№ 3 (128), март 2013

Российский государственный праздник «День народного единства» принес отечественным меломанам поистине роскошный подарок. В этот день в Москве, в Светлановском зале Дома музыки, была представлена весьма раритетная для нашего слушательского сознания первая русская оратория – «Минин и Пожарский, или Освобождение Москвы». Написанная в 1811 году композитором Степаном Дегтяревым для солистов, хора и симфонического оркестра по либретто Николая Горчакова (в трех частях), в наше время она прозвучала впервые именно в том инструментальном составе, для которого и была изначально задумана. Это исполнение включило в состав участников и предусмотренный партитурой роговой оркестр.

Идея и реализация исполнения принадлежат Московскому камерному оркестру «Musica viva» под управлением Александра Рудина. На сей раз художественный руководитель, дирижер и солист этого коллектива занял свое место за дирижерским пультом. В проекте также приняли участие Российский роговой оркестр, уже знакомый нам по весьма памятному исполнению «Реквиема» Козловского в Концертном зале имени Чайковского (художественный руководитель – Сергей Поляничко), а также вокальный ансамбль «Интрада» (художественный руководитель – Екатерина Антоненко). Участники «Интрады» – специалисты по всякому архивному репертуару от Ренессанса до раннеклассической музыки, обладатели изящного, чистого и хирургически точного звука.

В качестве солистов-певцов в партиях «основного квартета» выступили солисты Большого и Мариинского театров: сопрано Венера Гимадиева (Ольга, супруга Пожарского), тенор Максим Пастер (князь Дмитрий Пожарский), австралийский – но, можно сказать, «обрусевший» – тенор Эндрю Гудвин (Кузьма Минин, гражданин нижегородский) и бас Петр Мигунов (Авраамий Палицын, келарь Троице-Сергиева монастыря).

Нынешнее исполнение сопровождалось красивым слайд-шоу на сюжеты  затрагиваемых ораторией событий начала XVII века: научно-исторический основой этих «нарядных картинок» стали редкие материалы эпохи Минина и Пожарского из богатейшей коллекции музейного объединения «Музей Москвы».

Музыка оратории очень эффектная. Возвышенные ансамбли с хором, «генделевские» хоровые фуги, вступление ко второму действию, рисующее сельские утехи князя Пожарского и написанное для ансамбля духовых – в стиле «кассаций» и «серенад» XVIII века, батальная прелюдия к третьему действию, где сначала марш alla Turca, а потом Allegro с пушечными залпами (привет «Победе Веллингтона» Бетховена!). Да, не Моцарт, но сравнения, к примеру, с Михаэлем Гайдном творение Степана Дегтярева – крепостного крестьянина графа Шереметева, учившегося у итальянских светил того времени, выбившегося в первейшие национальные композиторы и в конце концов получившего-таки вольную, – вполне выдерживает. «Г-н Дехтярев своею ораториею доказал, что он может поставить имя свое наряду с первейшими композиторами в Европе» – это слова не кого-нибудь, а самого Гавриила Державина.

Исполнение было на высоте. Что же еще можно было ожидать от такого блестящего исполнительского состава?! Соотношение партий солистов, хора и оркестра было подобрано наилучшим образом. Дух классицизма царил во всем: и в галантных ариях главных героев, и в хоровом пении, подобном то птичьим переливам, то бурным горным потокам. Маэстро Александр Рудин добился безупречно чистого звучания оркестра, мгновенно переносящего слушателей в «прекрасную эпоху» времен Екатерины Великой и Гавриила Романовича Державина.

Написанное два столетия назад, в канун Отечественной войны 1812 года, это произведение стало одним из величайших государственных символов единства России. Исполнение этой оратории в День народного единства, в год 200-летия Отечественной войны 1812 года и 400-летия победы русских в противостоянии польско-шведским захватчикам в 1612-м, придало ей особый нравственно-патриотический смысл.

Уже после победы в Отечественной войне 1812 года и после смерти композитора высочайшим царским повелением оратория Степана Дегтярева была включена в программу торжеств, посвященных открытию 20 февраля 1818 года на Красной площади в Москве памятника Минину и Пожарскому скульптора Ивана Мартоса. Это исполнение состоялась в Благородном собрании силами музыкантов императорского оркестра и всех полков гвардии, московских театральных артистов и хора придворных певчих….

В праздничные дни прошлого года мы получили истинное наслаждение от великой, но несправедливо забытой русской музыки и от ее великолепного исполнения.

Ксения Заморникова,
студентка IV курса ИТФ

№ 9 (125), декабрь 2012

Москва балует своих юных зрителей большим выбором музыкальных спектаклей на любой вкус: тут и академические постановки, и современные, и спектакли-экспромты. Выбор огромен, каждый день несколько представлений. А вот со спектаклями для самых маленьких (3-4 года) дела обстоят сложнее: здесь выбор не столь велик. Если честно, не все детки в таком возрасте готовы к посещению театра. Создатель и руководитель московского Театра кукол Сергей Образцов в свое время говорил, что вести ребенка в театр раньше пяти лет — значит совершать против него преступление. Но ведь и поколение сейчас другое: дети развиваются быстрее.

Уверена, что посещение камерного зала Театра Владимира Назарова оставит в душе маленького театрала только положительные эмоции. Зал действительно камерный (всего 200 мест) с террасообразным расположением кресел, благодаря чему сцена хорошо просматривается из любой точки. Сиденья удобные, мягкие, атмосфера в зале уютная. В фойе театра внимание привлекают изящные ажурные металлические стулья и скамьи со столиками. Для совсем маленьких зрителей театр предлагает представления «Муха-цокотуха» и «Тараканище», объединенные в один спектакль с антрактом. На него можно ходить даже с полуторагодовалыми малышами. Хотя, конечно, все индивидуально.

В этом спектакле продуманы мельчайшие детали: сразу же после гардероба детей встречает приятная дама, которая разливает чай из самовара, приглашая гостей отведать душистый напиток вприкуску с сушками. Многие малыши сразу решают, что это и есть Муха-Цокотуха. Их впечатляют и красочные декорации, и яркие костюмы, в которых есть интересные находки: у Букашек – раскрашенная в разные цвета мешковина, у Паука – две пары искусственных лап в придачу к рукам и ногам актера!

Замечательно придумано — посадить музыкантов за сцену. В тени паутины оркестранты, с одной стороны, видны зрителям (ведь детям так важно «видеть» музыку), с другой – не отвлекают внимание от действия. Состав ансамбля нетривиален: флейта (или свирель), кларнет, скрипка, балалайка, туба, ударные. Композитору Владимиру Назарову удалось найти гармоничное сочетание русских народных инструментов с академическими.

Музыка к спектаклю ясная, понятная для детей, но при этом не банальная. Из сказки в сказку переходят повторяющиеся музыкальные темы, словно рефрены, связывающие всю звуковую ткань воедино. В мелодике часто слышны интонации русского фольклора. Хоровые эпизоды плавно перемежаются с сольными, дающими слушателям возможность получить представление о голосах героев – звонких, чистых, обладающих приятным тембром. В спектакле участвуют молодые актеры, все с огоньком в глазах. Видно, что они сами получают огромное удовольствие. А это так важно именно в спектаклях для детей, которых не обманешь фальшивыми эмоциями.

Уважение к родным традициям проявляется и в танцах, коих в представлении немало. Хореограф-постановщик Светлана Бандалетова умело вплетает элементы различных русских народных танцев: сольных, парных, игровых. Особенно понравился  Тараканище: в исполнении Рачика Оруджева этот герой был бесподобен! Актер исполнил несколько балетных па, не самых сложных, но производящих достаточно сильное впечатление.

В спектакле отсутствуют какие-либо аллюзии на современную действительность, злободневные или плоские шуточки, что, к сожалению, встречается в детских спектаклях (та же Муха-Цокотуха в постановке компании «Золотой лев» мечтает о звездной карьере, а Паук, продюсер-бизнесмен, стремится заманить доверчивую девушку в свои «золотые сети»!). А ведь дети ждут искренности и ясности. Постановку «Мухи-Цокотухи» и «Тараканища» в Театре Назарова можно без преувеличения назвать образцово-показательной. После нее хочется вернуться в театр за новыми впечатлениями. Кстати, на днях здесь состоится премьера другой сказки К. Чуковского — «Айболит и Бармалей»…

Ксения Заморникова,
студентка IV курса ИТФ

№ 8 (124), ноябрь 2012

«Национальное достояние России… Певица от Бога… Такие люди рождаются крайне редко, но находят себя очень рано и всю жизнь, с самого раннего детства, освещают своим даром целые эпохи... Самое невероятное, что есть сейчас в музыке…» Вот неполный перечень эпитетов, которыми в разное время одаривали российскую этно-фолк-рок-певицу Пелагею Ханову.

С чего же все начиналось? Необыкновенно одаренная девочка из Новосибирска (1986 г. р.) с четырех лет на сцене, увлечена совсем не популярным тогда аутентичным музыкальным фольклором. В 8 лет без экзаменов поступает в школу при Новосибирской консерватории, однако никто из педагогов не берется работать с ее голосом, опасаясь испортить уникальный природный дар. Спустя год в конкурсе телепередачи «Утренняя Звезда» сибирская девочка уверенно занимает первое место. В 13 лет, уже в Москве, юная певица создает свою группу. В 14, экстерном закончив школу, поступает на эстрадное отделение ГИТИСа, которое оканчивает с красным дипломом. Стремительно, одна за другой, ей покоряются крупнейшие столичные концертные площадки. На творчество ее благословляет патриарх Алексий II.

Участие в престижных западных фестивалях приносит певице мировую славу. О ее голосе диапазоном почти в четыре октавы и артистическом даре перевоплощения с восторгом отзываются выдающиеся музыканты: Мстислав Ростропович и Лео Маркус, Хосе Каррерас и Евгений Кисин, Галина Вишневская, Рави Шанкар и Би Би Кинг…

В основе музицирования Пелагеи — традиционно-сибирская манера с так называемой «жесткой вокальной подачей». Но ей подвластно и кантиленное, белькантовое пение. Она продолжает оттачивать свое мастерство, постоянно расширяя круг вокальных приемов. А голос у нее действительно удивительный – то взмывает куда-то в небеса, уподобляясь высоким нотам скрипки (в арии из «Пятого элемента», вставленной в песню «Порушка»), то становится по-частушечьи крикливым, то полнокровным и звучным, как у Зыкиной.

Группа «Пелагея» (в составе бас-гитара, ударные, перкуссия, баян и вокал), названная в честь ее солистки, стала первым в России по-настоящему широко популярным коллективом, возрождающим русскую национальную музыку (в отличие от официального «телевизионного фольклора») в свежем, современном звучании и профессиональном исполнении. Музыканты реанимируют старинные аутентичные и создают авторские песни, на которые их вдохновляет русский фольклор, погружая все это в музыкальное пространство современной рок-культуры. Ребята поют не только русские, но и украинские, болгарские, цыганские, алжирские народные песни, русские романсы.

«Пелагея» подготовила ряд концертных программ. На их основе было выпущено несколько альбомов. «Сибирский драйв» (2009) — это запись живого концерта в Новосибирске, «Тропы» (2009; 2010, 2 CD), хоть и записаны на студии, но проникнуты духом исполнения «вживую» (в некоторых песнях слышны комментарии самих исполнителей, смешки, дыхание певицы). Здесь много авторских песен членов группы, открывающих нам новую Пелагею: новые жанры, иной стиль пения.

Альбом «Девушкины песни» (2007) можно назвать энциклопедией девичьей жизни. Самым экстравагантным в нем оказались всенародно известные «Валенки», остро приправленные рок-н-роллом и рэпом. А песня, ставшая хитом, – это «Казак», гимн молодости и весны, от которого в исполнении Пелагеи так и тянет в пляс. Особняком стоит «Нюркина песня» на стихи Яны Дягилевой, рок-певицы из Новосибирска с трагичной судьбой. Наиболее «фирменными» композициями стали «Век», «Разлилась» и «Кумушки» — нежные, лиричные, деликатно аранжированные, где Пелагея поет, словно кружева плетет.

Жанры авторских песен разнообразны: колдовские славянские сказания, колыбельная, босанова. От альбома к альбому растет круг характерных исполнительских приемов: суровое хоровое a cappella под «шаманские» барабаны в «Снежочках», нежные гитарные переборы в народных лирических, минималистическая гармония в «Гаю-гаю», вкрадчивые вокальные подголоски-эхо и многое другое.

Ребята очень любят музыкальные аллюзии, вплетая в народные песни цитаты из известной музыки. Так в украинскую «Щедривочку» гармонично вписались интонации из «Утра» Грига; авторскую песню «Тропы», написанную в стиле духовного стиха, обрамляет «Вокализ» Рахманинова; в духовный стих «Отжил я свой век» добавлена цитата из Pink Floyd (в студийную запись она не вошла). Подобные приемы вполне уместны, поскольку направление, выбранное Пелагеей (фольклор в рок-обработке), — эклектично само по себе. Да и в наш век, когда все кишит «новинками», порой хочется услышать что-то «до боли знакомое».

Самое удивительное в том, что «Пелагея» — невероятно успешный проект, которому никогда не были нужны «раскрутка» и продюсерские пиар-ходы. Они объездили не только всю Россию, но уже и весь мир. Армия их поклонников (не фанатов!) постоянно растет. Сейчас глава и душа коллектива, певица Пелагея, находится… в процессе написания диссертации по психологии (!) на тему «Влияние индивидуальных психологических характеристик артиста на эмоциональное состояние зрителя». Куда поведет их Муза – очень интересный вопрос…

Ксения Заморникова,
студентка IV курса ИТФ

№ 7 (114), октябрь 2011

Я не ученый-статист, не менеджер по продаже билетов на концерты классической музыки, я всего лишь студентка Московской консерватории. Но почему-то музыка, которую мы, молодые музыковеды, изучаем и которой, наверное, должны «болеть и жить только ей одной», совсем нас «не затягивает».

Я не могу сказать, что мне не нравится классическая музыка: я люблю играть Моцарта, Гайдна, Шопена, Прокофьева… Если мне предложат пойти на какой-нибудь очень хороший концерт, я с удовольствием пойду. Но, когда я сижу дома и выбираю, что бы мне такого послушать для души, я ставлю отнюдь не классику. И не я одна так поступаю.

Общаясь с музыкантами старшего поколения, видя их горящие глаза, когда они говорят о классической музыке, я со стыдом отдаю себе отчет в том, что не разделяю их запала. Думаю, это не я такая плохая, а это время такое: другое поколение, другие условия жизни.

Начнем с традиционного вопроса: какую музыку называть классической? Написанную в период с конца XVII по XXI век? А как же Средние века и Возрождение? Ведь изучение этого пласта переживает бурный расцвет в наши дни. Многие из современных музыкантов погружаются в эту культуру с головой, ощущая некое духовное родство с эпохами давно минувшими. История развивается по спирали…

Важная причина «охлаждения» современной музыкальной молодежи к классической музыке – расширение информационного поля, доступ к невиданным доселе услугам. Мы окружены бессчетным количеством музыкальных стилей, течений и направлений – классика, джаз, рок, поп, рэп, регги, этно, фолк… В рамках каждого из них существуют десятки разновидностей. Что ни день, то появление нового ансамбля, группы, солиста. Раздвижение пространственно-временных границ позволило изучать, исполнять и слушать традиционную музыку внеевропейских культур… Во всеобщем шуме таких разношерстных течений классическая музыка потерялась.

(далее…)

№ 3 (110), март 2011

Пожалуй, борцам за высокое искусство и тем, кто привык жить и вести себя так, «как принято в культурном обществе», делать на фестивале «Пустые холмы» нечего. Это место – для людей, свободных от заведенных в обществе порядков, норм и сложившихся стереотипов. Здесь собираются те, кто любит творить не в рамках академических видов искусства, а просто так, по зову сердца.

Что такое «Пустые холмы»? Говоря простым языком, это собрание неформалов, принадлежащих порой к совершенно противоположным течениям современного искусства. А также ежегодно проводимый фестиваль и постоянно функционирующий проект, помогающий различным художникам (в широком понимании этого слова!) и ансамблям в проведении выставок, концертов, мастер-классов. Подчеркну – открытый некоммерческий проект. Открытый означает, что в нем может участвовать любой желающий. Некоммерческий – что заработанные средства расходуются на развитие фестиваля, в частности, и на развитие культуры и искусства в целом.

Это один из самых необычных и ярких фестивалей, проходящих в России. Впитав в себя множество музыкальных стилей и течений от экспериментальной музыки и джаза до регги, фолка и этно, за несколько лет своего существования он обрел собственное неповторимое лицо. Уникальность фестиваля в том, что, несмотря ни на что и вопреки всему, вход на него остался бесплатным и все музыкальные и творческие коллективы также работают без гонорара. Деятельность фестиваля обеспечивается за счет добровольных пожертвований его друзей, партнерской помощи, работы волонтеров и энтузиазма гостей.

(далее…)