Путешествие из Петербурга в Москву
№ 3 (119), март 2012
В последние выходные календарной зимы в Москву приехала труппа Мариинского театра – солисты, хор и оркестр, – чтобы исполнить для столичной публики оперу Родиона Щедрина «Мертвые души», а также «Свадебку» и «Царя Эдипа» Стравинского. Гастролеров принимали две главные музыкальные сцены Москвы – Большой театр и Большой зал Московской консерватории. В обоих случаях за дирижерским пультом стоял Валерий Гергиев.
Спустя 35 лет после премьеры в Большом театре в постановке Бориса Покровского «Мертвые души» вернулись на новую старую сцену в версии молодого режиссера Василия Бархатова. 28-летний Бархатов на сегодня один из самых «громких» режиссеров своего поколения. Он уже 5 лет сотрудничает с Мариинским театром, где за его плечами целых семь постановок. Москвичам он также знаком по довольно неоднозначной постановке оперетты Иоганна Штрауса «Летучая мышь» на сцене Большого театра. Кроме того, он является режиссером-постановщиком двух развлекательных проектов на Первом канале, а через несколько дней в прокат выходит его дебютный фильм «Атомный Иван».
Впрочем, несмотря на некоторую пестроту художественного стиля режиссера, постановка «Мертвых душ» оказалась в известной мере академичной. Стержнеобразующим, как и у Гоголя, стал образ дороги – в центре сцены лежала огромная бричка, которую между номерами переворачивали с одного «бока» на другой. Проблема идентификации «истинного лица» Чичикова была подчеркнута тем, что каждый раз перед приходом к следующему помещику он переодевался в новую одежду, чтобы быстро стать «своим» для собеседника. С этой целью в левом краю сцены был обустроен специальный гардероб Чичикова – настоящая гримерная, где можно было подобрать костюмы на все случаи жизни.
Эту же гоголевскую идею весьма остроумно развил и Щедрин. Необычное композиторское решение в середине 80-х даже стало поводом для знаменитого вопроса в программе «Что? Где? Когда?». Суть находки в том, что каждый из собеседников Чичикова имеет свой оркестровый лейттембр. Так, для Манилова это флейта, для Собакевича – два контрабаса. А Чичиков (центральный персонаж!) не имеет собственной устойчивой музыкальной характеристики: его всегда «сопровождает» тот же инструмент, что и присутствующего в данной сцене помещика.
Не обошлось в постановке и без применения новых технологий: во время переездов Чичикова поверхность брички становилась экраном – на нем можно было увидеть деревенский пейзаж, который мог наблюдать и Чичиков из окна своего экипажа во время зимней поездки по российской глубинке.
Это прочтение оперы, можно сказать, было «авторизовано» композитором – что немаловажно: Родион Щедрин вместе с Майей Плисецкой находились во время спектакля в Царской ложе. Кроме того, и «до» и «после» Щедрин давал одобрительные комментарии относительно постановки. Вместе со знаменитой музыкальной семьей в Царской ложе был и почетный гость вечера – композитор Кшиштоф Пендерецкий, приехавший в те дни в Москву.
Однако «Мертвые души» Гоголя – мистическая вещь, и в конце вечера, в буквальном смысле «под занавес», в театре произошел истинно гоголевский казус с участием польского гостя. Кто-то из публики издалека по ошибке принял бородатого Пендерецкого за председателя ЦИК Владимира Чурова – и крикнул ему сразу по окончании спектакля: «Почем продаешь мертвые души?!» Неизвестного зрителя поддержала аплодисментами и свистом часть зала (а разделявших его убеждения оказалось явно немало) – ведь дело было всего за неделю до выборов! В итоге Большому театру и «Золотой маске» пришлось приносить Пендерецкому извинения и делать публичное заявление, что «это был не Чуров» (тем более что сам «виновник» происшествия вряд ли интересуется современным музыкальным театром).
Исполнение, как и стоило ожидать от «Мариинки», было на очень высоком уровне. Спектакль, безусловно, является одним из фаворитов «Золотой маски»-2012 – именно в рамках конкурсных показов фестиваля оперу Щедрина и привезли в Москву. Получать удовольствие от премьерных спектаклей питерцев московская публика имела возможность целых два вечера подряд.
А менее чем через сутки на дневном концерте в Большом зале были исполнены «Свадебка» и «Царь Эдип», которые находятся в активном репертуаре оркестра и хора Мариинского театра (Гергиев недавно осуществил записи этих двух произведений). В обоих сочинениях обращали на себя внимание очень быстрые темпы. По залу даже ходила шутка, что у Гергиева вечером самолет (впрочем, на антракте экономить время не стали). Однако, несмотря на темпы, оркестранты и солисты в совершенстве справились со сложными ритмами Стравинского. Возможно, несколько излишне экспрессивным был чтец в «Царе Эдипе», но это не могло повлиять на хорошее впечатление от исполнения сочинения, которое не особенно часто звучит в Москве. Вообще это касается и всей музыки Стравинского. Сейчас ведь идет череда столетних юбилеев его знаменитых «русских балетов», но пока в афишах их почти не видно, а, казалось бы, и театры, и оркестры должны включать их в свои программы снова и снова.
Прошедший концерт был во всех смыслах очень интересным и дорогим. Поэтому поразила «расстановка сил» в зрительном зале – признаться, не припомню такую картину: партер был наполовину пуст, а балконы с трудом вмещали всех желающих! Помимо удивления здесь возникают двоякие эмоции: жаль, что наиболее «платежеспособная» часть публики не проявила интереса к столь яркой программе; но, учитывая, что на концерт ломились по большей части представители молодого поколения, вероятно, со временем эта картина изменится. И надо сказать, публика балкона оценила ситуацию довольно быстро – после перерыва зал оказался заполнен уже совершенно равномерно.
Следующий приезд Гергиева в Москву ожидается в апреле – во время «Пасхального фестиваля», который в этом году будет идти с 15 апреля по 9 мая. Маэстро анонсировал, что нынешний фестиваль вновь будет посвящен фигуре Сергея Прокофьева. Примерно тогда же мы узнаем, получат ли «Мертвые души» желанную «Золотую маску».
Владислав Тарнопольский,
студент III курса ИТФ
Фото Наташи Разиной
Если бы вас спросили: «Италия… какая она?» – что бы вы ответили? Наверно у каждого человека были бы свои ассоциации. Для музыканта это в первую очередь Вивальди, Верди, и не многие вспомнили бы Ноно или Мадерна… Но именно эти композиторы стали главными фигурами XIII Международного фестиваля современной музыки «Московский форум. Россия – Италия: искусство перспективы».
Настоящим открытием для слушателей стало выступление 12 декабря итальянского ансамбля «Alter Ego». созданного в 1991 году в Риме. В его составе пять исполнителей: Мануэль Зурриа – флейта, Паоло Равалья – кларнет, Альдо Кампаньяри – скрипка, Франческо Диллон – виолончель, Оскар Пиццо – фортепиано. Общей стилистической чертой музыкантов является эмоциональная, энергичная и даже броская манера игры. В тот вечер их объединял мощный творческий порыв и каждый в момент исполнения становился сотворцом композитора.
действительно, потрясающая энергетика исходила от игры Оскара Пиццо! К этому стоит добавить превосходную техническую подготовку и потрясающе осознанное «произнесение» каждого звука непростой для восприятия музыки. Вспоминается бытующее мнение, что современные композиторы зачастую пишут музыку, которую технически исполнить невозможно, и они даже не рассчитывают на точную интерпретацию… Это не тот случай! У итальянского пианиста все было отточено и выверено до мельчайших деталей и еле уловимых оттенков. А главное, что все это – блестящие пассажи, четкая артикуляция – тонко передавало содержание сочинения композитора.
XIII Международный фестиваль современной музыки «Московский форум» в этом году назывался «Россия – Италия: искусство перспективы». 9 декабря в Рахманиновском зале – в первый день после открытия в рамках Форума прошел концерт, где были исполнены сочинения мэтров итальянского авангарда Луиджи Ноно и Лючано Берио, а также произведения современных российских композиторов – О. Бочихиной, А. Ромашковой, Ф. Караева. Вечер состоял из трех отделений-блоков, и исполняемые произведения были подобраны с большой тонкостью: сквозь весь концерт проходила идея звучащей тишины, а также ощущений воздуха и ветра, воплощенных в музыкальных образах. 
Во втором отделении прозвучали знаменитые «Крики Лондона» Л. Берио, а также «Дышащая ясность» Л. Ноно, замечательно исполненные вокальным ансамблем «Эйдос». «Крики Лондона» – цикл из семи вокальных пьес в фольклорном характере, построенных на фразах уличных продавцов, был мастерски интерпретирован солистами молодого коллектива. Большое впечатление произвело сочинение Л. Ноно для хора, басовой флейты, электроники и магнитофонной пленки. Сочинение тонкое, удивительное по своему звуковому колориту. Несмотря на большую продолжительность, неторопливость высказывания, некоторую замедленность времени, воспринималось оно очень хорошо. При общем состоянии медитативности сохранялась ясность, незатуманенность мысли. Произведение построено на чередовании хоровых фрагментов и сольных эпизодов басовой флейты. При этом использовалась электроника, но включение в музыкальную ткань технических приемов не мешало естественности течения музыки, обогащая звучание чистых тембров. Особенно впечатлило исполнение Ивана Бушуева, который показал мастерское владение флейтой. Благодаря различным приемам звукоизвлечения, казалось, можно было ощутить дуновение ветра, движение воздуха, отражающееся эхо.
В третьем блоке вновь прозвучали сочинения для струнного квартета: «Futtuazioni» Ольги Бочихиной, «In Aria» А. Ромашковой. Эти пьесы молодых композиторов в чем-то являлись продолжением линии квартета Л. Ноно – в отражении ощущения воздуха, ветра через разнообразие исполнительских приемов струнных. Эпилогом концерта стало сочинение Ф. Караева «Постлюдия XI» для струнного квартета, рояля и хора за сценой. Музыкальная ткань произведения минималистична – оно возникает словно из пустоты. Это подтверждается словами самого автора: «Музыка на грани niente и quasi niente» (niente – ничего)…
В очередной раз собравшись посетить концерт кафедры сочинения, я с интересом и трепетом отправилась 6 ноября в Рахманиновский зал. Мероприятие длилось около трех часов и предполагало участие большого количества музыкантов, в числе которых было 13 композиторов. Каждое из прозвучавших сочинений по-своему, но завладело вниманием слушателей. А «изюминка» некоторых композиций была настолько «вкусна», что зал кричал «браво!». Что-то из услышанного натолкнуло на размышления, что-то озадачило… После концерта мне удалось пообщаться с некоторыми авторами новой музыки.
В сочинении «Шаг» для баяна соло из цикла «Ноктюрны» Денис Хоров (II курс, класс проф. Ю. В. Воронцова) также акцентировал внимание на способах звукоизвлечения. В руках Виталия Кондратенко баян то «попискивал» и «повизгивал», то шипел, то завывал. К сожалению, не все «приемы игры» удалось разглядеть: пюпитр с масштабной партитурой практически полностью загородил от публики исполнителя, чередующего «постукивание» по инструменту с «поглаживанием» и беззвучными ударами по кнопкам.
Сегодня имя Дмитрия Александровича Пригова – одного из самых радикальных литераторов и основоположников московского концептуализма – известно лишь узкому кругу «интеллектуалов». Размах его деятельности необычайно широк: он прикасался к самым разным видам искусства, вербальным и невербальным, осязаемым и слышимым… Писатель, поэт, публицист, скульптор, художник, актер… В течение жизни Пригов участвовал в несчетном количестве выставок, а также сделал две персональные: «Мягко» и «Монстрология» (Галерея Петра Войса, Москва; 2003, 2006). Большой резонанс получила посмертная выставка «Граждане! Не забывайтесь, пожалуйста!», которая прошла в Московском музее современного искусства в 2008 году.
идейно сблизился с художниками московского андеграунда. И хотя в 1975-м он и был принят в члены Союза художников, однако в Советском Союзе за долгие годы не было организовано ни одной его выставки.
Автор большого числа текстов, графических работ, коллажей, инсталляций, перформансов, экспериментальных проектов, Пригов не обходил стороной и музыкальные проекты. В частности, он был одним из участников знаменитой пародийной рок-группы «Среднерусская возвышенность». Организаторы группы стремились доказать, что в русском роке музыкальная составляющая не имеет никакого значения и что слушатели всего лишь реагируют на ключевые слова в тексте.
Cубботним вечером 22 октября слушатели стали участниками «Сказочных странствий» (так назывался концерт современной эстонской музыки в Рахманиновском зале). Произведения Лепо Сумера, Арво Пярта и Урмаса Сисаска наполнили зал фантастическими образами, удивительными мягкими загадочными созвучиями. Программа концерта была составлена очень органично – каждая последующая пьеса воспринималась как новый этап одного сказочного путешествия, обрамленного «звездными» композициями У. Сисаска – «Южное небо» и «Северное небо». Таинственный мир музыки словно создавал аллюзию старой истории о Пер Гюнте, но в свежих красках современного минимализма, апофеоз которой воплотил последний номер музыкального вечера – Пьесы из цикла «Северное небо» Урмаса Сисаска.
О творчестве этого композитора программка концерта гласила: «Используя соотношения траекторий планет Солнечной системы, Сисаск создал так называемую космическую музыкальную грамоту, в которой девять нот носят латинские имена планет Солнечной системы, и даже придумал специальную клавиатуру – клавиатуру Вселенной. С их помощью он пишет свои произведения, посвященные и подсказанные звездами». Действительно, тихие звучности, скромная фактура, сдержанная динамика и внутренняя статика его произведений погрузили весь зал в созерцание воображаемых блеклых и далеких созвездий.
Каждая из пьес цикла «Северное небо» озаглавлена именем созвездия, которое у автора ассоциируется с определенным состоянием, обозначенным через дефис: Персей-Медитация, Водолей-Сон, Андромеда-Сила, Волопас-Кружение и т. д. С одной стороны, композитор направляет фантазию слушателей, с другой – раскрывает свои ощущения космического мира. Пьесы разворачиваются непрерывно, плавно перетекая одна в другую, подобно любопытному взору, блуждающему по звездному небу в поисках знакомых созвездий. Рождение каждой ясной интонации, словно вытекающей из зыбких звуковых масс, подобно просветлению в запутанном звездном мире.
Цикл был дополнен визуально – хореографией. Декорации из огромных прямоугольных плит, стоявшие весь концерт на сцене, словно ожили после долго сна – они наполнились переливами света ярких цветных прожекторов и движениями танца. Два танцора воплощали противоположности: статика и динамика, пассивность и активность, безволие и сила, старость и молодость, раскаяние и соблазн. Условные движения танца в стиле модерн, постоянные чередования сольных номеров, продиктованные контрастными сменами настроений пьес, отсутствие сюжетной канвы не конкретизировали видимое, позволяя каждому сидящему в зале понимать происходящее на сцене субъективно.
конфликтного столкновения передавали друг другу подобно жребию. Они словно отправлялись с ней в духовный путь, чьим символом стали прямоугольные плиты декораций: танцоры с грохотом роняли их на пол, а потом очень осторожно, как по раскаленными углям, по ним проходили. Объединение противоположных начал завершило композицию – персонажи сплелись в единую фигуру, подобно главной и побочной партии в репризе сонатной формы после сложнейшей разработки…
Не так часто на отечественной эстраде можно услышать современные произведения для солирующего контрабаса. Тем интереснее было знакомство с новым Концертом для контрабаса с оркестром (2011) В. Довганя, посвященным Н. Горбунову. Творческое сотрудничество этих музыкантов существует давно: В. Довгань – автор нескольких ансамблевых и сольных произведений для контрабаса, которые также впервые были исполнены Н. Горбуновым. Лирико-драматический характер Концерта нашел убедительное воплощение: интерпретацию солиста отличали глубокая продуманность художественных образов, великолепная штриховая техника, безупречная точность интонирования, тембровая красочность и особая сила звучания контрабаса, благодаря чему даже в самых громких оркестровых эпизодах сольный инструмент всегда был прекрасно слышен в зале. Концерт имел заслуженный успех и стал настоящим подарком для ценителей современного музыкального искусства.
Одним из таких исключений стал сентябрьский музыкальный фестиваль «Творческая молодежь Московской консерватории». В рамках форума были заявлены не только выступления молодых исполнителей, но и композиторский концерт, посвященный творчеству выпускников 2011 года, а ныне аспирантов Композиторского факультета, лауреатов всероссийских и международных конкурсов Александра Хубеева и Николая Попова.
Композиторы представили слушателям актуальный продукт для своего времени: новые формы, новые звуки, новые возможности в сочетании инструментов. Были использованы и видеоряд, и электроника, и элементы инструментального театра. Естественно, для осуществления замыслов, отвечающих сегодняшним реалиям, необходимо соответствующее техническое оснащение. Оно было предоставлено Центром электроакустической музыки Московской консерватории, которым руководит профессор И. Л. Кефалиди. Было сделано все, чтобы заинтересовать слушателя, погрузить его в состояние чего-то нового, порой эпатажного.
Имя Беата Фуррера (р. 1954) является знаковым для людей, интересующихся современной музыкой. Он один из самых известных и уважаемых в Западной Европе композиторов нашего времени. Многим россиянам Фуррер стал известен в связи с нашумевшей в 2007 году премьерой оперы «Фама» в Москве. Стиль композитора как нельзя лучше репрезентирует пьеса «still» (1998), написанная для камерного ансамбля из 24-х участников. Ее премьера, состоявшаяся в Цюрихе, была далеко не единственным исполнением – в следующем году вышел CD, большой фрагмент исполнения «still» можно посмотреть и на видеохостинге Youtube. Но в России, к сожалению, исполнения пока не было.
одинаково – все нечетные отличаются друг от друга, так же как и четные. Кардинальное различие не затрагивает лишь главного – динамической направленности: переходы от тишины к полнозвучию и, наоборот, от плотного к бесплотному – предмет мастерской композиторской работы. Фуррер достигает при этом колоссального разнообразия эффектов, динамических оттенков и приемов звукоизвлечения.
В караоке-клубе «Лампа» состоялся творческий вечер Дениса Бриля. Руководитель «БРИЛЬянтового джаз-клуба» поведал собравшимся о своем нелегком пути, исполнил несколько собственных произведений и поделился планами на ближайшее будущее. «Джаз – как жизнь, прожить которую по заданным нотам очень трудно, хочется выйти за существующие рамки, – признался он. – Именно тогда и получается нечто живое, яркое и неповторимое».
В 2007 году Д. Бриль организовал «BRILLIANT JAZZ CLUB» – джазовый клуб семьи Бриль и их друзей. За три года существования в нем участвовали многие известные музыканты и актеры – их привлекают не только теплая творческая атмосфера клуба, но и семейные традиции рода Бриль: народного артиста России, профессора РАМ им. Гнесиных, пианиста Игоря Бриля; братьев-саксофонистов Александра и Дмитрия, руководителя проекта Дениса. «Я очень люблю, когда в музыке существует “семейный подряд” и когда дети вместе с отцами делают общее дело, – сказал на одной из встреч А. Макаревич. – Очень важно то, что ребята хорошо знают и чувствуют традицию, но на ней не задерживаются. Они стараются делать музыку сегодняшнего дня. Это немногим джазменам свойственно».