№ 6 (131), сентябрь 2013

В первом ряду хоровые дирижеры А. В. Никольский,
А. В. Александров, П. Г. Чесноков, В. П. Мухин. Конец 1920-х гг.

Если пройтись по Брюсову переулку от консерватории в сторону Дома композиторов, то слева обязательно привлечет внимание солидный дом со множеством памятных досок. Это знаменитый дом Большого театра. Здесь в разные годы жили выдающиеся деятели музыкального искусства: А. В. Нежданова и Н. А. Обухова, И. С. Козловский и А. С. Пирогов, М. П. Максакова и Н. С. Голованов… Квартира Николая Семеновича Голованова уже более сорока лет является мемориальным музеем, и именно здесь, в уютном рабочем кабинете, 28 августа – в праздник Успения пресвятой Богородицы и годовщину смерти великого дирижера – состоялся премьерный показ документального фильма «Синодалы».

Предваряющие премьерный показ речи были достаточно коротки: небольшая подводка директора Музея-квартиры Н. С. Голованова Станислава Дяченко, несколько вдохновенных слов консультанта и музыкального редактора фильма Любови Овчинской. И только фигура режиссера – Валерии Ловковой – к сожалению, лишь упоминается: она сама приехать не смогла.

«Простые говорящие головы темы не раскрывают. Когда я посмотрела первый вариант монтажа, я поняла, что имею дело с редким ансамблем автора идеи и режиссера, – высоко оценивает режиссерскую работу в своем выступлении перед показом один из рассказчиков, доктор искусствоведения Марина Рахманова. – Зрительные образы часто противоречат тому, что реально звучит… Но здесь была гармония». И действительно, сюжет фильма состоит из чередования видеозаписей и фотографий старых архивов, храмовой живописи, святынь и церковных интерьеров – и все это крайне органично соотносится со звучанием редких записей духовной музыки.

Сам фильм небольшой, около 40 минут. Но за этот маленький отрезок времени режиссер успевает увлекательно провести нас от истоков создания хора Патриарших певчих дьяков до непростой жизни выпускников Синодального училища в середине XX века. Смотришь на одном дыхании: голоса Марины Рахмановой, регента Хора Московского подворья Свято-Троицкой Сергиевой лавры Владимира Горбика, научных сотрудников музея-квартиры Н. С. Голованова Ольги Захаровой и Алексея Наумова уводят за собой в тот по-своему очаровательный, уже несуществующий мир конца XIX века. Синодальное училище, 90 лет назад в результате вынужденных преобразований влившееся в Московскую консерваторию как хоровой отдел, – уникальное учебное заведение, заложившее в своих выпускников основы высокого профессионализма и несгибаемую силу духа. И, конечно, помимо Н. С. Голованова, замыкающего плеяду великих мастеров церковного пения, героями фильма в первую очередь стали выпускники и педагоги училища: А. Д. Кастальский и П. Г. Чесноков, С. В. Смоленский и С. А. Жаров.

Сейчас, когда история Синодального училища уходит все дальше, трудно переоценить значимость документальных фильмов – подлинных свидетельств времени. Валерия Ловкова уже работает над новым проектом, но будем надеяться, что звучавшие после премьерного показа вопросы и просьбы о продолжении «Синодалов» материализуются в ближайшем будущем.

Ольга Ординарцева,
студентка V курса ДФ

№ 6 (131), сентябрь 2013

24 мая на Красной площади с большим размахом был отмечен праздник «День славянской письменности и культуры». В нем участвовали 30 разных хоров (более 2000 человек) и два оркестра (Оркестр Министерства обороны и Оркестр военно-морского флота). Основной идеей концерта было исполнение русских народных и современных песен.

Организаторы специально выбрали самые известные песни, чтобы люди, пришедшие на Красную площадь, могли подпевать многотысячному хору. Над сценой располагались большие экраны, на которых появлялись слова исполняемых песен. Многие из прозвучавших произведений были написаны замечательным отечественным композитором А. Пахмутовой, которая присутствовала на концерте вместе со своим супругом, поэтом Н. Добронравовым, автором текстов к большинству ее сочинений.

Помимо произведений Пахмутовой («Надежда», «Песня о тревожной молодости», «Беловежская пуща») звучали и многие другие, не менее известные: «Катюша» М. Блантера, «Широка страна моя родная» И. Дунаевского, «Я шагаю по Москве» А. Петрова, «Песня бременских музыкантов» Г. Гладкова и т. д.

Кроме Пахмутовой на концерте присутствовал еще один важный гость – патриарх Московский и всея Руси Кирилл. Ему предстояло открывать этот вечер. После песнопения «Отче наш», исполненного многотысячным хором под управлением молодого дирижера, руководителя Синодального хора, предстоятель русской церкви обратился к публике с речью о празднике Кирилла и Мефодия как Дне славянской письменности и культуры: «Песня как ничто другое объединяет людей, и каждый человек это хорошо знает. Когда встречаются родные, близкие люди, нередко застолье сопровождается песней. Когда солдаты идут в бой – они тоже поют… Давайте этим многотысячным хором споем те песни, которые объединяли наших бабушек и дедушек, отцов и матерей, братьев и сестер и которые сегодня способны объединять нас как единый народ».

В начале концерта под руководством А. Пузакова было исполнено сочинение П. Г. Чеснокова «С нами Бог». Затем на сцену вышел главный участник масштабного события – дирижер, генерал-лейтенант Валерий Халилов. Ему не впервой было дирижировать таким количеством исполнителей – как известно, он постоянный руководитель парадов 9 мая на Красной площади. Большинство песен прозвучало под его управлением.

Появление на сцене выдающегося российского хормейстера Владимира Минина вызвало бурные овации не только среди публики, но и, что особенно примечательно, среди многотысячного хора на сцене. Минин вдохновенно продирижировал обработкой русской народной песни «Ах ты, степь широкая» для хора a cappella, принадлежащей перу А. В. Свешникова.

Радость общего слушания и пения у публики достигла апогея. Эффектным и грандиозным по размаху заключением концерта стал праздничный салют в темнеющем вечернем московском небе. А когда праздник был окончен, все расходились под звуки марша «Прощание славянки», и минор этой музыки, казалось, был наполнен светом, бодростью и силой.

Феликс Стрельников,
студент IV курса ИТФ

№ 5 (130), май 2013

Когда речь заходит о литературе, посвященной Шуману, в памяти невольно всплывают очерки авторитетных исследователей из учебников по музлитературе и массивная монография Даниэля Житомирского. Однако, к счастью, в XXI веке интерес к персоне короля «Давидсбунда» и его окружению не угасает.

Если исследователь берется рассматривать и без того известную фигуру великого немецкого романтика под микроскопом, то его могут подстерегать определенные ловушки – факты, подретушированные временем или идеологическими стандартами. В случае с Робертом Шуманом «ретушь» была нанесена еще при жизни композитора – ближайшим другом и властительницей сердца, возлюбленной Кларой Шуман. Страшная игра жены в «редактирование пройденного пути» накинула на жизнь и творчество немецкого гения мрачное грозовое облако, из которого проливными дождями полились несправедливые домыслы о сумасшествии композитора, о недостойных былого величия поздних сочинениях и еще огромное количество ставших для нас привычными стереотипов.

Выход книги неизвестного искушенной московской публике музыковеда Т. М. Черкасовой «Роберт и Клара Шуман: метаморфозы любви и творчества» (Новосибирск, 2012), посвященной этой и многим другим проблемам, с успехом развенчивает устоявшиеся мифы благодаря опоре на исчерпывающее эпистолярное наследие Роберта и Клары, собранное по крупицам в различных архивах Европы и США, новейшей информации из современных зарубежных публикаций, а также истории болезни Р. Шумана, увидевшей свет только в 2006 году.

Читатель обязательно обратит внимание на великолепную подачу материала и тщательно отобранные факты, которые гармонично сосуществуют с блестящей психологической прорисовкой персонажей. На страницах фундаментального труда воображение поражают мастерски запечатленные процессы глубокого личностного преображения всех виновников торжества. Перед нами предстает не мелованный глянец музыкальной пары – умницы-жены и сумасшедшего гения, а действительно живые Роберт и Клара, со всеми человеческими достоинствами и недостатками в контексте немецкой эпохи и быта XIX века.

Автор постаралась не упустить ни одной важной детали из жизни композитора. И это достигло своей цели – отныне и «Карнавал», и «Крейслериана», и все остальное зазвучит еще пронзительнее и тоньше. Книга произведет переворот в сознании каждого ценителя музыки этого страстного, бесконечно увлеченного своим искусством художника, но в первую очередь – человека, Роберта Шумана.

Александр Шляхов,
студент IV курса ИТФ

№ 4 (129), апрель 2013

Ежегодно в стенах консерватории проходит студенческая конференция по гармонии «Musica theorica». Выступающие студенты II курса ИТФ раскрывают перед слушателями загадки гармонии различных исторических эпох — от Средневековья до XXI века. В этом году все желающие постигнуть тайны гармонии имели такую возможность 28 марта в 412 аудитории.

На конференции слушатели открыли для себя с новой стороны произведения мастеров прошедших столетий: «Фанданго» А. Солера, поздние сонаты Л. Бетховена, фортепианные сочинения К. Дебюсси, «Туонельский лебедь» Я. Сибелиуса. Познакомились с сочинениями современных авторов: русской духовной музыкой прот. А. Правдолюбова, В. Сариева, А. Асламазова; произведениями «Moz-Art a la Haydn» А. Шнитке (1977), «Семь слов» С. Губайдулиной (1982), «Символы Пикассо» Ю. Каспарова. В соответствии с традицией Ю. Н. Холопова – создателя «Musica theorica» – порядок выступлений на конференции был организован по принципу контрастных сопоставлений стилей и эпох: сказочные, таинственно-печальные гармонии «Туонельского лебедя» в стиле северного модерна (Мария Зачиняева) сменились зажигательным испанским танцем «Фанданго» Антонио Солера с характерным доминантовым ладом (Александра Митрошкина), современная русская хоровая церковная музыка с преобладанием диатоники (Эмилия Резникова) – постсериализмом Юрия Каспарова (Людмила Сундукова). Другой принцип Холопова – сравнительный анализ – продемонстрировали Мария Громова и Ксения Ефремова: первая обнаружила связи «Семи слов» Губайдулиной с одноименным сочинением Г. Шютца, вторая показала, как Шнитке интерпретирует стиль Моцарта на примере «Moz-Art a la Haydn».

Значительным преимуществом «Musica theorica – XIX» стала демонстрация анализируемого музыкального материала, сопровождение информативных рассказов аудио- и видеорядом. На телеэкране зрители видели изображения Туонельского лебедя в мифологическом духе, портрет малоизвестного композитора середины XVIII столетия А. Солера, живописные картины А. Ватто и К. Моне. Впечатлило яркое выступление Михаила Кривицкого – «”Прекрасные бабочки” на цветах гармонии Дебюсси». Поэтическое название темы вызвало и оригинальное окончание сообщения: в исполнении докладчика блестяще прозвучала ликующая кода «Острова радости» Дебюсси.

В завершение конференции ее руководитель проф. И. К. Кузнецов подвел итоги собрания, поблагодарив всех участников за интересные доклады. Надеемся, что следующий, юбилейный, год «Musica theorica» в очередной раз покажет, что гармония как наука не только жива в нашем «суровом и яростном мире», но и продолжает интенсивно развиваться, открывая перед молодыми учеными новые горизонты исследовательской деятельности.

Мария Зачиняева,
студентка II курса ИТФ

№ 4 (129), апрель 2013

В Овальном зале Музея им. Н. Г. Рубинштейна прошел концерт из цикла «Выдающиеся преподаватели Московской консерватории», посвященный 100-летию со дня рождения заслуженного деятеля искусств России профессора Натальи Андреевны Любомудровой.

Приветливая и теплая атмосфера в зале рождала ощущение, что почтить память своего педагога собрались родные друг другу люди. Со вступительным словом выступил профессор А. А. Меркулов. Своими воспоминаниями о Наталье Андреевне поделился ее ученик, народный артист РФ профессор А. Г. Севидов. Он поведал публике о впервой встрече, которая изменила всю его жизнь. По его словам, именно благодаря Н. А. Любомудровой он и стал музыкантом. После душевного рассказа в его исполнении проникновенно прозвучал Ноктюрн до-диез минор Чайковского. Еще одна ученица Натальи Андреевны, выпускница Московской консерватории Ю. Василенко исполнила четыре «Мимолетности» Прокофьева.

Безусловно, главными героями этого мероприятия стали учащиеся музыкальной школы-десятилетки Сектора педагогической практики: А. Копылова, Н. Аллегра, С. Тевкина, В. Устименко, М. Березина, А. Арутюнян, К. Лобко, Д. Сальник, Е. Кузнецова, А. Ростовцева, М. Бамбура, О. Некрасова. Конечно, юным дарованиям помогали педагоги-консультанты: профессора А. М. Меркулов, С. В. Грохотов, А. С. Яковлева, доценты Н. П. Толстых, А. Е. Волков, Е. Л. Сафонова, ст. преподаватели П. В. Седов и К. И. Маргунова. Свое мастерство показывали ребята разных возрастов – начиная от 2 класса до группы подготовки в вуз. В их исполнении прозвучали произведения разных эпох – от Баха и Мендельсона до Прокофьева и Бабаджаняна. Естественно, ребята очень волновались, но они проявили себя как настоящие музыканты!

Лилия Миндиярова,
студентка IV курса ИТФ

№ 2 (127), февраль 2013

«Жизнь начинается с воспоминаний…» – такими словами нас встречает первая новелла новой книги Всеволода Петровича Задерацкого «Золотое житье». 9 сентября на XXV Московской международной книжной выставке-ярмарке издательство  «Аграф» представило ее в серии «Символы времени». Почти полвека потребовалось читателям, чтобы обрести не утраченное, нет – неизведанное.

В. П. Задерацкий известен в первую очередь как музыкант, замечательный композитор, как человек необыкновенно талантливый и сильный духом, проживший невероятно трудную жизнь, но никогда не терявший вдохновения и надежды. Три года назад мое обращение к личности Всеволода Петровича было вызвано первым исследованием его жизни и творчества в книге В. В. Задерацкого «Per aspera…» («Трибуна», 2009, № 8). И вот – снова книга, только автор уже не сын Всеволода Петровича, а он сам.

По словам сына композитора, проза у Всеволода Петровича возникала в моменты, когда не было возможности сочинять музыку. И проявлялось литературное дарование так же легко, как музыкальное, – без черновиков и почти без поправок (как тут не вспомнить про цикл «24 прелюдии и фуги», созданный в лагере, на телеграфных бланках вместо бумаги – «без права на ошибку»!). И вот перед нами новеллы, главы несостоявшегося романа «Человек идет по эпохе» – четыре толстых исписанных тетради, гениальная простота которых захватывает с первых слов, и уже не оторваться от книги, пока не прочитаешь ее от корки до корки.

Здесь нет неизменного героя, общей сюжетной линии, но ощущение цельности между разными новеллами создает единый дух эпохи дореволюционной России. Нет и жалости о безвозвратно ушедшем идеале – все гораздо реалистичнее и правдивее. Это… настоящая книга без фальши и приукрашивания. При этом во всем сквозит горячая любовь к тому, былому.

«Мы ощущаем живую, прекрасную, совершенно не такую, как наша, – и абсолютно обреченную жизнь», – пишет литературный критик Андрей Немзер о книге В. П. Задерацкого. И действительно, в ней нет ничего об ужасах грядущих бедствий, войн, революций, кровавых междоусобиц, но «ощущаешь в каждом слове: как вся эта жизнь кончится. Потому как наша утонченная человеческая красота интеллигента, и практическая купецкая хватка, и мастеровитость простых людей странным образом уживается с неумением глядеть на то, что происходит рядом, с безответственностью, с бесчеловечностью…» И тут же, не опровергая самого себя, а снова подчеркивая искреннюю глубину книги, Немзер замечает: «И когда кончается хорошо, и когда идет игра в сказку, – тень будущей тоски все равно на это повествование ложится. Но присутствие живых и обаятельных людей не позволяет опуститься до конца… Это очень живая книга!»

Многое можно вспомнить, размышляя над феноменом литературного дара В. П. Задерацкого. Это и его учеба в ГИТИСе, личные впечатления от работы Станиславского, и необычайно цепкая память, талант впитывать и творчески перерабатывать увиденное. Он – автор нескольких театрально-драматических произведений. Способность облекать свою мысль и речь в литературные формы, не только письменные, но и устные, фактически спасла его в трудные годы колымской ссылки.

Отрадно, что сегодня мы продолжаем все больше узнавать эту уникальную, разностороннюю личность начала ХХ века. Человека эпохи. И хочется повторить слова Алексея Парина, главного реадктора издательства «Аграф»: «Мне кажется, для нас стало счастьем издание книги, в которой так ярко светит человеческий талант…»

Ольга Ординарцева,
студентка IV курса ДФ

№ 2 (127), февраль 2013

«Сегодня мне оказана большая честь говорить в этом храме музыки, каким является Московская государственная консерватория имени П. И. Чайковского. Я с большим удовольствием обращаюсь к вам и приветствую всех присутствующих» – так начал свою творческую встречу в Конференц-зале известный сербский композитор, профессор Музыкальной академии Белграда Светислав Божич.

В отличие от многих композиторов, демонстрирующих свою «уникальную» технику и формальные поиски в отрыве от содержания, идеи сочинения и музыкальных образов, Божич просто показывал музыку, сопровождая ее минимальными комментариями. Примечательно в этом смысле и его высказывание: «Считаю, что музыкальный язык композитора не является самоцелью и что не следует подчеркивать его замкнутость. То же самое можно сказать и про инновации в техниках сочинения, которые превращаются в настоящую загадку даже для искушенного слушателя».

Несмотря на собственное мнение композитора о сложности восприятия современной музыки, его сочинения эстетически и образно понятны для слушателей. Возможно, главную роль в этом играет яркая мелодия – «душа музыки» (о душе-то и забывают современные нотописцы), присущая всем его произведениям. «Базисом творчества», источником вдохновения для Светислава Божича служат мелодии и ритмы народной песни. Услышанные нами части фортепианных концертов «Метохийская пения», «Ночь в Хиландаре» – это яркая, красочная, живая музыка, по-настоящему демократичная и свежая, написанная вполне традиционным музыкальным языком. И вообще художественное кредо Светислава Божича можно сформулировать его собственными словами о музыкантах-исполнителях: «Очень важной является высокодуховная деятельность… воля, основанная на глубоком знании традиций».

Большое место в творчестве Божича занимает духовная музыка: «Для моих опусов характерно индивидуально-личностное отношение к православной духовности. Оно слышится как доминирующее в хоровых произведениях и литургических формах». Представленные на встрече «Во царствии Твоем», «Верую» из Литургии святого Иоанна Златоуста (кроме Литургии, вершинными достижениями в духовной музыке композитора являются Всенощное бдение и Реквием) – это монументальные хоровые фрески, близкие по стилистике церковной музыке. Несмотря на обязательную каноничность, свойственную духовным жанрам, в литургических сочинениях Светислава Божича отчетливо слышна композиторская индивидуальность.

Встреча прошла в теплой и доверительно-дружеской атмосфере. Светислав охотно отвечал на вопросы слушателей, уточнял некоторые детали, шутил, а после устроил даже небольшой мастер-класс со студентами-композиторами. Та открытость, ясность и простота в общении как нельзя лучше соотносятся с музыкальным творчеством композитора. Посмотрев сочинения студентов, Божич дал дельные советы, воодушевил и благословил на подвиги, своим примером показывая, что каждому молодому творцу следует найти свой метод, «заключающийся в синтезе академических и современных музыкальных тенденций», чтобы поиск индивидуальных стилевых черт не угрожал эстетике музыки и самому смыслу творчества.

Александр Тлеуов,
студент I курса КФ

№ 2 (127), февраль 2013

В ноябре ушедшего года столицу посетил Миланский симфонический оркестр имени Джузеппе Верди. Свое дебютное выступление в России коллектив провел с огромным успехом.

В день концерта оркестра «Ла Верди» в Большом зале консерватории все было необычно. Уже при входе слышался приятный запах: как и обещали организаторы мероприятия, специфическая смесь благоухающих трав флорентийской парфюмерной компании лежала на металлических тарелочках в разных уголках зала. При входе гостей встречали посол Италии Антонио Дзанарди Ланди и его супруга Сабина Корнаджа Медичи. Непривычно было видеть в фойе зала покрытые белой скатертью столы, за которыми официанты разливали шампанское по фужерам. Довольная публика, в том числе и оркестранты, толпилась на первом этаже, и долгое время никто не спешил подниматься в зал.

Приятное общение русских и итальянцев продолжилось и после третьего звонка: первые двадцать минут концерта со сцены звучали приветственные речи. Кульминацией этой части вечера стало вручение Александру Соколову Ордена Звезды Италии степени командора, который присудил ректору президент Италии Джорджио Наполитано.

Наконец, сидевшие долгое время в качестве декорации оркестранты смогли приступить к исполнению своих прямых обязанностей. С первых тактов увертюры к опере «Вильгельм Телль» Россини стало ясно, что слушателей ждет несколько часов исключительного удовольствия.

Ложку дегтя в концерт добавила скрипачка Франческа Дего, исполнявшая сольную партию в Концерте для скрипки с оркестром № 1 Николо Паганини. Г-жа Дего мастерски справлялась со всеми техническими изысками, коими насыщено произведение Паганини, и демонстрировала хороший звук. Но на эмоциональную составляющую у солистки, видимо, не хватило внимания и сил. В итоге все три части прозвучали одинаково качественно, но скучно, а финал, казалось, будет длиться вечно, подобно сказке про белого бычка. Покончив с концертом Паганини, Франческа Дего решила добить слушателей тремя «бисами». Но дальше щеголянья техникой в Каприсах Паганини дело тоже не зашло.

Зато оркестр под чутким руководством маэстро Жадера Биньямини творил чудеса. Исполнение трилогии Отторино Респиги «Пинии Рима» во втором отделении переросло в некое таинство. Создавалось ощущение, что музыка исходит вовсе не от людей, сидящих на сцене с разными инструментами в руках, а появляется ниоткуда и существует независимо ни от кого. Запись трели соловья, раздавшаяся в конце второй части, усилила подобный эффект.

Слушатели по достоинству оценили эту «химию» и долго не отпускали со сцены маэстро Биньямини. Темпераментные итальянские меломаны кричали «браво» и топали ногами в знак восторга, чем вынудили музыкантов исполнить еще несколько сочинений на «бис». После увертюры к «Травиате» Верди довольный дирижер повернулся к залу, произнес несколько заученных фраз благодарности на русском языке и дал знак оркестрантам удалиться.

Оркестр имени Верди, организованный русским музыкантом Владимиром Дельманом, в наступившем году отметит свое 20-летие. Остается надеяться, что в рамках празднования юбилея оркестранты отдадут дань уважения родине своего основателя и подарят русским слушателям еще не один вечер музыки, исполненной с исключительным качеством и вкусом.

Ольга Завьялова,
студентка IV курса ИТФ

№ 1 (126), январь 2013

«Молодежный фестиваль хоровой, камерной и симфонической музыки», посвященный 150-летию основания Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Н. А. Римского-Корсакова, прошел в северной столице 24–29 ноября ушедшего года. От Московской консерватории в нем принял участие Камерный хор МГК под управлением доцента А. В. Соловьева.

Н. Борисоглебский, А. Соловьев, К. Бодров

Молодежный фестиваль был задуман несколько лет тому назад профессором В. В. Успенским, заведующим кафедрой хорового дирижирования, деканом дирижерского факультета Санкт-Петербургской консерватории, и поддержан ее нынешним ректором профессором М. Х. Гантваргом. В год 150-летия первой консерватории России Министерство культуры РФ признало необходимость подобного фестиваля, отражающего последовательное открытие высших музыкальных учебных заведений в нашей стране. Поэтому не случайно в составе участников проекта – Санкт-Петербургская, Московская, Саратовская и Казанская консерватории.

Цель фестиваля – обмен творческим опытом коллективов, представляющих различные вузы. Поэтому помимо насыщенного концертного расписания организаторами были предусмотрены и мастер-классы коллективов. У молодых исполнителей была уникальная возможность послушать разные хоры и понаблюдать за их «творческой кухней».

На концерте-открытии 24 ноября в Малом зале имени А. К. Глазунова прозвучала «Праздничная увертюра», специально написанная преподавателем Евгением Петровым к 150-летию консерватории, а также Концерт для скрипки с оркестром Феликса Мендельсона и «Симфония псалмов» Игоря Стравинского в исполнении Хора студентов и Симфонического оркестра театра оперы и балета Санкт-Петербургской консерватории под управлением Валентина Нестерова.

На следующий день, 25 ноября, в том же зале состоялись открытая репетиция и сольное выступление Камерного хора Московской консерватории. Программу Александр Соловьев выстроил так, чтобы показать «сливки» репертуара и исполнительское мастерство коллектива. В ней концерт для хора Бортнянского «Да воскреснет Бог» (ред. А. В. Лебедевой-Емелиной) соседствовал с хором Ю. Фалика «К иконе Ксении Блаженной», «Вокализ» Рахманинова (солистка – аспирантка Л. Ерюткина) с «Серенадой» Р. Щедрина и фрагментом из цикла «Посвящение Марине Цветаевой» С. Губайдулиной. Целый блок был посвящен исполнению хоровых партитур зарубежных авторов, чьи сочинения ранее практически не звучали в России: «Stabat Mater» В. Баркаускаса, «Cantate Domino» В. Мишкиниса, «Аллилуйя» Р. Твардовского. В заключение хор исполнил эффектный театрализованный номер – «Kungala» С. Лик – в сценической редакции Н. Набатовой. Вернулись в репертуар коллектива и хор Ю. Буцко «Вьюн над водой» в редакции проф. Б. Г. Тевлина (солистка – Лариса Костюк), а также американский спиричуэл (дирижер и солист Тарас Ясенков) и обработки русских народных песен. Но особо следует выделить мировую премьеру Концерта для скрипки и хора a cappella памяти Б. Г. Тевлина Кузьмы Бодрова, где в качестве солиста блистательно выступил Никита Борисоглебский (скрипка), виртуозно исполнивший свою сложнейшую партию, а студентка I курса Татьяна Костина (выпускница Саратовского колледжа, где была именной стипендиаткой проф. Б. Г. Тевлина) тонко провела соло сопрано в хоре.

На закрытии фестиваля 29 ноября в Большом зале имени А. Г. Рубинштейна состоялось историческое событие: была исполнена оратория «Вавилонское столпотворение» основателя Петербургской консерватории Антона Рубинштейна – грандиозное сочинение, единственный раз звучавшее в России почти полтора столетия назад. Тогда для премьеры «Вавилонского столпотворения» собрали хор в 500 человек, а он на репетициях все время разваливался, словно повторяя библейский сюжет. «Каждому хору в отдельности это нереально исполнить – партитура не позволяет. Хор не может быть меньше двухсот человек. Даже если будет 100 человек, это не спеть», – заверяет инициатор исполнения оратории профессор В. В. Успенский. В этот раз участвовало 220 певцов – студенты Петербургской, Московской, Казанской и Саратовской консерваторий. Всего за три сводные репетиции молодые хористы смогли услышать и, главное, понять друг друга. На первом исполнении управлять «Вавилонским столпотворением» взялся сам П. И. Чайковский. И спустя почти полтора века дирижер Александр Титов фактически получил дирижерскую палочку как эстафету из рук великого композитора.

Василя Шарафутдинова,
студентка V курса КФ

№ 1 (126), январь 2013

В Москве прошел VII Международный общественно-культурный форум «Живая традиция», который проводится Российским фольклорным союзом и Культурно-просветительской инициативой «Походъ». Заключительным аккордом форума стал новый концертный проект «За следом…» известного фолк-музыканта Сергея Старостина.

Сергей Николаевич является прежде всего режиссером сего действа. Сам он, увы, принял участие только в одном номере, исполнив композицию на древнерусской продольной флейте колюке. Все остальное время выступал в  роли конферансье.

За несколько часов на сцене отметились представители двенадцати коллективов, играющих на самых разных инструментах: от древних до недавно изобретенных. Известный композитор и бывший солист ансамбля Покровского Борис Базуров порадовал слушателей игрой на стике – усовершенствованном варианте электрогитары. Очень эффектно в сопровождении этого инструмента прозвучала былина «Ой, да не близко от города Киева». Сергей Старостин, провожая гостя, сделал вывод, что именно так будет выглядеть фольклор XXII века.

Композиции из области «фольклора будущего» представили также Анжела Манукян и группа «Волга», чье творчество пользуется огромным спросом у зарубежных слушателей. Иностранных меломанов можно понять: сочетание навороченной электроники и танцевальных ритмов, глубоких текстов и бешеной энергетики солистки сильно впечатляет.

Вообще, практически весь концерт царил авангард — почище, чем у композиторов новейшей музыки. Единственным исключением стала группа «Иван Купала», которая славится своим попсовым месседжем. На фоне коллег они выглядели как претенденты не на высокое искусство, а на «корпоративный» жанр. Музыканты исполнили композиции «Искорка», «Ящер» и, конечно, «Кострома». После многочасового общения с серьезной музыкой многие в зале оживились, услышав привычные простые аранжировки.

Смысловым центром вечера стали три из «Четырех русских песен» Игоря Стравинского, которые исполнила экс-солистка ансамбля Покровского Тамара Смыслова. Таким образом Сергей Старостин подчеркнул основную идею этнопроекта «За следом…»: раскрыть историю экспериментального творчества русских музыкантов на основе фольклора. Композиторы-классики, как и представители нынешнего поколения, тоже норовили обработать по-своему лучшие образцы народного искусства. И порой достигали удивительных результатов: смелые поиски наших современников прозвучали не менее свежо и драйвово, чем русские песни в обработке Стравинского 100-летней давности.

Финал вечера Сергей Старостин выстроил по принципу «Прощальной симфонии» Гайдна: участницы творческого объединения «Репей» исполнили удаляющейся публике композицию на многоствольных флейтах. Сами девушки, последовав примеру слушателей, одна за другой покинули сцену…

Ольга Завьялова,
студентка IV курса ИТФ