№ 5 (27), май 2001

«ГрАссмейстер» — очень интересное и неординарное явление на нашей отечественной рок-сцене. К великому сожалению, он не имеет статуса культовой группы, хотя заслуживает этого.

Необычен состав инструментов этой группы. Все они акустические. Музыканты группы отказываются от использования синтезаторов, электрогитар и драм-машин. Инструментарий достаточно скромен: акустическая гитара, добро (инструмент из гитарного семейства, снабженный алюминиевым резонатором; держится он перпендикулярно телу, звукоизвлечение на нем производится металлическими наконечниками, надетыми на пальцы правой руки музыканта, на один из пальцев левой руки надевается металлическая муфта для облегчения взятия баррэ на ладах), бас-гитара и ударные.

Группа «ГрАссмейстер» была образована в 1995 году Андреем Шепелевым, бывшим участником кантри-группы «Кукуруза», маститым рок-музыкантом, игравшем во многих коллективах. Название отображает игру слов: «гроссмейстер» (то есть высшая ступень совершенства в чем-нибудь: например, в шахматах) и «блюграсс», разновидность стиля кантри, популярная в южных штатах США. Первоначально группа была, действительно, почти блюграссовой по инструментарию. В ее состав входили: Тимур Ведерников (вокал, гитара, добро), Андрей Шепелев (добро, гитара, вокал), Михаил Махович (мандолина), Олег Ивахненко (бас-гитара, вокал). Ударных инструментов музыканты не использовали (очень редкий случай в истории рок-музыки). В 1999 году, на замену ушедшим в другие проекты М. Маховичу и О. Ивахненко пришли Александр Платонов (бас-гитара, вокал) и Евгений Билый (ударные, вокал). В таком составе группа существует и поныне.

Музыкальный стиль «ГрАссмейстера», конечно же, идет от кантри и блюграсса, но в репертуаре есть и композиции в стиле блюз, рок-н-ролл, рэгги. Все эти стили американского рока органично сочетаются с традициями отечественной рок-музыки, с ее бардовскими корнями, прежде всего поэтической природой. Сами музыканты в шутку называют свой стиль «деревянным роком», а всерьез — «новой акустической музыкой». Отечественный исследователь и критик рок-музыки А. Троицкий дал схожее определение их стилю — New Country Music.

Все музыканты группы «ГрАссмейстер» очень профессионально и виртуозно владеют своими инструментами, не смотря на то, что никто из них специального музыкального образования не имеет. У лидера группы, Тимура Ведерникова необыкновенно красивый и сильный голос и большие актерские способности, которые он успешно реализует, участвуя в постановке популярного мюзикла «Метро». Исполнение им сольного номера из этого мюзикла под названием «Я — нет!» всегда становится одной из самых ярких кульминаций спектакля.

Тексты песен группы «ГрАссмейстер» всегда полны оптимизма, положительной энергии (это, скорее всего, идет от «Beatles»: все участники группы — заядлые битломаны), а такие эмоции достаточно редки в нашей рок-музыке. Авторами текстов (а также музыки) являются как участники группы «ГрАссмейстер», так и их друзья: барды Тимур Шаов и Андрей Козловский, поэт Виталий Калашников, рок-музыкант и актер Александр Куликов (также играющий в мюзикле «Метро»), гитарист-виртуоз Андрей Баранов и многие другие.

Гастрольная деятельность группы проходит, в основном, в клубах и небольших залах, ввиду камерной природы их музыки, хотя «ГрАссмейстер» регулярно выступает и на достаточно крупных площадках, принимая участие в различных рок-фестивалях. Живые выступления подкупают тем, что на них царит атмосфера дружеской встречи. Музыканты всегда находятся в контакте с публикой, общаются с ней. Атмосферу эту создает еще и камерность помещения, где проходит концерт.

«ГрАссмейстер» принимал участие и в телепередачах: в программе «Живьем у Макса», в «Программе А». Накануне выхода нового альбома, получившего название «Время цветов», Дмитрий Дибров пригласил музыкантов группы в свою передачу «Антропология». В прямом эфире музыканты исполнили несколько песен, рассказали о себе и о своих творческих планах.

У группы «ГрАссмейстер» пусть не так много поклонников, как у Земфиры или «Мумий Тролля», но зато все они необычайно преданы своей любимой группе и часто посещают ее концерты. Конечно, добавляет очки группе факт участия ее лидера в хитовом спектакле «Метро». На концерте в ЦДХ на Крымском валу на сцену вышел поэт Виталий Калашников и, обращаясь к публике, сказал: «Скоро эта группа станет знаменитой, и вы еще будете вспоминать то время, что когда-то на „ГрАссмейстере“ были пустые места!» Я целиком и полностью с ним согласен: у этой группы действительно большое будущее.

А. Истратов,
студент V курса

№ 2 (24), февраль 2001

…И не было места в душе с юных пор
Мечтам недоверия и лжи.
Влюбленного сердца всевидящий взор
Мне верой и правдой служил…

К.Никольский

Минувшей осенью «Наше Радио» совместно с «Feelee Management» начало проводить цикл концертов под общим названием «Наши в городе». Эти концерты проходили на небольших площадках: в основном, на сценах ДК имени С. Горбунова и СДК МАИ. В них принимали участие популярные рок- группы и исполнители России и ближнего зарубежья. Выступление Константина Никольского в легендарной «Горбушке» с программой «Один взгляд назад» было первым в этой серии концертов.

Начиная с момента, когда К.Никольский стал участником группы «Воскресение» (1980) и фактически ее лидером (наряду с Алексеем Романовым), он не знал, что такое забвение публики. Покинув вскоре этот коллектив (два лидера не смогли ужиться вместе), К. Никольский начинает выступать со своей группой, состав которой не изменился до сих пор. За свою вот уже двадцатилетнюю творческую деятельность он написал не так много. На сегодняшний день его составляют лишь два альбома: «Я бреду по бездорожью» (1991) и «Один взгляд назад» (1996), причем во втором альбоме нет нового материала: в нем содержатся песни, написанные в 1980–1981 годах, заново аранжированные и исполненные с новым коллективом музыкантов.

Так в чем же секрет популярности музыканта, работающего вопреки всем законам шоу-бизнеса — мало, да еще с огромными перерывами выпускающего альбомы и при этом, много выступающего с концертами?

Во-первых, в том, что каждая песня Никольского в своем роде уникальна. Во вторых, его музыка выдержана в лучших традициях русского рока. А в-третьих, тексты его песен — выше всяких похвал, они спокойно могут восприниматься и без музыки. Лично я считаю все стихи Константина Никольского наилучшими образцами отечественной рок-поэзии. Они зачастую проникнуты темой безысходности существования, но эта тема подается автором без депрессивности, пьяных слез или разрывания рубахи на груди (чем, к сожалению, грешат некоторые известные отечественные рок-музыканты), она раскрывается в меланхолическом ключе, часто с самоиронией и с высоты жизненного опыта зрелого человека. Поэтому после прослушивания альбомов Никольского у людей нет тяжелого осадка в душе, и всегда есть хотя бы маленькая, но надежда на лучшее; как в этой, одной из самых популярных его песен, «Ночная птица»:

О чем поет ночная птица
Одна в осенней тишине?
О том, с чем скоро разлучится
И будет видеть лишь во сне.

О том, что завтра в путь неблизкий,
Расправив крылья, полетит.
О том, что жизнь глупа без риска,
И правда, все же, победит.

Ночные песни птицы вещей
Мне стали пищей для души.
Я понял, вдруг, простую вещь:
Мне будет трудно с ней проститься.

Холодным утром крик последний
Лишь бросит в сторону мою.
Ночной певец, я — твой наследник.
Лети, я песню допою…

Многие его песни (такие, как «Музыкант», «Я сам из тех…») поистине стали народными. Они давно уже являются неизменным атрибутом дружеских посиделок с гитарой, хотя их автор более чем скромно оценивает свой вклад в историю отечественной рок- культуры. В одном из интервью К. Никольский сказал со свойственной ему самоиронией: «Я просто написал всего-навсего какое-то количество песен, — теперь всю жизнь их играть. Представляете? Вот судьба…»

Свой первый сольный альбом К. Никольский «подарил» себе и поклонникам на свое сорокалетие, второй — на сорокапятилетие. В этом году ему исполняется пятьдесят лет. Во время концерта Никольский объявил, что скоро, вместе со своими партнерами по группе, выпускает новый альбом и даже спел несколько песен из него. По качеству музыки, текста и своему воздействию на слушателей они не уступали его широко известным композициям, исполнение которых стало кульминацией концерта.

На концерте этого выдающегося отечественного рок- музыканта в «Горбушке» был аншлаг. С возрастом у него немного охрип голос, заметно поседели густые волосы, появились очки, но необыкновенное обаяние и незабываемая энергетика остались. К счастью, К. Никольский вообще лишен свойственных многим известным людям (в особенности рок- и поп‑звездам) «понтов», самолюбования и надменности. Он интеллигентен, скромен и по‑настоящему любит своих поклонников. По ходу концерта Никольский не уставал благодарить публику за аплодисменты.

Особенный аромат старого рока времен 70-х годов песням Никольского на этом концерте придавал тембр электрооргана «Хаммонд» (его очень часто используют многие знаменитые западные рок- группы, особенно ветераны рок-сцены). У Никольского вообще своя, особенная манера игры на электрогитаре, его гитара всегда «поет», даже в быстрых пассажах.

Публика долго не отпускала Никольского со сцены: он несколько раз бисировал, поэтому концерт, ко всеобщей радости, затянулся. Меня сильно порадовало и то, что, кроме поклонников со стажем, любящих творчество К. Никольского со времен «Воскресения», в зале было необычайно много молодежи. Видимо, не все еще помешались на попсе или бездушном, долбящем рэйве; молодым людям еще хочется задумываться о себе, о людских судьбах, о своем месте в жизни, о «…несчастных и счастливых, о добре и зле, о лютой ненависти и святой любви». А это значит, что Константин Никольский и другие музыканты, следующие лучшим традициям отечественного рока, всегда будут собирать на своих концертах полные залы.

Алексей Истратов,
студент V курса

№ 8 (20), октябрь 2000

29 сентября мне удалось побывать на юбилейном концерте Владимира Кузьмина и группы «Динамик». Впервые увидев и услышав «вживую» моего любимого отечественного рок-исполнителя, поклонником которого я являюсь уже десять лет, я получил очень большое впечатление. Более того, еще никогда мне не удавалось находиться во время концерта так близко от сцены: меня отделяло от музыкантов всего лишь несколько метров. Небольшой Концертный зал в Олимпийской деревне, где все проходило был переполнен: помимо кресел, люди занимали все свободное пространство.

Шоу началось весьма оригинально: при еще не погашеном свете в зале из динамиков еле слышно зазвучала запись знаменитого «Болеро» Равеля. По мере того, как музыка подходила к кульминации, звук из динамиков становился громче, а свет в зале постепенно гас. Когда последняя нота равелевской музыки оборвалась, вспыхнули прожектора, и на сцену вышли музыканты группы «Динамик», бодро заиграв песню «17 лет», а следом и их лидер.

Владимир Кузьмин действительно феноменальное явление на отечественной рок-цене. Прежде всего он автор всей музыки и почти всех текстов своих песен, большинство которых стали классикой отечественного рока (например, «Мама, я попал в беду», «По-прежнему вдвоем»). Почти каждый год Кузьмин выпускает альбомы, и всегда его новые песни становятся хитами (очень популярна сейчас его последняя работа – диск «Наши лучшие дни» 1999 года, сейчас Кузьмин записывает новый альбом с рабочим названием «Рокер»).

Кроме этого он очень талантливый рок-гитарист. У него просто фантастическая техника, он использует все выразительные возможности своего инструмента. Во время концерта гитара Кузьмина временами ревела как раненый зверь (как, например, во время исполнения «тяжелой» баллады «Белые дикие кони»), часто взрывалась быстрыми и чрезвычайно трудными пассажами (Кузьмин очень любит демонстрировать свою виртуозность), зажигательно «вела» рок-н-ролльные риффы, а иногда просто аккомпанировала Кузьмину-певцу (у него сильный, с легкой хрипотцой хард-роковый голос). А в необычайно грустной балладе «Я не забуду тебя никогда» его гитара буквально плакала.

В ходе концерта Владимир Кузьмин продемонстрировал свое мастерское владение и другими музыкальными инструментами: в различных композициях он играл также на электроскрипке, синтезаторе, флейте и саксофоне, причем партии этих инструментов по виртуозности не уступали его основной, гитарной. Впрочем, свой талант мультиинструменталиста Кузьмин раскрыл на концерте не полностью: он еще отлично играет на бас-гитаре, ударной установке (свидетельство этому – альбом 1996 года «Семь морей», где он исполняет все инструментальные партии), некоторых акустических инструментах (помимо флейты и саксофона). Почти никто из отечественных рок-музыкантов не обладает таким высоким профессионализмом.

Концерт был разделен на два отделения. В первом Владимир Кузьмин и его группа играли, в основном, свои новые песни. Второе более чем наполовину состояло из старых хитов, и когда публика уже разогрелась окончательно, многие, подойдя прямо к сцене, стали танцевать. В конце вечера песни Кузьмина вместе с исполнителями пел хором весь зал.

Уже в начале своего выступления Владимир Кузьмин сказал, что концерт посвящен юбилею этого зала, а не его группы, как многие подумали (20-летний юбилей группы «Динамик» будет лишь в 2002 году) и пожелал Концертному залу в Олимпийской деревне успехов, процветания и (цитирую) «побольше приглашать таких хороших исполнителей… Шутка!» Но все же это была не шутка. Публике, пришедшей на концерт представилась прекрасная возможность услышать настоящий профессиональный отечественный рок и увидеть его корифея.

Алексей Истратов,
студент V курса

№ 3 (15), март 2000

Яркие впечатления, полученные в детстве прямо или косвенно влияют на дальнейшее развитие человеческой личности. Особенно важно то, какая музыкальная атмосфера окружала человека в раннем возрасте, так как это в дальнейшем повлияло на всех нас, нынешних студентов Московской Консерватории: ведь мы связали свою жизнь с этим великим искусством.

Одно из самых ярких моих детских музыкальных впечатлений – это альбом Давида Тухманова «По волне моей памяти».Тогда, в начале 80-х годов я заслушивался этой музыкой, она меня буквально очаровывала. Но тогда, будучи еще пяти лет отроду я не мог понять тот глубокий смысл, который несли в себе композиции с этого альбома. Мне просто нравилась эта музыка, потому что она была очень мелодична, обладала необычайной энергией и не походила на те сладкие песенки, которые тогда были в моде. А тексты песен меня привлекали своей необычностью: я их заучил наизусть и никак не мог понять те странные для меня образы, которые в них были отображены.

Такие стихи действительно никто из композиторов до Давида Тухманова не избирал в качестве литературной основы для создания рок- композиций. Это были стихи поэтов разных эпох и стран: Ш. Бодлера, И. В. Гете, А. Ахматовой, Н. Гильена… А некоторые из стихотворений, положенные на музыку Тухмановым, были написаны несколько веков, а то и тысячелетий назад (вторая и третья композиции этого альбома – на стихи Сафо и вагантов XI–XIII веков). В некоторых случаях композитор сохранил язык оригинала («Доброй ночи» на слова Шелли, «Посвящение в альбом» на слова Мицкевича), в остальных – использовал прекрасные переводы на русский язык, сделанные Л. Гинзбургом, В. Вересаевым, В. Левиком и другими талантливыми переводчиками.

В этом альбоме необычайно органично соединились казалось бы несоединимых пласта человеческой культуры: классическая мировая поэзия и рок-музыка. В этом проявилась гениальность композитора. На музыку альбома, как потом в интервью говорил автор, огромное влияние оказало творчество группы Beatles. Действительно, это чувствуется, хотя также видно, что композитор был знаком с творчеством таких групп, как Deep Purple и Pink Floyd; но, безусловно,налицо господство в альбоме творческого стиля автора.

Для записи пластинки Давид Тухманов привлек солистов популярных в то время ансамблей («Аракс», «Самоцветы» и других). Помимо рок-группы автор использовал при записи в некоторых композициях инструменты симфонического оркестра, орган, проявив блестящее мастерство аранжировщика.

Вышедший в середине 70-х годов альбом «По волне моей памяти» завоевал такую популярность, которой не ожидал сам автор. Спустя много лет после выхода пластинки Давид Тухманов в одном из интервью сказал: «…такой большой массовый успех этой вещи был достаточно неожидан… Я иногда сам пытаюсь ответить на этот вопрос и думаю, что в то время был некоторый вакуум, вообще недостатск во всем новом, и в том числе и в музыке, поэтому молодежная аудитория горячо откликнулась…»

Но шло время. Коренным образом поменялись музыкальные пристрастия молодежи, появились новые кумиры у широкой публики. Музыка альбома «По волне моей памяти» почти исчезла из теле- и радиоэфира, а моя пластинка со временем пришла в негодность. В результате мне удалось вновь услышать эту музыку только через долгие семнадцать лет…

В 1997-м году на прилавках магазинов компакт-дисков появилось новое, ремастерированное издание альбома «По волне моей памяти» сделанное по авторской фонограмме, любезно предоставленной Давидом Тухмановым компании «Музыкальная ассамблея». Но мне удалось приобрести это издание лишь два года спустя после его выхода. Когда из динамиков моего музыкального центра зазвучали начальные такты первой композиции, меня охватило поистине волшебное чувство. За семнадцать лет я успел забыть начисто музыку этого альбома, но с первыми же звуками ко мне вернулись все воспоминания детства, связанные с этой музыкой. Я как будто переместился на машине времени в те счастливые годы моей жизни. И все же что- то было не так, что- то напоминало мне о настоящем: звук был другой. Вместо старой заезженной пластинки на примитивном проигрывателе звучал компакт- диск на современном музыкальном центре; и теперь я понимал, что теперь, в конце второго тысячелетия моя любимая музыка, та, на которой я вырос, вернулась ко мне навсегда (или почти навсегда).

Алексей Истратов,
студент IV курса

№ 9, сентябрь 1999

Уже почти 20 лет прошло с тех пор, как появилось на свет очередное монументальное детище английской группы «Pink Floyd» – концептуальный альбом «The Wall» – «Стена». С этих пор сильно изменилась ситуация в рок-музыке, но положение Pink Floyd осталось неизменным. Пластинки группы по-прежнему расходятся огромными тиражами, выпускаются композиции, ранее не входившие в официальные альбомы (в частности, в 1992 году выпущен замечательный коллекционный бокс-сет «Shine On», включающий в себя семь самых популярных альбомов группы и малоизвестные композиции раннего периода творчества). Как только группа отправляется в гастрольное турне, это становится событием мирового масштаба; гастроли, как правило, затягиваются на несколько лет. Главные заслуги музыкантов Pink Floyd в том, что они были пионерами в области зрелищного оформления своих концертов и вообще, подняли рок-культуру на новый, более высокий уровень, создав много прекрасной музыки. Своим творчеством музыканты группы доказали, что рок-альбом может быть чем-то большим, чем просто набор песен, иметь сложную концепцию, затрагивать сложнейшие вопросы человеческого бытия.

Проблемам взаимоотношения внутреннего мира человека с окружающим его внешним миром посвящен альбом «Стена». Сквозь нить композиций, переходящих из одной в другую рассказывается история типичного представителя английской молодежи 60-х, воплотившегося в образе главного героя повествования – рок-звезды по имени Пинк.

Сюжет «Стены» вдохновил знаменитого кинорежиссера Алана Паркера на создание фильма. Сценарий для картины написал лидер Pink Floyd Роджер Уотерс. Очень непросто было перенести глубокий психологический сюжет альбома на экран. Уотерс, Паркер и мультипликатор Скарф по ходу работы над фильмом часто спорили об интерпретации сценария. Начатая работа шла напряженно, продолжалась год и закончена была в 1982 году. Фильм, как и альбом, имел ошеломляющий успех, хотя он невероятно сложен для восприятия. После первого просмотра многое еще кажется непонятным, так как буквально каждый кадр нагружен каким-нибудь скрытым смыслом; и, конечно же, всю картину пронизывает экспрессивная музыка Pink Floyd.

Большая часть истории предстает на экране в виде воспоминаний главного героя, Пинка. Страшные картины второй мировой войны, гибель отца (все это на музыкальном фоне композиций «In The Flesh?», «The Thin Ice»); трудное послевоенное детство. Уже в эти годы строится стена отчуждения между Пинком и окружающим его миром, а гибель отца – первый кирпич в этой стене. В образе Пинка и его судьбе есть и автобиографические мотивы: отец Роджера Уотерса тоже погиб на войне.

Линия сюжета движется дальше… Школьные годы. На уроке учитель застает Пинка за сочинением стихов. С едким сарказмом он зачитывает их всему классу (эти стихи не что иное, как куплет композиции «Money» из альбома Pink Floyd «The Dark Side Of The Moon» 1973 года). После этого Пинк мечтает о том, как однажды все школьники соберутся вместе и побьют всех учителей. (В этот момент звучит композиция «Another Brick In The Wall. Part 2» – самая известная из этого альбома.) Рассказ о детстве Пинка заканчивается обобщением этого периода жизни героя. На композицию «Goodbye Blue Sky» идет мультипликационный видеоряд, в котором господствуют символы войны.

Проходят годы. Пинк уже взрослый мужчина, знаменитый рок-музыкант. Но с годами постепенно у него накапливались психологические комплексы, росла ненависть к людям. В результате он теряет всех друзей, от него уходит жена, и даже бурная рок-н-ролльная жизнь и восторги поклонниц его уже не радуют.

Снова идет мультипликационный видеоряд (два переплетающихся и расплетающихся цветка) на музыку композиции «Empty Spaces». В основе ее – тема любви и разрыва любовных отношений. Есть в этой композиции небольшой секрет – записанное наоборот сообщение: «Congratulations, you have just discovered the secret message. Send your answer to Old Pink of the Funny Farm, Chalfont» («Поздравляем, вы только что обнаружили секретное послание. Присылайте ваши ответы Старому Пинку на Смешную Ферму в Чалфонте»).

Стена между главным героем и окружающим миром продолжает расти. Пинк отчаянно сопротивляется этому. В надежде на то, что совершенно чужой человек его поймет и посочувствует ему, Пинк приводит к себе в гостиничный номер одну из своих многочисленных поклонниц. Но, ослепленная внешним блеском, она не может понять его разлагающуюся душу и воспринять его распадающуюся личность. Приведенный в отчаяние, Пинк теряет контроль над собой и устраивает разгром гостиничного номера (композиция «One Of My Turns»). Это одна из самых сильных по эмоциональному воздействию на зрителя сцен фильма, производящая неизгладимое впечатление. Пинк так и не может понять, что в своем одиночестве виноват он сам. Пинк не осознает, что со всех сторон окружен стеной; наоборот, он заявляет, что ему ни от кого ничего не нужно (композиция «Goodbye Cruel World»); вскоре осознание ситуации приходит к нему, но уже слишком поздно. Пинк оглядывается на прожитую жизнь. Понимая, что напрасно ее прожил, он решает покончить с собой, приняв смертельную дозу лекарства. Менеджеру Пинка удается спасти своего подопечного, вовремя вызвав врачей. Пинк находится в бессознательном состоянии, перед ним потоком проносятся краткие воспоминания. Звучащая в этот момент композиция «Comfortably Numb» – одна из лучших в творчестве Pink Floyd. Ее отличает размеренный медленный ритм, необыкновенной красоты мелодия и восхитительное гитарное соло Дэвида Гилмора.

Пинк очнулся другим человеком. Перед нами уже не прежняя жертва несправедливой судьбы, а агрессивная, бездушная машина. Свое новое рок-шоу Пинк устраивает в виде фашистского митинга. Звучит композиция «In The Flesh» (заметьте, в названии уже нет знака вопроса)! Вдохновленные примером Пинка, поклонники рок-звезды выходят на улицы города и устраивают массовые беспорядки. Пинк, стоя на возвышении, отдает приказы через мегафон.

Наконец, Пинк в ужасе понимает, что натворил. Впервые в нем просыпается голос совести. В финале действие фильма переносится в его душу. Пинк являет собой обвинителя, присяжных и судью в одном лице. Этот номер – «The Trial» наиболее впечатляет по музыке и визуальному решению. В самом конце картины происходит разрушение стены в прямом и переносном смысле —решение разрушить стену, которую он сам воздвиг, не так просто дается главному герою.

Кроме кинематографического, альбом «Стена» получил и сценические воплощения, самое впечатляющее из которых произошло в 1990 году в Берлине, на празднестве в честь объединения Германии. К участию в концерте Роджер Уотерс привлек целое созвездие киноактеров и рок-музыкантов. Вот далеко не полный список участников: Брайан Адамс, Тим Карри, Мэриан Фэйтфул, Синди Лаупер, Джерри Холл, Джонни Митчел, Вэн Моррисон, Шинейд О’Коннор, группа «Scorpions», Военный оркестр Советской Армии, Радио Восточного Берлина. Концерт транслировался по телевидению, запись его вышла на компакт-диске и на видео; вся прибыль от него пошла в благотворительный фонд.

В наши дни альбом «Стена» и фильм Алана Паркера по-прежнему пользуются успехом, так как в них затрагиваются проблемы, которые с каждым годом становятся все актуальнее. Но, несмотря на движение сюжета альбома «от света к мраку», все кончается оптимистически. Будем же и мы надеяться на то, что со временем отчуждение и ненависть исчезнут из нашего общества.

Алексей Истратов,
студент IV курса

№ 5 (4), май 1999

Рок-музыка… С какими предметами и явлениями ассоциируются эти два слова? Кто-то, услышав их, вспоминает рок-н-ролльные 50-е годы, кто-то – «битлов». Академические музыканты-профессионалы выделяют среди необъятного моря пластинок лишь небольшое количество конкретных альбомов конкретных исполнителей, которые, на их взгляд, являются шедеврами. Люди старшего поколения вообще резко отрицательно относятся к року. Однако, сегодня уже нельзя отрицать того, что рок – явление очень значимое, прошедшее длительную эволюцию: «танцевальные» 50-е годы, «бунтарские» 60-е, «золотые» 70-е, «зрелые» 80-е… А какое определение дать последнему  периоду развития рока – 90-м годам нашего века? Мне на ум приходит лишь одно слово – «кризисные».

В 60–80-е годы появились величайшие достижения рок-музыки. К ним, без сомнения, относятся: пластинка Beatles «Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band» (1967), концептуальный альбом Pink Floyd «The Dark Side Of The Moon» (1973), «A Night At The Opera» группы Queen (1975), альбом американца Брюса Спрингстина «Born In The U.S.A.» (1985) и много других работ различных исполнителей. А в 90-е годы я прежде всего отмечаю отсутствие шедевров,  альбомов, которые могли бы встать с названными в один ряд. Раньше на большой сцене было очень много групп и исполнителей, совершенно разных по музыкальному стилю и сценическому имиджу. Сейчас исполнителей еще больше, но по музыке и имиджу они все приблизительно одинаковы. Среди молодых рокеров мало ярких творческих индивидуальностей, у них и поп-исполнителей совершенно исчез творческий подход к делу – их больше всего интересует не возможность сказать новое слово в современной музыке, а как бы заработать побольше денег и всю оставшуюся жизнь купаться в роскоши.

Но это не означает, что талантливые рок-музыканты перевелись на белом свете. Просто они вынуждены оставаться в тени, не выдерживая жестокой диктатуры продюсеров крупных фирм грамзаписи и требований шоу-рынка. Правда, у этих музыкантов есть два выхода: либо «коммерциализировать» свою музыку, либо записываться на инди-фирмах – небольших фирмах грамзаписи, организованных группами энтузиастов. Как правило, они выпускают пластинки некоммерческих исполнителей.  Тиражи их маленькие, но в авторитетных западных музыкальных журналах это явление не обделяют вниманием – проводятся хит-парады продукции инди-фирм. Об этой ситуации с горечью высказался бывший лидер легендарных Pink Floyd Роджер Уотерс, когда корреспондент в одном из интервью завел речь о бессмертном альбоме группы – «The Dark Side Of The Moon»: «Если бы мы выпустили нечто подобное не четверть века назад, а сегодня, вряд ли судьба альбома была столь благополучна. Эти ребята из отдела артистов и репертуара, скорее всего, замахали бы на нас руками: Да вы что?! Да кто же это возьмет? Нет-нет! Надо «ужаться»! Вот, скажем, эту вещицу надо обрезать на 16 тактов – а то ее на радио не станут крутить. Ну и так далее. Короче – полная безнадега…»

В чем же объективная причина этой ситуации? Скорее всего в том, что на Западе уровень жизни стал очень высоким, люди имеют все, что хотят (или почти все). Бунт против окружающего мира, из которого родилась рок-музыка, в теперешних благополучных условиях начинает сходить на нет. И как результат – возникли  два полюса современной рок- и поп-музыки: на одном – нарочитое стремление угодить вкусам толпы (избитые гармонии и приемы аранжировки, «приглаженный» имидж); на другом – уход в различного рода «экстремальщину» (намеренное утяжеление звучания, вызывающий сценический образ, в текстах – темы сатанизма, садомазохизма, ненормативная лексика). Но общая черта всех молодых групп – похожесть друг на друга. Хотя у современных популярных исполнителей попадаются очень даже неплохие композиции, но, как правило музыкантам не хватает творческой фантазии весь альбом составить из вещей такого же качества. Например, я в 1997 году услышал интересную песню «Don’t Speak» молодой группы No Doubt, но, купив их альбом «Tragic Kingdom», я обнаружил, что кроме этой вещи там слушать больше нечего, все остальные композиции очень скучны и невыразительны. К сожалению, таких альбомов у новых групп очень много.

Серость продукции молодых команд скрашивают плоды творчества долгожителей рока, у которых открылось второе дыхание. Очень хорошие альбомы выпустили в 90-х Rolling Stones, Joe Cocker, Elton John, Aerosmith. А группы, пик популярности которых пришелся на 80-е  сейчас, наоборот, переживают тяжелый период: молодежь 80-х уже подросла, а в ранг классиков рока эти группы еще не перешли. Многие из них стараются удержаться на поверхности, некоторые вносят новые элементы в свой музыкальный стиль (U2, Duran Duran, другие – наоборот, возвращаются  к тем музыкальным идеям, которые использовали в ранний период своего творчества (Depeche Mode в своем последнем студийном альбоме «Ultra» 1997 года). Публика и критика реагируют на эти изменения по-разному, но дела, по большому счету, у этих групп неплохи. Исключение составляет, пожалуй, лишь американский поп-идол 80-х Prince: сейчас он выбрасывает на музыкальный рынок огромное количество своей новой музыки, которая, год от года становится все хуже и хуже (последний альбом «New Power Soul» 1998 года публика и критики почти единодушно сочли самым худшим в его дискографии).

Что произойдет с рок-культурой в будущем? Возможно, она модифицируется в какую-нибудь другую культуру. Трудно предсказать. Сегодня среди новых групп есть талантливые коллективы. Правда, их немного. Например, английская группа Oasis, которая в своих композициях удачно сочетает мелодику в духе Beatles и современные приемы аранжировки. Очень неплохо работает австралийская поп-роковая команда Savage Garden. Оригинальный стиль у шведов Cardigans, в отдельных своих хитах  возрождающих традиции поп-музыки 60-х – 70-х годов. Альбом 1997-го года «OK Computer» английской группы Radiohead немного не дотягивает до определения «шедевр», но это очень яркое событие в рок-музыке 90-х годов. Все это позволяет иметь надежду, что в будущем появятся произведения, которые встанут в один ряд с битловским «Сержантом Пеппером» и пинк-флойдовской «Темной стороной Луны»

А. Истратов,
студент III  курса

№ 4 (6), апрель 1999

Вот уже почти пятьдесят лет существует и развивается культурный феномен двадцатого века – рок-музыка. На сегодняшний день она представляет собой огромный конгломерат различных стилей и направлений. А когда-то все это начиналось с бесхитростных танцевальных рок-н-роллов. По-разному складывались и судьбы рок-исполнителей: кто-то стал всемирно известным с помощью лишь одной песни, а затем канул в Лету, другие же группы выпустили много великолепных пластинок, а сегодня они незаслуженно забыты. Но есть такие коллективы и солисты, названия и имена которых, а главное – их творчество, будут помнить поклонники еще очень и очень долго: «Beatles», «Rolling Stones», «Pink Floyd», «Led Zeppelin»… Всех не перечислишь. Сегодня это классика рок-музыки. К музыкантам этого высшего уровня относится и Рой Орбисон, американский певец, гитарист и композитор. Он из самого старшего поколения рок-музыкантов, которое стояло у истоков этой культуры.

Свою первую группу «The Wink Westerners» Орбисон организовал еще в 1949 году. Единственное достижение этой команды – победа на техасском радиоконкурсе талантов. Позднее, во время учебы в университете штата Техас, вместе со своим однокурсником Пэтом Буном (тоже будущая эстрадная суперзвезда) Орбисон создает новую группу – «The Teen Kings». Записи ребят попали к Сэму Филлипсу, президенту фирмы грамзаписи «Sun Records», который «вывел в люди» паренька по имени Элвис Пресли. Их песня «Ooby Dooby» потрясла Филлипса: у Роя Орбисона была необычная манера игры на гитаре и почти оперный голос, сильно отличавшийся от голосов тех исполнителей, которые записывались на «Sun Records». Контракт был подписан незамедлительно, хотя песня «Ooby Dooby» так и не достигла ошеломляющего успеха (в хит-параде США она заняла лишь 59-е место).

Новый период творчества Роя Орбисона (1960–1965) начинается с переезда в Нэшвилл и подписания контракта с фирмой «Acuff-Rose Publication». Меняется личная жизнь – меняется и музыкальный стиль (Орбисон обретает семейное счастье). В его репертуаре теперь преобладают лирические баллады. Именно в лирике Орбисон находит самое удачное применение своему голосу. По сей день он является одним из лучших исполнителей медленных баллад. Огромной популярностью по обе стороны Атлантики пользуются песни «Only The Lonely», «Claudette» (посвящена жене), «Blue Angel», «Running Scared», «Dream Baby» и множество других. Он совершает триумфальные гастроли по Великобритании вместе с «Beatles», в 1963-м году, записывает самую лучшую свою композицию – «Oh Pretty Woman» (настоящий шедевр, находящийся в ряду таких, как «Yesterday» Леннона и Маккартни, «Satisfaction» группы «Rolling Stones», «A House Of The Rising Sun» группы «Animals»). «Oh Pretty Woman» Орбисона известна в исполнении множества групп и солистов: в 82-м году группа «Van Halen» с этой композицией попала на первые места хит-парадов; в 90-м году эта песня стала главной музыкальной темой одноименного фильма. Многие знают Орбисона именно как автора «Oh Pretty Woman»…

Катастрофы подстерегали музыканта на пике славы. Сначала, в 1966-м году в автомобильной аварии гибнет его жена Клодетт; потрясенный, он на какое-то время прекращает музыкальную деятельность. Через два года – еще более страшный удар: при пожаре в доме погибают двое детей Роя Орбисона. Наступает глубокий кризис, хотя и в 1969-м он буквально из последних сил проводит свои гастроли по Англии, а в 1970-м выпускает альбом, исполняя чужую музыку – песни Хэнка Уильямса. Перенесенные несчастья не могли не сказаться на здоровье Орбисона: почти все следующее десятилетие музыкант живет под постоянным присмотром врачей и редко записывается. В 1979-м ему была сделана сложнейшая операция на сердце.

Когда через два года после операции он вновь возвращается на большую сцену, его приветствует вся музыкальная пресса мира. Концерты сопровождаются восторженными журналистскими рецензиями. Начинается новый взлет карьеры певца. В 1988-м знаменитые друзья – Боб Дилан, Джордж Харрисон и Джефф Линн приглашают его в свою группу «Traveling Wilbyris». Музыкант вновь полон творческой энергии, начинает активно работать с группой, параллельно записывая сольный альбом. Взлет, к сожалению оказался недолгим: 7 декабря 1988 года Рой Орбисон скончался от сердечного приступа. Ему было всего 52 года…

С уходом из жизни Роя Орбисона интерес к его музыке не угас. Через год после кончины вышла его «лебединая песнь» – пластинка «Mystery Girl». По сей день издаются сборники его лучших песен, в архивах фирм грамзаписи обнаруживаются неизданные композиции певца. Осталось много видеоматериалов. Новые поколения рок-меломанов продолжают восхищаться его ранними песнями в духе рокабилли (ритмическое сочетание кантри и блюза), проникновенными лирическими балладами периода 60-х годов, а также поздними работами, сочетающими стилистику кантри и блюза с современными рок-ритмами. Великолепные мелодии Орбисона-композитора будут, я уверен, еще долго любимы поклонниками рок- и поп-музыки.

Алексей Истратов,
студент III курса

№ 1 (3), январь 1999

Интересно, как далеко за эстетические рамки могут выйти современные академические композиторы-электронщики? Чтобы это выяснить, я отправился 17 ноября в зал Дома композиторов на концерт электро-акустической музыки современного российского «производства».

…Публика рассаживалась по местам. Почти все люди не сняли с себя верхнюю одежду: в зале было очень холодно. Я устроился в центре первого ряда на балконе – там теплее, да и с точки зрения акустики лучше. Так думал и ведущий концерта, композитор Анатолий Киселев, когда посоветовал публике занять места в середине рядов, чтобы находиться точно между двумя динамиками, висящими по краям сцены («для того, чтобы быть в центре музыкальных событий»).

Открывался концерт сочинением Артема Васильева «Колокола бесконечности». Перед этим ведущий поведал нам о том, что Артем Васильев – трехкратный лауреат конкурса композиторов в Бурже (до него никто из наших композиторов не становился три раза подряд лауреатом этого конкурса). Конкретно об этом сочинении ведущий сказал, что автор использовал в нем три звуковых пласта: звучание колоколов, шепотом произносимое название пьесы, звуки настраивающегося оркестра и, поскольку это сочинение записывалось в Будапеште, на венгерской земле, в него автор включил небольшой фрагмент «Концерта для оркестра» Бартока. Силами электроники был создан глубокий, философско-созерцательный образ; но, к сожалению, сочинение страдало чрезмерной затянутостью: не будь этого, можно было бы о «Колоколах бесконечности» отозваться более чем положительно.

Затем последовала композиция Станислава Крейчи «Confession», предполагающая, по словам ведущего, зрительный ряд. В нем под электронно-звуковой хаос безобразно дергалась и извивалась танцовщица в костюме, напоминающем одно надежное средство защиты от СПИДа. Она исполняла какой-то первобытный, животный танец. По окончанию с балкона раздался свист, затем свистевший молодой человек лет двадцати пяти поднялся со своего места и крикнул: «Плохо!»

Очень грустное впечатление произвел следующий опус, созданный неким Сергеем Громенко и имеющий название «А древо жизни вечно зеленеет». Под «древом жизни» автор подразумевал, как я понял, фрагмент звучания барочной музыки; но вскоре это «древо» на корню, со всего размаха было срублено мощным электронным «топором». Название пьесы (кстати, это строчка из «Фауста» Гете), увы, не оправдалось.

(далее…)

№ 1, ноябрь 1998

11 августа 1998 года в культурной жизни России произошло, на мой взгляд, значительное событие: в Москве, на стадионе «Лужники», состоялся единственный концерт легендарной группы «Rolling Stones». Мне посчастливилось побывать на нем. То, что я увидел, запомнилось мне на всю жизнь…

Сначала – короткое выступление «разогревающей» группы. Далее – томительное ожидание. Проходит двадцать минут, тридцать, час… Приблизительно в 21.45 гаснет свет. Шоу начинается.

Медленно расходится занавес, из динамиков раздается экзотическая, скорее всего африканская музыка. Над сценой установлен огромный, овальной формы видеоэкран, транслирующий то, что происходит на сцене. На нем зажигается изображение разъяренного, вставшего на задние лапы льва; это эмблема последнего альбома группы «Bridges To Babylon» – «Мосты в Вавилон». Сцена погружена в полумрак.

Вдруг «африканская» музыка прерывается громким вступлением электрогитары, взрываются петарды по краям видеоэкрана, сцена ярко освещается прожекторами, и – наконец-то, свершилось! Мы видим легендарных «роллингов»!

(далее…)