровскому удалось создать такую форму, которая соединила в себе оба начала. Все драматические роли он распределил между двумя чтецами – выступали популярные российские актеры Чулпан Хаматова и Константин Хабенский, которые добивались перевоплощения лишь тембром голоса, мимикой, настроением. В итоге получилась оригинальная постановка – «спектакль-неспектакль», как сказал сам дирижер. Всем участникам помогала яркая, образная музыка Прокофьева.

Другим важным моментом состоявшегося концерта стало первое исполнение на Родине композитора оратории «Иван Грозный» на основе музыки к знаменитому фильму Эйзенштейна. Ее составил и оркестровал друг Прокофьева Л. Т. Атовмян. Эта работа была начата еще при жизни композитора, но по не зависящим от составителя обстоятельствам в течение полувека не смогла выйти в свет. Премьера произведения совсем недавно состоялась в Лондоне. И теперь это масштабное и величественное полотно российской публике представили Лондонский симфонический оркестр, российские хоры и солисты (Елена Заремба и Андрей Бреус) во главе с Владимиром Юровским.

Благодарные слушатели Большого зала по достоинству оценили яркий и познавательный музыкальный вечер.

Лилия Миндиярова,
студентка III курса ИТФ
Фото Александра Курова

№ 5 (121), май 2012

Весна 2012 года оказалась очень насыщенной для Большого зала Московской консерватории. В конце марта блестяще выступила несравненная Чечилия Бартоли, в начале апреля с успехом прошел концерт Лондонского филармонического оркестра под управлением Владимира Юровского. Но, конечно, кульминацией уходящего сезона стали гастроли прославленного Чикагского cимфонического оркестра во главе с легендарным Риккардо Мути. 18 и 19 апреля в Большом зале американцы дали два концерта.

CSO (Chicago Symphony Orchestra) – оркестр с богатейшей историей – был создан в 1891 году. Среди работавших с ним дирижеров были Сергей Рахманинов, Морис Равель, Рихард Штраус, Сергей Прокофьев, Аарон Копленд, Арнольд Шенберг, Леонард Бернстайн, Леопольд Стоковский, Юджин Орманди. Этот коллектив считается первым оркестром США и входит в пятерку лучших оркестров мира, на его счету 62 премии «Грэмми».

Приезд к нам знаменитого оркестра, второй за историю коллектива (первый визит CSO был в 1990 году, еще под руководством Георга Шолти), состоялся в рамках европейского турне «Россия – Италия». Он также стал кульминацией культурного проекта «Американские сезоны» в России.

Помимо двух грандиозных концертов Риккардо Мути накануне второго вечера сделал для консерватории открытую репетицию в Большом зале, а солисты оркестра выступили в Доме для детей с ограниченными возможностями. Не менее ценной представляется и серия мастер-классов, которые дали для студентов оркестранты CSO. Впервые гастролирующий в Москве маститый коллектив провел подобную акцию: представители всех оркестровых групп поделились с младшими коллегами своим неоценимым опытом работы, что, наверное, для многих тоже останется уроком на всю жизнь.

На мастер-классах выступил квинтет солистов CSO в составе Джон Йе (кларнет), Альберт Игольников (скрипка), Эрмин Ганье (скрипка), Ли-Куо Чанг (альт), Гари Стак (виолончель). Но особенно ждали консерваторцы мастер-класс солистов-духовиков, которыми так славится Чикагский оркестр: первый тромбонист Джей Фридман, первый кларнетист Стивен Уильямсон, валторнист Джеймс Смелсер собрали переполненные аудитории преданных слушателей. Знаменитый Д. Фридман, легенда Чикагского симфонического, дал студентам ценные указания, касающиеся звукоизвлечения. Последней просьбой студентов, решивших проверить маэстро «на прочность», была просьба продемонстрировать им сложнейшее тромбоновое соло из «Полета Валькирий» Вагнера, с чем мистер Фридман справился играючи (перед этим долго извиняясь за большой перерыв в занятиях)…

Для европейского турне маэстро Мути выбрал тонко продуманную программу, которую неделей позже он повторил и в родной Италии. В двух вечерах были представлены композиторы разных европейских стран: Дмитрий Смирнов (Россия – Великобритания), Нино Рота (Италия), Дмитрий Шостакович (Россия), Рихард Штраус (Германия) и Сезар Франк (Франция). Музыка Европы звучала в прекрасном исполнении американского оркестра с политическим подтекстом! Назвав на пресс-конференции московские концерты «посланием мира», Р. Мути в интервью подтвердил свое намерение: «Россия и Америка – две сильнейшие державы, но не секрет, что они не всегда приходят к пониманию. Поэтому главное в этом вечере не то, так ли хорошо итальянец Мути интерпретирует Шостаковича. Главное, что все это исполняется во имя дружбы».

Присутствующий на первом концерте посол США Майкл Макфол неожиданно заявил, что в приезде CSO в Москву важны не только культурные связи между нашими странами, но и тот факт, что Чикаго является родным городом президента Барака Обамы. В ответ на это Специальный представитель Президента РФ по международному культурному сотрудничеству Михаил Швыдкой не без юмора заметил, что «хорошие президенты рождаются только тогда, когда в городе, где они формируются, есть хорошие симфонические оркестры».

Оба вечера «Чикаго Симфони» открывал сочинением современного русского композитора, ныне живущего в Великобритании. Поэма «Космическая Одиссея» Д. Смирнова была специально написана для CSO и впервые исполнялась в России. В такой «увертюре» каждого вечера – музыке, наполненной всевозможными техниками, современными гармониями и ритмами, – тоже просматривалась художественная символика: знак единения стран перед космической стихией, что как нельзя лучше отвечало теме «Послания мира».

С итальянским темпераментом и чувственностью была исполнена музыка Н. Роты к фильму Лукино Висконти «Леопард». Сочинение попало в программу тоже не случайно: знаменитый композитор-соотечественник когда-то убедил молодого Риккардо Мути, что у него есть талант. «А то не бывать мне дирижером, – рассказывает Мути. – Пошел бы, как хотели родители, в юристы или врачи».

По-немецки обстоятельно и философски-глубокомысленно прозвучала поэма Р. Штрауса «Смерть и просветление». С французским шармом и несколько «нервно» – Симфония ре минор С. Франка. В каждом произведении чувствовались единство мышления и дыхания оркестра с дирижером. Но кульминацией программы обоих вечеров стала Пятая симфония Шостаковича.

Еще в далеком 1962-м исполнение этой симфонии CSO под управлением Леонарда Бернстайна восхитило и удивило самого Шостаковича: «Неужели это я написал?!» 50 лет спустя исполнение Пятой симфонии этим же оркестром вызвало не менее сильный восторг нынешней московской публики. В трактовке симфонии Риккардо Мути продолжает линию Бернстайна, он также стремится показать все сложности и красоты партитуры Шостаковича, преподнести публике театральную яркость музыки и персонификацию тембров, что не удалось бы без великолепных солистов. Оркестр, несомненно, порадовал духовой группой, особенно стройной и благородной медью, чего зачастую так не хватает исполнениям симфоний Шостаковича.

«Chicago Symphony», которые за два вечера успели побывать и темпераментными итальянцами, и педантичными немцами, и утонченными французами, подкупили москвичей тем, что сумели с такой страстью передать непостижимую русскую душу в музыке Шостаковича. Московская публика провожала оркестр стоя, под гром продолжительных оваций.

Это были не просто гастроли, это была миссия: вице-президент оркестра Ванесса Мосс в интервью выразила надежду, что выступление внесет свою лепту в российско-американские отношения. А сами музыканты пообещали, что будут с особым трепетом вспоминать московские концерты и постараются вернуться как можно скорей!

Ольга Ан,
студентка III курса ИТФ

№ 4 (120), апрель 2012

В среду, 28 марта, состоялся вечер класса флейты доцента Ольги Ивановны Ивушейковой. На сцену выходили студенты Московской консерватории и ученики специальной музыкальной школы имени Гнесиных. Программа была построена таким образом, что слушатели могли буквально представить себе путь каждого музыканта: от несложного детского репертуара – до глубоких по содержанию и виртуозных флейтовых произведений.

Приятно удивил исполнительский уровень не только студентов старших курсов консерватории, которые как всегда были на высоте, но и их младших товарищей. Маленькие флейтисты ничуть не уступали им в артистизме. Не избалованные частыми выступлениями, они с искренней радостью и детской непосредственностью принимали предназначенные им аплодисменты. Многим особенно запомнилось и понравилось технически выверенное и вполне профессиональное исполнение «Allegro rustico» С. Губайдулиной учеником седьмого класса Георгием Абросовым.

Среди взрослых участников вечера было трудно выделить лучшее выступление – все номера были яркими и интересными. Звучали произведения таких редко исполняемых композиторов, как Ф. Борн, Ч. Гриффс, С. Шаминад. Любители старинной музыки могли насладиться дуэтами для двух флейт И. С.  Баха и В. Ф. Баха в исполнении О. И. Ивушейковой с Асей Сафихановой и с Дарьей Дягилевой. Поклонников музыки XX века порадовали Сонатой Хиндемита для флейты и фортепиано (А. Сафиханова и Е Ын). В финале концерта прозвучала жемчужина вечера – Соната Шуберта a-moll в переложении для флейты и фортепиано. Такое тонкое и вдумчивое исполнение не могло оставить равнодушными истинных ценителей искусства.

Значение классных концертов не стоит недооценивать. Это не только необходимый старт для начинающих артистов, но и прекрасная возможность для просвещенных слушателей по-иному взглянуть на тот или иной инструмент. Например, флейту мы чаще встречаем в оркестре или ансамбле, где ей поручены короткие соло, и представление многих слушателей о ней весьма однобокое. Мы забываем (а кто-то и не подозревает!) о ее богатейших художественных возможностях. Однако в тот вечер флейта предстала не только блестяще-холодной, техничной, но и душевной, теплой, экспрессивной.

Особую домашнюю атмосферу создавали и сами стены Белого зала. На такие концерты ходят в основном родители и друзья выступающих, а также просто любители музыки. Но не заблуждайтесь: если вы хотите найти свободное кресло, приходите заранее, иначе вам может достаться только место на подоконнике или у стены. Могу сказать с полной уверенностью, что, если вы решили приятно провести время, насладиться хорошей музыкой в уютной обстановке, вечера в этом зале – именно то, что вам нужно.

Виталия Мелехина,
студентка III курса ИТФ

№ 4 (120), апрель 2012

Начало марта порадовало меня возможностью не только на время отключиться от непрерывной череды учебных дел, но и насладиться прекрасной музыкой в исполнении аспирантки Московской консерватории, а ныне – студентки Высшей школы музыки в Троссингене по классу клавесина Софьи Гандилян. Ощущение настоящего праздника было подкреплено и прекрасной солнечной погодой, установившейся в этот день, и возвышенной атмосферой Зала старинной музыки «На Кисловке» в ЦМШ, оформленного в классицистском духе, и возможностью увидеть знакомые лица коллег-клавесинистов, и, наконец, услышать чарующий голос клавесина, специально купленного для этого зала.

В концерте, который прошел 9 марта, прозвучали сочинения выдающихся композиторов-клавесинистов: Луи Куперена, Жана-Франсуа Дандрие, Антуана Форкре. Программа включала как довольно известные, репертуарные произведения (к примеру, Прелюдия in С Луи Куперена), так и редко исполняемые. Из последних мне особенно запомнилась Сюита G—dur Антуана Форкре, музыка которой просто поразила своим темпераментом, небывалой энергией, отходом от шаблона в понимании французского клавесинного письма. Но и этому нашлось вполне разумное объяснение. Антуан Форкре, как заметила Софья Гандилян перед исполнением, отличался буйным, резким нравом, что в итоге предопределило его трагическую кончину (он погиб при невыясненных обстоятельствах).

Невероятно интересным оказалось сочинение Жана-Франсуа Дандрие – Сюита f—moll из Второй книги пьес для клавесина. Типичное чередование разнохарактерных пьес, одна из которых имеет соответствующее название Маскарад: Выход масок, Полишинель – не что иное, как прототип гораздо более позднего сочинения – Карнавала Шумана!

В завершение концерта прозвучал дуэт – Соната для скрипки и basso continuo Луи-Габриеля Гийемена. Партию барочной скрипки исполнил студент Высшей школы музыки в Троссингене Алексей Фокин. Прежде всего запомнилось звучание этого не совсем привычного для современного европейского уха инструмента. Барочная скрипка, как пояснил исполнитель перед началом дуэта, отличается от обычной конструкцией, иной формой смычка, а также струнами – в барочной скрипке они жильные. Последний фактор как раз и предопределяет различие этих инструментов: голос барочной скрипки нестабилен, на ней сложно добиться относительно ровного звучания без перепадов и колебаний. Все это, безусловно, требует незаурядного мастерства во владении инструментом, но тем интереснее в итоге получаемые звуковые эффекты. Завершающий дуэт безоговорочно явился кульминацией концерта под названием «Жемчужины французского барокко», подарившего публике целую россыпь этих великолепных «украшений».

Сергей Никифоров,
студент III курса ИТФ

№ 4 (120), апрель 2012

21 марта, не дожив трех месяцев до своего 80-летия, ушел из жизни Николай Николаевич Некрасов (1932-2012) – замечательный дирижер и педагог, представитель старейшей династии музыкантов-народников. Он твердо верил в то, что музыка «как лекарство – может вылечить, а может и убить», а потому всю жизнь пропагандировал настоящие сокровища музыкальной культуры, особенно русские песни и романсы. Около 40 лет Николай Николаевич возглавлял знаменитый Академический оркестр русских народных инструментов Гостелерадио (в наши дни АОРНИ ВГТРК), объездив с гастролями весь земной шар, совмещал активную концертную деятельность с педагогической в Институте имени Гнесиных и Московской консерватории.

Потомственный музыкант (в четвертом поколении!), Н. Н. Некрасов вырос в музыкальной среде. Дед и отец – дирижеры, мать пела и играла на виолончели. В доме часто бывали знаменитые певцы и исполнители – Лемешев, Козловский, Скопцов, о встречах с которыми Николай Николаевич очень любил вспоминать. Хотя музыка не была единственным увлечением будущего маэстро – соперницей долго была химия. «В конце концов, великий русский композитор Александр Порфирьевич Бородин тоже был сначала химиком, а потом стал композитором и написал оперу “Князь Игорь”», – думал он, а позднее с юмором вспоминал, как «вечно ходил в прожженных кислотой штанах, за что всегда был дома нагоняй». В какой-то момент отец сказал: «Хватит дурака валять… Давай-ка ты, занимайся на домре» – так началось музыкальное образование. Затем было Музыкальное училище имени Октябрьской революции (ныне Музыкальный колледж имени А. Г. Шнитке) по классу балалайки, служба летчиком на Украине (впоследствии он не раз сравнивал профессию дирижера с парашютным прыжком), диплом ГМПИ имени Гнесиных по классу балалайки и дирижирования.

После института Николай Николаевич сразу же оказался в стремительном круговороте музыкальных событий. В 1957 году на Всемирном фестивале молодежи и студентов он завоевывал золотую медаль, исполнив на балалайке «Венский каприс» Крейслера и сразив наповал главу комиссии из Парижской консерватории тем, что исполнил это виртуозное произведение «на трех струнах на этом треугольном инструменте». Затем – дирижерский дебют с симфоническим оркестром в Америке в 1959 году, ставший фактически «боевым крещением», т. к. из-за необходимости заменить коллегу пришлось неожиданно «всю ночь провести с партитурой». После этого была работа в знаменитом ансамбле Игоря Моисеева, «давшая такой заряд мастерства, что его хватит на всю жизнь». И, наконец, с 1973 года Николай Николаевич стал главным дирижером АОРНИ ВГТРК – прославленного коллектива, который именовали за границей не иначе как «русским чудом», а на родине слушатели уже много лет зовут «Некрасовским».

В центре творческого внимания руководителя всегда были русская песня и городской романс. Отсюда многочисленные выступления с ведущими певцами – И. Архиповой, В. Пьявко, И. Козловским, Е. Образцовой, концерты с молодыми, еще только начинающими свой путь солистами, лауреатами конкурса Глинки – с В. Гривновым, Е. Манистиной, Е. Максимовой, Е. Кунгуровым, М. Гужовым, Н. Ерохиным, многочисленные циклы концертов «Ирина Архипова и Николай Некрасов представляют», «Ямщицкие песни», «Я люблю Вас так безумно», собиравшие всегда полные залы.

Но не только вокальная музыка интересовала Николая Николаевича. Он был одним из первых исполнителей, редактором и интерпретатором серьезной инструментальной музыки для оркестра русских народных инструментов, написанной композиторами академического направления, неизменно расширяя репертуар этого сравнительно «молодого» (сегодня оркестру русских народных инструментов чуть более ста лет!) состава. Под его руководством звучали «Русская фантазия» А. Глазунова (написанная в свое время специально для Великорусского оркестра В. Андреева), «Симфония-фантазия» Р. Глиэра, «Итальянская симфония» С. Василенко, многочисленные премьеры композиторов-выпускников Московской консерватории: Н. Пейко, В. Кикты и И. Красильникова – произведения разных жанров и форм, от миниатюр до симфоний и концертов.

Всегда открытый для молодежи, Николай Николаевич с большим интересом относился к творчеству начинающих музыкантов. А с 2001 года он преподавал на кафедре инструментовки Московской консерватории, раскрывая перед студентами необыкновенные возможности оркестра русских народных инструментов, сопровождая рассказ показом уникальных записей, а также приглашая композиторов на свои репетиции. Это на практике давало возможность услышать тембровые чудеса, на которые способен многогранный состав, и чего всегда так не хватает при обучении нелегкому искусству оркестровки.

С уходом Николая Николаевича Некрасова завершилась одна из ярких глав в истории нашей культуры, отзвучал концерт длиною в жизнь…

Павел Алексеев,
студент IV курса КФ

№ 4 (120), апрель 2012

Эти слова французского писателя Антуана де Сент-Экзюпери стали своеобразным эпиграфом творческой деятельности Ольги Пантелеевны Камозиной – педагога-новатора с 40-летним музыкально-педагогическим стажем. Ольга Пантелеевна работает в Ростове-на-Дону в единственной в России 10-летней Джазовой школе имени Кима Назаретова. Она является автором оригинальных игровых методик по предметам «сольфеджио» и «музыкальная литература».

Ольга Камозина окончила Ростовскую государственную консерваторию им. С. В. Рахманинова, проходила стажировку в Германии, работала в детских музыкальных школах и музыкальных училищах. Но не так давно, девять лет назад, судьба связала Ольгу Пантелеевну с джазовой школой, где обучение детей начинается с трех лет! «Чем раньше – тем лучше» – таков негласный лозунг школы. Но как помочь малышам освоить сложный курс, да еще и в такой короткий срок? Ведь курс обыкновенной музыкальной школы заканчивается здесь уже во втором классе! В третьем – начинаются уроки импровизации, которые на начальном этапе возможны только при активном использовании всего комплекса классических аккордов. А потом следуют сложные гармонические конструкции нетерцового строения, всевозможные лады, которые, оказывается, тоже изучаются учениками средних классов школы.

Основная суть оригинальной методики автора – творческая практика буквально с первых уроков сольфеджио, еще в донотный период! Дети практически ничего не пишут на занятиях. Они сочиняют мелодии, подбирают аккомпанемент – учатся применять самые простые, но такие ценные знания на практике. «Эта методика позволяет малышам без напряжения, с радостным увлечением заниматься все 45 минут», – говорит Ольга Пантелеевна.

Самый сложный и непредсказуемый, наверное, первый урок. Ведь трехлетние дети часто ассоциируют музыку с праздником: утренник в детском саду, сладости, радостные улыбки родителей. И, приходя в музыкальную школу, ожидают того же. Но нередко они обманываются, получая вместо этого скучное пение гамм и изучение непонятных правил. «Упрощайте сложное, и вы получите самый существенный результат» – эти слова английского историка Генри Бокля открывают учебник Ольги Камозиной.

Зачем дети приходят в музыкальную школу? Учиться на артиста! Первый урок Ольга Пантелеевна назвала «Посвящение в артисты». Ребенок поет песню, нажимает клавиши на фортепиано, учится кланяться, аплодировать своим новым коллегам. А затем начинается так называемое «неправильное» сольфеджио, то есть сольфеджио, в котором нет правил, а вместо них – песенки, картинки и разные истории.

О. П. Камозина нашла оригинальную методику и для преподавания музыкальной литературы. Ольга Пантелеевна рассказывает, что, когда она только начинала свою педагогическую деятельность, в глазах детей часто читала: «Тетя, с кем и о чем ты разговариваешь?..» Наверное, это подтолкнуло ее на создание собственной методики.

Как известно, главным видом деятельности для детей является игра. Ольга Пантелеевна построила свой курс так, чтобы ученики запоминали материал через игру и собственное творчество. Например, изучив Древнюю Грецию, ребята ставят «древнегреческую» трагедию «Курочка Ряба». Помимо известных персонажей здесь участвуют и Боги – Зевс, Посейдон. Узнав о происхождении оперы, ребята осуществляют постановку учебного спектакля «Красная шапочка» — О. П. Камозина сама написала музыку и использовала в этом сочинении все основные оперные формы.

Очень важный элемент урока – создание антуража. Ольга Пантелеевна и здесь проявляет творческую фантазию. Например, рассказывая ученикам о восточной музыке, она обязательно приносит ребятам восточные сладости, готовит чай, накрывает стол…

Конечно, в Джазовой школе имени Кима Назаретова есть несколько педагогов-теоретиков. Интересно, что основной принцип учебного заведения таков: каждый работает, как хочет; главное – результат. Методика О. П. Камозиной, безусловно, дает превосходные результаты. Ее выпускники продолжают профессиональное музыкальное образование в Амстердаме, Лейпциге, Берлине и других европейских центрах. И, даже находясь за границей, ребята всегда советуются с любимым педагогом, ведь все мы родом из детства…

Мария Тихомирова,
студентка III курса ИТФ

№ 4 (120), апрель 2012

Ансамбль солистов «Премьера» был создан в Мерзляковском училище (ныне Академическом музыкальном колледже при МГК) в 1994 году. С тех пор в этом учебном коллективе под руководством талантливых и чутких педагогов было воспитано не одно поколение профессионалов. И сейчас, спустя 18 лет, в Ансамбле продолжают вырастать прекрасные музыканты, многие из которых, еще совсем юные, побеждают на международных конкурсах и гастролируют по всему миру.

«Премьера» – камерный оркестр. Когда учащиеся вступают в него, они получают профессиональную ансамблевую школу и приобретают важные навыки концертного музицирования. Но одновременно каждый проявляет в нем и индивидуальные творческие способности. Это ансамбль солистов, гармоничный сплав восходящих звезд, подающих большие надежды в мире музыкального искусства.

Коллектив является лауреатом многих зарубежных фестивалей: XVII фестиваля молодых оркестров в Мурсии, Musica Sacra Praga в Чехии, фестиваля в Медине (Тунис), молодежного фестиваля российского искусства в Италии (область Марке). Многие музыканты ансамбля впоследствии стали работать в престижных оркестрах страны – в БСО им. Чайковского, в оркестрах Большого театра и «Виртуозы Москвы», в ансамблях старинной музыки «Pratum Integrum», «Musica Petropolitana» и многих других.

Репертуар «Премьеры» включает произведения эпохи Барокко, русскую и зарубежную классику, музыку XX века. Но творческие возможности музыкантов этим не ограничиваются. Публике в их исполнении были представлены также две оперы – «Аптекарь» Гайдна (премьера которой прошла в петербургском театре «Эрмитаж») и «Импресарио в затруднении» Чимарозы. В постановках приняли участие известный дирижер Игорь Дронов (под взмахом его палочки оркестр играет так, как будто это единый живой организм) и театральный режиссер Игорь Ушаков. Несмотря на то что в обеих операх задействован минимум декораций, в этом есть своя прелесть и даже некая «изюминка». Впечатление дополнили интересные костюмы, созданные художником Ирэной Белоусовой. Постановки были восприняты зрителями с энтузиазмом. Все это говорит о том, что ансамбль «Премьера» – не только музыкальный коллектив, но и настоящая «театральная» труппа. И стоит отдать им должное за то, что они возрождают оперы, которые практически не исполняются в России и не столь известны публике.

Музыканты «Премьеры» на протяжении почти двух десятилетий ведут насыщенную концертную деятельность. Их выступления проходят на самых разных площадках – Большой, Малый, Рахманиновский залы Московской консерватории, Музей изобразительных искусств им. Пушкина, музей-заповедник «Царицыно», Центр оперного пения Галины Вишневской, Третьяковская галерея и др. Благодаря упорному труду коллектива и профессиональному руководству Тамары Васильевны Казаковой ансамбль исколесил многие города и страны мира и везде был встречен слушателями с неизменным восторгом. Будем надеяться, что на смену талантливым музыкантам в этот коллектив по-прежнему будут вливаться такие же яркие творческие личности и «Премьера» будет продолжать радовать слушателей своим искусством.

Татьяна Бесполитая,
студентка III курса ИТФ

№ 4 (120), апрель 2012

Недавно в рамках лекторской практики мне посчастливилось провести концерт в зале им. Мясковского, посвященный памяти несправедливо забытого композитора и ученого Михаила Александровича Марутаева (1925-2010). Знающие люди называют его музыку современной классикой.

Музыкальные способности Марутаева проявились очень рано – в два года. Обучаться музыке он начал в 7 лет, а в 9 уже получил свою первую премию на олимпиаде в Киеве за исполнение сонаты Гайдна. С 10 лет стал сочинять, в 1940-м по рекомендации виолончелиста Леопольда Ростроповича (отца М. Ростроповича) он был принят в Мерзляковское училище, в 1944-м ушел на фронт; окончив училище в 1948-м, в тот же год поступил в Московскую консерваторию в класс В. Я. Шебалина, в 1954-1957 гг. обучался в аспирантуре. Как композитор М. А. Марутаев уже первым струнным квартетом (1952) привлек внимание музыкальной общественности. Его исполнение (1953) имело такой резонанс, что декан факультета С. С. Богатырев назвал этот успех «шаляпинским». За ним последовал прием в члены Союза композиторов (1954). Творческое наследие композитора включает ораторию «Героическая Русь» и кантату «Слово матери», концерты для альта и для скрипки с оркестром, Симфонию, камерные ансамбли, романсы, произведения для детей и многое другое.

Михаил Александрович – один из немногих советских композиторов, музыкальное творчество которого удивительным образом сочеталось с научным подходом. Он был академиком Международной академии творчества, Международной академии наук и Национальной академии интеллектуальных и социальных технологий; он известен своими оригинальными исследованиями (статья «О гармонии как закономерности», 1978; книга «Золотое сечение: Три взгляда на природу гармонии», 1990).

На концерте звучало много замечательной музыки. Первый и Второй струнные квартеты исполнили музыканты «Русквартета» (А. Снежина, А. Янчишина, А. Назарян и А. Дулова). Вокальные произведения на слова Тютчева («Двум сестрам» и «Чему бы жизнь нас не учила») прозвучали в интерпретации Вячеслава Марутаева – сына композитора и солиста Театра им. Станиславского и Немировича-Данченко. Заметное оживление публики вызвали детские сочинения и музыка к кинофильмам («В путь» из мультфильма «Незнайка» и «Вальс» из кинокартины «Рогатый бастион») в исполнении Татьяны Рубиной. В ее же вдохновенной игре слушателям посчастливилось познакомиться и с рядом «взрослых» фортепианных произведений – Сонатиной, прелюдией, музыкальными моментами, этюдами (отнюдь не легкими в техническом плане).

Гвоздем программы стало исполнение трех пьес для скрипки и фортепиано («Кривое зеркало», «Русский напев», «Баба Яга») Леонорой Дмитерко и Татьяной Рубиной. Музыка почти зримо воспроизвела сказочные образы, заявленные в названиях. В пьесах живо ощущалась национальная традиция, идущая от Н. Римского-Корсакова, А. Лядова, И. Стравинского.

Каждое из прозвучавших в концерте произведений явилось в полном смысле открытием музыки, которая, на мой взгляд, достойна звучать на концертной эстраде! Человек может уйти и вернуться, если его музыка продолжает жить.

Маргарита Плюйко,
студентка III курса ИТФ

№ 4 (120), апрель 2012

25 февраля в Большом зале консерватории состоялся концерт Государственного духового оркестра России, в программе которого были произведения преподавателей и студентов кафедры композиции Московской консерватории.

Сотрудничество консерватории с оркестром началось давно, практически со времен его основания. Интересно, что презентация оркестра, основанного в 1970 году, состоялась как раз в БЗК. Оркестр был специально создан как лаборатория для развития отечественной духовой музыки. Многие композиторы ориентировались на высокий профессиональный уровень музыкантов оркестра, создавая свои новые сочинения, которые с успехом исполнялись на фестивале современной музыки «Московская осень», среди них – Г. Чернов, И. Савинов, Г. Сальников, В. Петров, Б. Троцюк. Высокую оценку исполнительскому мастерству оркестра давали зарубежные композиторы: Ида Готковски, Серж Лансен и Клод Пишаро (Франция), Тревор Форд (Норвегия), Павел Станек (Германия), Хенк ван Лейнсхоотен (Нидерланды), Е Шу Хан (Тайвань).

Создателем и первым художественным руководителем оркестра был профессор И. В. Петров. В разное время дирижерами оркестра становились многие известные музыканты, а с апреля 2009 года свою деятельность в качестве руководителя оркестра начал профессор В. С. Чугреев. Его дебютом явился отчетный концерт из произведений студентов Композиторского факультета в июне 2009 года в Рахманиновском зале. Следующим совместным проектом оркестра и кафедры сочинения был концерт в БЗК 13 марта 2010 года, а летом того же года оркестр выезжал на гастроли на Международный фестиваль духовой музыки «Coups de Vents», где организатор фестиваля дирижер Филипп Лангле предоставил оркестру почетное право выступить на самых престижных концертных площадках, а также на закрытии фестиваля в концертном зале «Колизей».

Приятно отметить желание оркестра исполнять современную академическую музыку, причем живой интерес для них представляют как сочинения маститых композиторов, так и еще совсем молодых. Очередным подтверждением этого и стал концерт, состоявшийся 25 февраля, на котором прозвучали произведения проф. Г. И. Сальникова, ст. преп. И. Н. Савинова и их учеников, студентов V курса.

Музыкальный вечер открыла Поэма «Новоспасское» Георгия Сальникова, написанная на темы из произведений М. И. Глинки, русская по своей широте и размаху, мастерская в оркестровке, композиции, четкости формы. В «Фресках» Андрея Богданова воссоздавались образы монументальных фигур-колоссов, которые приковывают внимание своей величественностью и могучей красотой. Неожиданным контрастом стало произведение Анны Поспеловой «Ярмарка» в духе русского разудалого народного праздника (центральный эпизод, с использованием глиняных свистулек, был одним из самых запоминающихся моментов пьесы). В «Игре облаков» Марии Сиверцевой, колористической зарисовке в импрессионистическом стиле, красивые гармонии в сочетании с прозрачным и чистым звучанием оркестра создавали причудливые образы постоянно плывущих и меняющих свои фигуры облаков, которые, казалось, тают и появляются снова… Иван Сошинский, автор пьесы «Protuberanzen 2013» (название переводится как извержение на поверхности солнца раскаленных газов, подымающихся в виде языков), нашел музыкальное воплощение оригинальных образов в переходах от ансамблевой игры к звучанию кластера у всего оркестра. Очень современно прозвучала и Симфония для духового оркестра в 2-х частях Анны Павловой (дипломная работа) – произведение серьезное по замыслу, написанное с опорой на классические законы формы и оркестровки, по своему характеру близкое Шостаковичу, любимому композитору автора.

В заключение концерта были исполнены два танца – «Три грации» и «Анор» – из хореографической сюиты «Шелковый путь» Игоря Савинова, написанные на подлинные народные темы, которые в своем неторопливом развитии окунули нас в атмосферу загадочного Востока. А последним номером вечера стала яркая и красочная «Увертюра» – блестяще исполненная оркестром, она поразила слушателей и очень полюбилась самим духовикам. Будем надеяться на дальнейшее плодотворное сотрудничество кафедры сочинения Московской консерватории и Государственного духового оркестра России. Пусть такие концерты станут доброй традицией!

Анна Павлова, Анна Поспелова,
студентки V курса КФ

№ 4 (120), апрель 2012

На календаре 12 марта, а за окном – метель… Деревья, дороги, крыши домов – все укутано пушистым белым покровом, и снежинки все летят, кружатся, сверкают в свете фонарей… Но в самом центре Москвы, в помещении конференц-зала Центрального дома архитекторов, тепло и уютно: здесь открывается персональная выставка Аллы Арцис «Фотозарисовки».

…От Моцарта до Вологды
Снега – лишь только полбеды,
А вот иссякнет музыка,
Тогда и впрямь беда.

(А. Арцис. «Моцарт»)

Можно ли отнести фотографию – наравне с живописью, поэзией, музыкой – к области искусства? Вполне! Еще В. И. Даль назвал фотографирование искусством «снимать предметы на бумагу посредством света». И выставка Аллы Арцис – ярчайшее тому подтверждение. Экспонируются фотозарисовки — ряд удивительных кадров живописных уголков самых разных городов мира. Не просто фотографии – каждый снимок как картина. Где-то реалистичные, где-то импрессионистичные полотна, некоторые похожи на изящные эскизы, некоторые – уже законченный шедевр. И все это – искусный взгляд талантливого мастера на окружающий мир сквозь объектив фотоаппарата.

Флоренция – палаццо, пьяццо
И мозаичные панно.
В твоих фонтанах львы резвятся,
Цедя янтарное вино.

(А. Арцис. «Флоренция»)

Проходишь по кругу, вглядываясь в запечатленные мгновения, в застывшее, вырванное у вечности время. И вдруг обращаешь внимание на интересный синтез: целый ряд фотографий сопровождают стихотворные строки – впечатления, не вместившиеся в круглое око объектива. Нельзя сказать за стихи лучше, чем они скажут о себе. Вот строки, сопровождающие некоторые особенно поэтичные кадры:

Между пиний апельсины,
Пальмы, заросли олив.
Звон курантов из Мессины
По волнам несет пролив.

(А. Арцис. «Мессина»)

Еще не успеваешь насладиться, прожить миг в каждом из окон разных уголков земного шара, как вдруг открываются двери и… посетителей ждет небольшой уютный зал. Программу открытия выставки подхватывает творческая молодежь – студенты Московской консерватории: Полина Арцис (меццо-сопрано), Татьяна Барсукова (сопрано), Анастасия Зимина (фортепиано). Русская и зарубежная вокальная миниатюра, дуэты и сольное фортепиано – порой возникает ощущение, что все происходит где-то в XIX веке. И даже не понимаешь сперва, что задает тон, направление непрерывному движению, слиянию разных областей искусства. Не понимаешь, пока не вслушаешься в чарующие звуки стихов в авторском прочтении. А они, эти звуки, заставляют погружаться в возникающие образы, терять чувство реальности, превращаясь в кружащийся напев мелодичного голоса. Он вплетает в себя бесчисленное множество узоров вологодского кружева, перемежаясь вьюжной какофонией и трубными окликами…

Знакомая мелодия,
Ее я слышу вроде бы,
А может, мне мерещится,
Пока смотрю на снег.

(А. Арцис. «Моцарт»)

Блистательный синтез стихов, фотографий, музыки, обволакивающий голос поэта – удивительный вечер затронул особые струны души. Вот отзвучали последние ноты, последние строки, изучены все фотографии… Выходишь на заснеженный тротуар, а в ушах все звучат пронзительным набатом строки:

Все тут, в низине, кажется не то:
Утробное урчание моторов
В густых парах газующих авто,
Бензин сосущих вместо валидола
На холостом ходу,
И вонь тосола…
«Не уходи…» –
звучит на диске соло.
Да Господи,
Куда же я уйду…

(А. Арцис. «Автомобильная пробка на Яузской набережной»)

Ольга Ординарцева,
студентка III курса ДФ