Российский музыкант  |  Трибуна молодого журналиста

Сказ о том, как Александр Сладковский Казань брал

Авторы :

№ 6 (122), сентябрь 2012

Государственный симфонический оркестр республики Татарстан (ГСОРТ) открыл свой 47-й концертный сезон. Почти полувековая история оркестра началась в 1966 году. У истоков коллектива стоял Назиб Жиганов – председатель Союза композиторов Татарстана, основатель и ректор Казанской государственной консерватории с 1945 по 1953 год. Он пригласил на пост художественного руководителя и главного дирижера оркестра Натана Рахлина. За годы работы Натана Григорьевича ГСОРТ стал высокопрофессиональным коллективом, в репертуар которого вошли шедевры мирового симфонического репертуара. После место за дирижерским пультом ГСОРТ занимали Ренат Салаватов, Сергей Калагин, Фуат Мансуров. Новый период в жизни оркестра начался в июле 2010 года, когда коллектив возглавил Александр Сладковский.

Александр Витальевич окончил Московскую и Санкт-Петербургскую консерватории, был главным дирижером театра оперы и балета Санкт-Петербургской консерватории и оркестра санкт-петербургской Капеллы, дирижером оркестра «Новая Россия». Придя в ГСОРТ, Александр Сладковский не только поднял игру музыкантов на высокий профессиональный уровень, но и обеспечил максимально комфортные условия для оркестрантов. В течение года в итальянском городе Кремноне были закуплены восемь скрипок, четыре альта, три виолончели, контрабас и арфа (четыре скрипки и альт XVII века мастера Паоло Антонио Тесторе, ученика великого Страдивари!). Группа фаготов пополнилась новыми инструментами знаменитой немецкой фирмы «Puchner».

Менее чем за два года оркестр ярко заявил о себе на российской музыкальной арене. А. Сладковский учредил в Казани четыре международных фестиваля  самой разной тематики: «Казанская осень», «Рахлинские сезоны», «Белая сирень» и «СONCORDIA». Фестиваль «Белая сирень» имени Сергея Рахманинова призван познакомить жителей республики с богатым наследием великого русского композитора. Уже дважды в Казань по приглашению Сладковского специально приезжал Александр Рахманинов, внук Сергея Васильевича. Одним из самых ярких событий стало учреждение крупного фестиваля современной музыки «СONCORDIA» имени Софии Губайдулиной – уроженки республики Татарстан. Он прошел впервые в ноябре 2011 года и был посвящен юбилею Софии Асгатовны. Подарком для слушателей стало личное присутствие композитора на концертах фестиваля.

К участию в этих форумах и выступлениях оркестра Александр Витальевич активно привлекает ведущие музыкальные силы России и зарубежья. За последний год Казань посетили Давид Герингас, Денис Мацуев, Николай Луганский, Борис Березовский, Юрий Башмет, Ольга Бородина, Хибла Герзмава, Дмитрий Хворостовский, Барри Дуглас и многие другие.

Важную часть работы оркестра составляют просветительские проекты. Продолжая традиции, заложенные Н. Рахлиным, А. Сладковский много внимания уделяет турне по городам Татарстана, в ходе которых все желающие могут бесплатно приобщиться к высокому искусству. Для поддержки особо одаренных учеников музыкальных школ и студентов консерватории учрежден проект «Достояние республики». В рамках программы «Исцеление музыкой» оркестр дает концерты для инвалидов и тяжелобольных детей. В следующем сезоне стартует новый образовательный проект «Уроки музыки с оркестром», в рамках которого музыканты будут давать бесплатные познавательные лекции и выступления для учеников казанских общеобразовательных школ. За эти и другие благородные поступки коллектив был удостоен звания «Благотворитель года – 2011».

Оркестр уже представил свою работу на суд европейских слушателей. В июне 2012 года ГСОРТ принял участие в Международном музыкальном фестивале «Worthersee Classics» в австрийском городе Клагенфурт. Кроме того, руководитель Международного музыкального фестиваля в Равинии Вельс Кауфман пригласил музыкантов в Северную Америку для участия в этом престижном форуме в 2013 году. Многие критики уже сегодня признают коллектив из Казани одним ярких в России. И, может быть, не за горами время, когда Государственный симфонический оркестр республики Татарстан составит достойную конкуренцию именитым оркестрам мира.

Ольга Завьялова,
студентка
IV курса ИТФ

Эликсир молодости

Авторы :

№ 6 (122), сентябрь 2012

18 мая в своем доме в баварской коммуне Берг, не дожив 10 дней до 87-летия, скончался великий немецкий певец Дитрих Фишер-Дискау.

Одно это имя способно вызвать в памяти вереницу звуковых ассоциаций, навеянных его потрясающим голосом. XX век, благодаря своей сложной и неоднозначной истории, стал совершенно особой эпохой в европейской музыке, а творчество Фишера-Дискау для нас, живущих в начале века двадцать первого, – эталоном мастерства музыканта того времени. Сегодня едва ли возможно представить себе, как выглядела бы картина европейской музыки прошлого cтолетия, если бы на ней не присутствовала личность Фишера-Дискау.

Невозможно забыть наполненные глубокой человечностью интерпретации певца «Прекрасной мельничихи» и «Зимнего пути» Шуберта. Биением усталого, истекающего страданием сердца слышатся «Песни странствующего подмастерья» Малера. Становится страшно – стоит только вспомнить звучание «Лесного царя». Все эти образы – лишь малая часть той колоссальной работы музыканта, которая навсегда останется в анналах истории музыки.

Необыкновенной чистоты голос Фишера-Дискау, соединенный с огромным актерским даром и непрестанным саморазвитием чрезвычайно талантливого человека, – все это послужило причиной возникновения ряда образов, через которые мы теперь воспринимаем оперу и феномен европейской композиторской песни. Стиль исполнения Фишера-Дискау – яркий, но не ослепляющий – проникает в сердце каждому, оставаясь при этом глубоко индивидуальным и безошибочно узнаваемым с первых звуков.

Наверное, мало кто знает, что помимо высочайшего качества звуковых памятников Мастер оставил нам и литературное наследие. Его книга размышлений и воспоминаний «Отзвуки былого» не уступает образцам текстов лучших музыкантов прошлого – Бетховена, Шумана, Бородина. Сквозь описание своей жизни, наполненной личным творчеством и встречами со многими исполнителями и дирижерами, чьи имена давно стали для нас символами самой музыки, просвечивает великолепный ум автора – человека с богатой и тщательно организованной системой внутреннего мира, с теплым юмором рассказывающего о тех, кто вместе с ним шел по дороге, имя которой – Музыка, и об извилистых перипетиях того непростого времени, в котором ему выпала судьба творить. Для каждого, чье сердце оживает при имени Фишера-Дискау, эта книга станет символом задушевной беседы, в которой автор с присущей ему скромностью, тактом и обаянием раскрывает бытие европейской музыки во второй половине XX века, с большим достоинством отзываясь о героях своего повествования.

Слушая Фишера-Дискау, невозможно представить, что звучащее было пропето когда-то, – все ощущается так, будто происходит сейчас и звучит впервые. По-своему певец открыл «эликсир молодости» – голос Дитриха Фишера-Дискау, благодаря многочисленным записям, навсегда сохранит для нас свежесть звучания и неугасаемый жар артистического огня.

Марина Вялова,
студентка
IV курса ИТФ

Душой говорить с публикой

Авторы :

№ 6 (122), сентябрь 2012

Есть люди, которые раскрываются в полной мере лишь при живом общении. Одна из них – народная артистка России профессор Юлия Андреевна Туркина. Как только я вошла в ее класс, меня встретила очень приветливая женщина, с глазами, излучающими свет и любовь к жизни. И еще я сразу поняла: эти глаза видели многое, ведь Юлия Андреевна пережила Великую Отечественную войну, о которой она до сих пор рассказывает с болью и так, как будто это произошло вчера…

Уже с порога Юлия Андреевна заявила, что самое главное достижение в ее жизни – это фортепианный дуэт. По всему миру были известны Галина и Юлия Туркины – «душа и сердце», как их прозвали за проникновенное исполнение. Более 60 лет сестры Туркины без перерыва продолжали свою деятельность. Каждый год в честь своей сестры, которой уже нет в живых, Юлия Андреевна дает сольный концерт.

Кроме того, осенью 2011 года Юлия Андреевна на сцене встретила свой юбилей. Но она, как и всякая женщина, не любит цифры. Скажу лишь то, что Юлия Андреевна является единственной концертирующей пианисткой, достигшей такого возраста. Именно за эти заслуги ее имя было занесено в Книгу рекордов Гиннеса.

Меня поразила ее невероятная трудоспособность – Юлия Андреевна много играет в камерном ансамбле и постоянно учит новые произведения, чем могут похвастаться отнюдь не все нынешние музыканты. И играет она всегда наизусть! «Когда играешь наизусть, – говорит она, – ты исполняешь, а когда играешь по нотам – читаешь с листа». После этих слов она тут же стала показывать ноты виолончельной сонаты Мясковского и мы погрузились в обсуждение музыки.

Есть музыканты, которые не очень задумываются о смысле сочинения при его исполнении, о том, что хотят донести до публики. Юлия Андреевна сказала золотые слова, которые должны светить как маяк всем исполнителям: «Самое главное для музыканта – душой сказать публике то, что он ждет. Пальцы должны говорить то, что чувствует душа. А сейчас у многих пальцы изумительные, техника феноменальная, а кому она нужна без души? Никому! Еще Рахманинов предупреждал, что скоро сердце и душа отомрет». Будем надеяться, что благодаря таким людям, как Юлия Андреевна, это не произойдет никогда.

Лилия Миндиярова,
студентка
IV курса ИТФ

Веселый старичок?!

Авторы :

№ 5 (121), май 2012

8 апреля в подмосковном городе Жуковский состоялся концерт Школы хорового искусства «Полет» им. Т. Е. Селищевой под названием «Наш любимый композитор». Это солнечное воскресенье объединило сразу несколько праздников: Вербное воскресенье, Пасха у западных христиан, День войск противовоздушной обороны… Но главным поводом для встречи стал юбилей известного московского композитора Михаила Броннера, в связи с 60-летием которого в Москве проходит череда концертов. Об одном из них, совершенно особенном, хочется рассказать.

С «Полетом» Михаила Борисовича связывает очень многое. Во-первых, крепкая дружба с основателем школы, увы, ушедшей из жизни, Татьяной Евгеньевной Селищевой. Кроме того, сын композитора, а позже и внук ездили на занятия в хоровую студию из Москвы, они до сих пор не расстаются с друзьями из «Полета». Сам композитор провел вместе с «Полетом» в летних трудовых лагерях Молдавии, Крыма, Украины не одно лето, о чем вспоминает с большим удовольствием. С тех пор он даже называет себя «хоровым папой».

Композитор написал для детского хора множество произведений разной сложности: в составе школы 5 хоров, в которых поют дети от 5 до 17 лет. Он часто дирижирует, разучивает новые партитуры, дает бесценные творческие рекомендации по исполнению собственных сочинений. Детям из школы «Полет» несказанно повезло, ведь они имеют возможность не только исполнять музыку великих классиков, но и непосредственно общаться с композитором-современником. За многие годы совместной работы с М. Броннером «полетовцы» узнали его не только как серьезного музыканта-профессионала, но и как шутника, добряка и просто замечательного человека!

Среди любимых произведений композитора есть «хиты», которые абсолютно все хористы, как и их родители и педагоги, знают наизусть: «Бульдог и таксик» на слова Д. Хармса, «Вредные советы» на слова Г. Остера, «Гадания по различным частям тела». Правда, этот юмористический ряд дополняют и весьма серьезные работы, написанные Броннером именно для детского хора (сам композитор считает, что тембр детского голоса, не «испорченный» искусственно поставленным вибрато, является лучшим музыкальным инструментом). Его «Stabat Mater Dolorosa», «Псалтирь» были исполнены с камерным оркестром «Времена года» (дирижер Владислав Булахов) и записаны на диск.

В тот вечер принять участие в выступлении посчастливилось всем ребятам – от малышей из хора «Капелька» до старшего концертного хора «Полет» и даже хора выпускников «Вдохновение». Сам маэстро Броннер присутствовал на концерте и был очень тепло встречен руководителями хора, детьми и их родителями. Выпускники прошлых лет подготовили любимому композитору невероятный сюрприз: кроме традиционного «Край ты мой заброшенный» на стихи С. Есенина, тоже ставшего «хитом», хористы исполнили песню… другого автора. Текст был сочинен выпускниками в виде поздравления с юбилеем и положен на хорошо известную Броннеру мелодию Ефрема Подгайца «Веселый старичок»! По признанию хористов, выбор определило юмористическое название, хотя, конечно же, музыканты единогласно воскликнули, что эра молодого композитора для Броннера не закончилась, а перешла в новую стадию – маститого художника.

В заключение концерта старший хор «Полет» исполнил 6 номеров из нового сочинения Броннера «Лимерики» на стихи Э. Лира с участием фортепиано и ударных (дирижировал автор). В мае этого года британскому писателю Лиру исполнилось бы 200 лет. Его короткие юмористические стихотворения, построенные на обыгрывании бессмыслицы, и легли в основу нового сочинения – композитора всегда привлекали комические сюжеты, и «Лимерики» не исключение. Произведение предназначается для исполнения с камерным оркестром, и уже в этом составе премьера состоится 19 мая в Московском доме музыки. Юбилейный марафон продолжается!

Анна Филиппова,
студентка
III курса ИТФ

Актуальный Петя с волком

Авторы :

№ 5 (121), май 2012

Слушая сказку «Петя и волк» Сергея Прокофьева, не одно поколение детишек постигало тайны симфонического оркестра. Познавательное представление появилось на свет по просьбе Центрального детского театра в 1956 году. Спустя 76 лет музыкант, искусствовед, поэт и драматург Михаил Казиник решил создать другой словесный текст сказки, посчитав, что прокофьевская литературная основа порядком устарела. 14 апреля в Театральном зале Московского дома музыки столичным детям представили новый вариант знаменитой симфонической зарисовки Прокофьева. В преддверии премьеры М. Казиник рассказал о причинах, побудивших его посягнуть на авторский текст.

– Михаил Семенович, почему Вы решили создать альтернативный вариант текста для произведения?

– Те дети, для которых писал Сергей Сергеевич Прокофьев, не знали ни «Тома и Джерри», ни зайца и волка из «Ну, погоди!». Нынешние дети привыкли к резкой смене событий и непредсказуемости. Например, им трудно понять, почему, когда в тексте говорится, что Петя открыл калитку и вышел на лужайку, в музыке ничего не происходит.

Чем Ваш текст принципиально отличается от авторского?

– В свой вариант я ввел аллитерации, подражания инструментам, поэзию, раскрыл знаки музыки. Прежде чем фагот изобразит ворчание дедушки, я сам поворчу в тексте, подражая этому инструменту. Кроме того, иногда у Прокофьева музыка и текст не совпадают. Например, актер произносит: «Кошка сидела на одной ветке, птичка – на другой, а волк смотрел на них жадными глазами». А в музыке в это время «дрожит» то птичка, то кошка, потому что Волк пугает их по очереди. Ну, а гениальный реквием утки, звучащий в партии оркестра, просто нельзя не отразить в тексте.

Собираетесь издавать партитуру «Пети и волка» со своим текстом?

– Я бы с удовольствием это сделал в будущем. Пока собираюсь записывать диск при участии Бориса Тихомирова.

Почему Вы решили сами выступать в роли чтеца?

– На мой взгляд, важно, чтобы текст произносил музыкант, который словно дразнится, имитируя звучание инструментов.

Во времена Советского Cоюза композиторы создавали довольно много музыки для детей. Как Вы думаете, почему сейчас такие произведения появляются редко?

– Во времена СССР при всех проблемах дети были «орлятами», которые «учатся летать». В посткоммунистическом обществе вместе с водой «из корыта выплеснули ребенка». Дети для нынешних нуворишей так же неприбыльны, как и старики. Сериал ужасов «Школа» Валерии Гай Германики показывали в лучшее время на канале Россия, а наши с Натальей Кугашовой и Игорем Шадханом 56 фильмов «В свободном полете» – на ТВЦ в три часа ночи. Дети, которые никогда не посмотрят наших передач о Моцарте и Григе, Шуберте и Гайдне, но увидят со стороны такую школу, не нуждаются ни в Прокофьеве, ни в волшебных историях. В современном обществе сделали «былью» самые страшные сказки, а добрые сказки стали тленом…

Ольга Завьялова,
студентка
III курса ИТФ

Концерт длиною в жизнь

Авторы :

№ 4 (120), апрель 2012

21 марта, не дожив трех месяцев до своего 80-летия, ушел из жизни Николай Николаевич Некрасов (1932-2012) – замечательный дирижер и педагог, представитель старейшей династии музыкантов-народников. Он твердо верил в то, что музыка «как лекарство – может вылечить, а может и убить», а потому всю жизнь пропагандировал настоящие сокровища музыкальной культуры, особенно русские песни и романсы. Около 40 лет Николай Николаевич возглавлял знаменитый Академический оркестр русских народных инструментов Гостелерадио (в наши дни АОРНИ ВГТРК), объездив с гастролями весь земной шар, совмещал активную концертную деятельность с педагогической в Институте имени Гнесиных и Московской консерватории.

Потомственный музыкант (в четвертом поколении!), Н. Н. Некрасов вырос в музыкальной среде. Дед и отец – дирижеры, мать пела и играла на виолончели. В доме часто бывали знаменитые певцы и исполнители – Лемешев, Козловский, Скопцов, о встречах с которыми Николай Николаевич очень любил вспоминать. Хотя музыка не была единственным увлечением будущего маэстро – соперницей долго была химия. «В конце концов, великий русский композитор Александр Порфирьевич Бородин тоже был сначала химиком, а потом стал композитором и написал оперу “Князь Игорь”», – думал он, а позднее с юмором вспоминал, как «вечно ходил в прожженных кислотой штанах, за что всегда был дома нагоняй». В какой-то момент отец сказал: «Хватит дурака валять… Давай-ка ты, занимайся на домре» – так началось музыкальное образование. Затем было Музыкальное училище имени Октябрьской революции (ныне Музыкальный колледж имени А. Г. Шнитке) по классу балалайки, служба летчиком на Украине (впоследствии он не раз сравнивал профессию дирижера с парашютным прыжком), диплом ГМПИ имени Гнесиных по классу балалайки и дирижирования.

После института Николай Николаевич сразу же оказался в стремительном круговороте музыкальных событий. В 1957 году на Всемирном фестивале молодежи и студентов он завоевывал золотую медаль, исполнив на балалайке «Венский каприс» Крейслера и сразив наповал главу комиссии из Парижской консерватории тем, что исполнил это виртуозное произведение «на трех струнах на этом треугольном инструменте». Затем – дирижерский дебют с симфоническим оркестром в Америке в 1959 году, ставший фактически «боевым крещением», т. к. из-за необходимости заменить коллегу пришлось неожиданно «всю ночь провести с партитурой». После этого была работа в знаменитом ансамбле Игоря Моисеева, «давшая такой заряд мастерства, что его хватит на всю жизнь». И, наконец, с 1973 года Николай Николаевич стал главным дирижером АОРНИ ВГТРК – прославленного коллектива, который именовали за границей не иначе как «русским чудом», а на родине слушатели уже много лет зовут «Некрасовским».

В центре творческого внимания руководителя всегда были русская песня и городской романс. Отсюда многочисленные выступления с ведущими певцами – И. Архиповой, В. Пьявко, И. Козловским, Е. Образцовой, концерты с молодыми, еще только начинающими свой путь солистами, лауреатами конкурса Глинки – с В. Гривновым, Е. Манистиной, Е. Максимовой, Е. Кунгуровым, М. Гужовым, Н. Ерохиным, многочисленные циклы концертов «Ирина Архипова и Николай Некрасов представляют», «Ямщицкие песни», «Я люблю Вас так безумно», собиравшие всегда полные залы.

Но не только вокальная музыка интересовала Николая Николаевича. Он был одним из первых исполнителей, редактором и интерпретатором серьезной инструментальной музыки для оркестра русских народных инструментов, написанной композиторами академического направления, неизменно расширяя репертуар этого сравнительно «молодого» (сегодня оркестру русских народных инструментов чуть более ста лет!) состава. Под его руководством звучали «Русская фантазия» А. Глазунова (написанная в свое время специально для Великорусского оркестра В. Андреева), «Симфония-фантазия» Р. Глиэра, «Итальянская симфония» С. Василенко, многочисленные премьеры композиторов-выпускников Московской консерватории: Н. Пейко, В. Кикты и И. Красильникова – произведения разных жанров и форм, от миниатюр до симфоний и концертов.

Всегда открытый для молодежи, Николай Николаевич с большим интересом относился к творчеству начинающих музыкантов. А с 2001 года он преподавал на кафедре инструментовки Московской консерватории, раскрывая перед студентами необыкновенные возможности оркестра русских народных инструментов, сопровождая рассказ показом уникальных записей, а также приглашая композиторов на свои репетиции. Это на практике давало возможность услышать тембровые чудеса, на которые способен многогранный состав, и чего всегда так не хватает при обучении нелегкому искусству оркестровки.

С уходом Николая Николаевича Некрасова завершилась одна из ярких глав в истории нашей культуры, отзвучал концерт длиною в жизнь…

Павел Алексеев,
студент
IV курса КФ

«Все мы родом из детства»

Авторы :

№ 4 (120), апрель 2012

Эти слова французского писателя Антуана де Сент-Экзюпери стали своеобразным эпиграфом творческой деятельности Ольги Пантелеевны Камозиной – педагога-новатора с 40-летним музыкально-педагогическим стажем. Ольга Пантелеевна работает в Ростове-на-Дону в единственной в России 10-летней Джазовой школе имени Кима Назаретова. Она является автором оригинальных игровых методик по предметам «сольфеджио» и «музыкальная литература».

Ольга Камозина окончила Ростовскую государственную консерваторию им. С. В. Рахманинова, проходила стажировку в Германии, работала в детских музыкальных школах и музыкальных училищах. Но не так давно, девять лет назад, судьба связала Ольгу Пантелеевну с джазовой школой, где обучение детей начинается с трех лет! «Чем раньше – тем лучше» – таков негласный лозунг школы. Но как помочь малышам освоить сложный курс, да еще и в такой короткий срок? Ведь курс обыкновенной музыкальной школы заканчивается здесь уже во втором классе! В третьем – начинаются уроки импровизации, которые на начальном этапе возможны только при активном использовании всего комплекса классических аккордов. А потом следуют сложные гармонические конструкции нетерцового строения, всевозможные лады, которые, оказывается, тоже изучаются учениками средних классов школы.

Основная суть оригинальной методики автора – творческая практика буквально с первых уроков сольфеджио, еще в донотный период! Дети практически ничего не пишут на занятиях. Они сочиняют мелодии, подбирают аккомпанемент – учатся применять самые простые, но такие ценные знания на практике. «Эта методика позволяет малышам без напряжения, с радостным увлечением заниматься все 45 минут», – говорит Ольга Пантелеевна.

Самый сложный и непредсказуемый, наверное, первый урок. Ведь трехлетние дети часто ассоциируют музыку с праздником: утренник в детском саду, сладости, радостные улыбки родителей. И, приходя в музыкальную школу, ожидают того же. Но нередко они обманываются, получая вместо этого скучное пение гамм и изучение непонятных правил. «Упрощайте сложное, и вы получите самый существенный результат» – эти слова английского историка Генри Бокля открывают учебник Ольги Камозиной.

Зачем дети приходят в музыкальную школу? Учиться на артиста! Первый урок Ольга Пантелеевна назвала «Посвящение в артисты». Ребенок поет песню, нажимает клавиши на фортепиано, учится кланяться, аплодировать своим новым коллегам. А затем начинается так называемое «неправильное» сольфеджио, то есть сольфеджио, в котором нет правил, а вместо них – песенки, картинки и разные истории.

О. П. Камозина нашла оригинальную методику и для преподавания музыкальной литературы. Ольга Пантелеевна рассказывает, что, когда она только начинала свою педагогическую деятельность, в глазах детей часто читала: «Тетя, с кем и о чем ты разговариваешь?..» Наверное, это подтолкнуло ее на создание собственной методики.

Как известно, главным видом деятельности для детей является игра. Ольга Пантелеевна построила свой курс так, чтобы ученики запоминали материал через игру и собственное творчество. Например, изучив Древнюю Грецию, ребята ставят «древнегреческую» трагедию «Курочка Ряба». Помимо известных персонажей здесь участвуют и Боги – Зевс, Посейдон. Узнав о происхождении оперы, ребята осуществляют постановку учебного спектакля «Красная шапочка» — О. П. Камозина сама написала музыку и использовала в этом сочинении все основные оперные формы.

Очень важный элемент урока – создание антуража. Ольга Пантелеевна и здесь проявляет творческую фантазию. Например, рассказывая ученикам о восточной музыке, она обязательно приносит ребятам восточные сладости, готовит чай, накрывает стол…

Конечно, в Джазовой школе имени Кима Назаретова есть несколько педагогов-теоретиков. Интересно, что основной принцип учебного заведения таков: каждый работает, как хочет; главное – результат. Методика О. П. Камозиной, безусловно, дает превосходные результаты. Ее выпускники продолжают профессиональное музыкальное образование в Амстердаме, Лейпциге, Берлине и других европейских центрах. И, даже находясь за границей, ребята всегда советуются с любимым педагогом, ведь все мы родом из детства…

Мария Тихомирова,
студентка
III курса ИТФ

Их знают в мире

Авторы :

№ 4 (120), апрель 2012

Ансамбль солистов «Премьера» был создан в Мерзляковском училище (ныне Академическом музыкальном колледже при МГК) в 1994 году. С тех пор в этом учебном коллективе под руководством талантливых и чутких педагогов было воспитано не одно поколение профессионалов. И сейчас, спустя 18 лет, в Ансамбле продолжают вырастать прекрасные музыканты, многие из которых, еще совсем юные, побеждают на международных конкурсах и гастролируют по всему миру.

«Премьера» – камерный оркестр. Когда учащиеся вступают в него, они получают профессиональную ансамблевую школу и приобретают важные навыки концертного музицирования. Но одновременно каждый проявляет в нем и индивидуальные творческие способности. Это ансамбль солистов, гармоничный сплав восходящих звезд, подающих большие надежды в мире музыкального искусства.

Коллектив является лауреатом многих зарубежных фестивалей: XVII фестиваля молодых оркестров в Мурсии, Musica Sacra Praga в Чехии, фестиваля в Медине (Тунис), молодежного фестиваля российского искусства в Италии (область Марке). Многие музыканты ансамбля впоследствии стали работать в престижных оркестрах страны – в БСО им. Чайковского, в оркестрах Большого театра и «Виртуозы Москвы», в ансамблях старинной музыки «Pratum Integrum», «Musica Petropolitana» и многих других.

Репертуар «Премьеры» включает произведения эпохи Барокко, русскую и зарубежную классику, музыку XX века. Но творческие возможности музыкантов этим не ограничиваются. Публике в их исполнении были представлены также две оперы – «Аптекарь» Гайдна (премьера которой прошла в петербургском театре «Эрмитаж») и «Импресарио в затруднении» Чимарозы. В постановках приняли участие известный дирижер Игорь Дронов (под взмахом его палочки оркестр играет так, как будто это единый живой организм) и театральный режиссер Игорь Ушаков. Несмотря на то что в обеих операх задействован минимум декораций, в этом есть своя прелесть и даже некая «изюминка». Впечатление дополнили интересные костюмы, созданные художником Ирэной Белоусовой. Постановки были восприняты зрителями с энтузиазмом. Все это говорит о том, что ансамбль «Премьера» – не только музыкальный коллектив, но и настоящая «театральная» труппа. И стоит отдать им должное за то, что они возрождают оперы, которые практически не исполняются в России и не столь известны публике.

Музыканты «Премьеры» на протяжении почти двух десятилетий ведут насыщенную концертную деятельность. Их выступления проходят на самых разных площадках – Большой, Малый, Рахманиновский залы Московской консерватории, Музей изобразительных искусств им. Пушкина, музей-заповедник «Царицыно», Центр оперного пения Галины Вишневской, Третьяковская галерея и др. Благодаря упорному труду коллектива и профессиональному руководству Тамары Васильевны Казаковой ансамбль исколесил многие города и страны мира и везде был встречен слушателями с неизменным восторгом. Будем надеяться, что на смену талантливым музыкантам в этот коллектив по-прежнему будут вливаться такие же яркие творческие личности и «Премьера» будет продолжать радовать слушателей своим искусством.

Татьяна Бесполитая,
студентка
III курса ИТФ

Музыкальное возвращение

Авторы :

№ 4 (120), апрель 2012

Недавно в рамках лекторской практики мне посчастливилось провести концерт в зале им. Мясковского, посвященный памяти несправедливо забытого композитора и ученого Михаила Александровича Марутаева (1925-2010). Знающие люди называют его музыку современной классикой.

Музыкальные способности Марутаева проявились очень рано – в два года. Обучаться музыке он начал в 7 лет, а в 9 уже получил свою первую премию на олимпиаде в Киеве за исполнение сонаты Гайдна. С 10 лет стал сочинять, в 1940-м по рекомендации виолончелиста Леопольда Ростроповича (отца М. Ростроповича) он был принят в Мерзляковское училище, в 1944-м ушел на фронт; окончив училище в 1948-м, в тот же год поступил в Московскую консерваторию в класс В. Я. Шебалина, в 1954-1957 гг. обучался в аспирантуре. Как композитор М. А. Марутаев уже первым струнным квартетом (1952) привлек внимание музыкальной общественности. Его исполнение (1953) имело такой резонанс, что декан факультета С. С. Богатырев назвал этот успех «шаляпинским». За ним последовал прием в члены Союза композиторов (1954). Творческое наследие композитора включает ораторию «Героическая Русь» и кантату «Слово матери», концерты для альта и для скрипки с оркестром, Симфонию, камерные ансамбли, романсы, произведения для детей и многое другое.

Михаил Александрович – один из немногих советских композиторов, музыкальное творчество которого удивительным образом сочеталось с научным подходом. Он был академиком Международной академии творчества, Международной академии наук и Национальной академии интеллектуальных и социальных технологий; он известен своими оригинальными исследованиями (статья «О гармонии как закономерности», 1978; книга «Золотое сечение: Три взгляда на природу гармонии», 1990).

На концерте звучало много замечательной музыки. Первый и Второй струнные квартеты исполнили музыканты «Русквартета» (А. Снежина, А. Янчишина, А. Назарян и А. Дулова). Вокальные произведения на слова Тютчева («Двум сестрам» и «Чему бы жизнь нас не учила») прозвучали в интерпретации Вячеслава Марутаева – сына композитора и солиста Театра им. Станиславского и Немировича-Данченко. Заметное оживление публики вызвали детские сочинения и музыка к кинофильмам («В путь» из мультфильма «Незнайка» и «Вальс» из кинокартины «Рогатый бастион») в исполнении Татьяны Рубиной. В ее же вдохновенной игре слушателям посчастливилось познакомиться и с рядом «взрослых» фортепианных произведений – Сонатиной, прелюдией, музыкальными моментами, этюдами (отнюдь не легкими в техническом плане).

Гвоздем программы стало исполнение трех пьес для скрипки и фортепиано («Кривое зеркало», «Русский напев», «Баба Яга») Леонорой Дмитерко и Татьяной Рубиной. Музыка почти зримо воспроизвела сказочные образы, заявленные в названиях. В пьесах живо ощущалась национальная традиция, идущая от Н. Римского-Корсакова, А. Лядова, И. Стравинского.

Каждое из прозвучавших в концерте произведений явилось в полном смысле открытием музыки, которая, на мой взгляд, достойна звучать на концертной эстраде! Человек может уйти и вернуться, если его музыка продолжает жить.

Маргарита Плюйко,
студентка
III курса ИТФ

Слышать не только себя

Авторы :

№ 3 (119), март 2012

Идея перемещения во времени и пространстве всегда преследовала человечество. Вообразим концертную атмосферу начала XIX века – свечи, канделябры, исполнители за роялем… Фортепианный дуэт в то время очень популярный жанр — салонное ансамблевое музицирование так увлекало публику, что предприимчивые издатели стали выпускать не только дуэтные сочинения и переложения оркестровых произведений, но и четырехручные аранжировки фортепианных сонат Бетховена, ноктюрнов и этюдов Шопена. Молниеносно достигнув триумфа, этот жанр на время канул в Лету. И лишь во второй половине ХХ века на него вновь стали устремляться взоры исполнителей. Среди них – очаровательный фортепианный дуэт: аспирантки Наталья Рахманина и Людмила Маегова.

Девушки учатся в классе профессора Д. Г. Галынина и уже пятый год радуют слушателей образцами ансамблевого репертуара. В прошлом году дуэт выдержал два ответственных выступления в залах консерватории. На обоих прозвучала Соната для двух фортепиано фа минор Й. Брамса. Серьезное и в техническом, и в содержательном плане сочинение произвело успех и вызвало поток оваций. С мощной энергией и эмоциональным накалом, что приятно оттенялось хрупкостью исполнительниц, девушки увлекали слушателей стремительными порывами музыки, не позволяя ни на мгновение оторваться от мысли композитора. «Мы давно хотели играть Брамса – получилось только сейчас, в аспирантуре, когда есть возможность выбирать программу самостоятельно. Это новая вершина, которую мы взяли!» – говорит Людмила.

Предыдущее переломное сочинение – «Видение аминя» Мессиана – сейчас представляется девушкам спасительным: после него решение о жизни дуэта окончательно утвердилось. А первым совместным произведением была Первая сюита С. В. Рахманинова. К творчеству любимого композитора девушки обращались и позднее, планы на будущее тоже связывают с его творчеством.

Играют исполнительницы преимущественно на двух роялях, предпочитая эту форму четырехручному изложению. «Это технически не просто, – рассказывает Людмила, – нужны большие залы с хорошей акустикой и два инструмента. Но как приятно ощущать всю фактуру рояля, чувствовать его полностью своим.» Репертуар фортепианных ансамблей велик, учитывая всевозможные переложения, но исполнительницы утверждают, что «психологически комфортнее играть специально написанную для фортепиано музыку».

Слушая, я поразилась органичности звучания дуэта, мне даже показалось, что девушки как бы общаются друг с другом во время игры, от их исполнения веяло воздушностью, изяществом и самоуглубленностью. Нельзя сказать, что они играют театрально или артистично. Нет! Они живут в произведении, лелея каждую мысль композитора. Убежденная, что секрет единства в схожести характеров пианисток, я крайне удивилась, получив обратный ответ. «Мы совершенно противоположны по темпераменту, – утверждает Людмила. – Наташа очень чуткая, ей легко подстроиться. Но если в ансамбле есть лидер, то дуэт пострадает – необходимо действовать как единый организм. Важно, чтобы исполнителей объединяла общая духовная сфера.» В совместной работе приходится изменять некоторые личные качества и девушки с готовностью идут на это.

Специфика работы в дуэте, наверное, дело субъективное. Для Наташи и Людмилы – это «слышать не только себя, но и партию партнера, выстраивать каждый аккорд, чтобы ощутить тонкие детали целого». Делясь секретами исполнительства, девушки советуют делать записи при разучивании, ставить во время занятий конкретные цели, что «помогает удержаться под контролем, а не улететь каждому в свою сферу», а главное – «работать над собой, над своей душой».

«Искусство призвано дарить людям радость и очищение» – таково кредо дуэта. Пусть такой радости будет больше для слушателей наших залов!

Ольга Бальцевич,
студентка IV курса ИТФ