№ 7 (114), октябрь 2011

Мне хочется рассказать об интересной девушке с Востока – молодом композиторе Руйхан Ян. Мы познакомились три года назад, и, живя с ней в одной комнате в общежитии, я узнала, насколько это одаренный и целеустремленный человек.

Руйхан приехала в Россию из Страны Восходящего солнца, закончив там музыкальную школу по классу фортепиано, параллельно занимаясь композицией. Я была очень удивлена, что в музыкальную школу дети в Китае ходят только с 13 лет! Нам, живущим в России, это кажется очень странным – ведь у нас детишек отдают в подготовительные классы уже в 5-6 лет.

Поступление в консерваторию было случайным. Путешествуя по России и оказавшись в Москве, она решила попробовать свои силы и сдать вступительные экзамены, потому что знала: наша консерватория – одна из лучших в мире. И, удачно преодолев испытания, была зачислена на подготовительный курс. Сейчас она уже на пятом курсе, в классе композиции профессора В. Г. Тарнопольского.

Руйхан – необычайно творческий человек. Я не раз оказывалась свидетелем, с каким усердием создается то или иное сочинение. До того как произведение приобретает окончательный вид, оно проходит много этапов: сначала делаются наброски, идут поиски различных вариантов, затем многое, что поначалу нравилось, уже не устраивает – начинается новый поиск… Одним словом, ты как бы постоянно находишься в маленькой творческой лаборатории, в которую тебя засасывает, и уже не можешь (да и не хочешь!) из нее уйти.

Когда произведения Руйхан звучат в студенческих концертах, они всегда привлекают внимание слушателей своим неповторимым колоритом. В наше время музыка многих молодых авторов насыщена техническими сложностями и трудна для восприятия, чего я не могу сказать о музыке Руйхан. В ее творческом багаже в основном камерные произведения: Соната для скрипки и фортепиано, Симфоническая поэма, Квинтет для деревянных духовых, Трио «Пейзаж» для флейты, альта и вибрафона. По ее словам, она стремится соединить техники русского авангарда с китайским духом, через инструменты европейского оркестра найти тембры ее родных восточных инструментов.

(далее…)

№ 7 (114), октябрь 2011

Всегда проникаюсь безмерным уважением к тем смельчакам, которые дерзают покорить орган – «короля музыкальных инструментов». Как ни странно, в наши дни их огромное количество. И это не только студенты фортепианных факультетов. Орган магически притягивает к себе музыкантов разных специальностей. Вспомним, что Кристиан Даниэль Шубарт называл орган первейшим инструментом, обращение с которым исключительно трудно и требует интеллектуального и физического совершенства, а органиста – первейшим музыкантом. Но всем ли удается стать таковым?

Органист Гарри Еприкян считает, что орган либо «сдается» сразу, либо «бороться» с ним будешь все время. Говоря проще, как и скрипачами, настоящими органистами рождаются. (Впрочем, это утверждение можно отнести и к любым другим музыкальным специальностям!) Орган – это не тот инструмент, на котором начинают играть в раннем детстве, поэтому пути к нему у всех исполнителей разные.

Гарри Еприкян – в прошлом выпускник нашей alma mater, закончивший консерваторию по двум специальностям (фортепиано и орган), а в настоящем один из тех «первейших музыкантов», чье имя можно часто увидеть не только на московских афишах.

В первый раз он обратился к органу в музыкальном училище. Интерес к нему возник, возможно, как своего рода запасной «профессиональный» вариант. Хотя стремление к этому сакральному инструменту было обусловлено и более глубокими причинами: прадед Гарри был священником армянской церкви. Увлечение быстро переросло в нечто большее, и уже Мерзляковское училище он заканчивает с двумя красными дипломами: пианиста и органиста.

(далее…)

№ 7 (114), октябрь 2011

Эдгар Моро

Конкурс виолончелистов оказался самым международным (всего два участника выступили от России) и самым мужским – во второй этап второго тура вышли только представители сильного пола. И бушевавшие на нем музыкальные страсти порой достигали максимального накала.

Замечательно, что появилась возможность проводить прямые интернет-трансляции всех туров. Конечно, ничто не заменит живой звук, но прямой эфир, оживляемый репликами ведущего – виолончелиста Алексея Стеблева, – оказался способен максимально передать атмосферу прослушиваний. Точные комментарии происходящего, непринужденные беседы в перерывах с членами жюри и зрителями удивительно органично вписались в формат прямых эфиров, внося свою оригинальную «мелодию» в музыкальную ткань конкурса.

Вектор последующих событий определил уже первый тур. Один за другим на сцену выходили сильные, интересные участники, и постепенно становилось ясно, что при любом исходе конкурса многие виолончелисты найдут своего слушателя – а разве не это самое важное для любого музыканта?!

Второй тур, в отличие от прошлых конкурсов, был поделен на два этапа: сольная программа и исполнение концерта с камерным оркестром. После второго этапа в финал вышли всего пять человек. Конечно, конкурс есть конкурс, но невозможно не отметить прекрасных музыкантов, которые не дошли до финала, таких как Мэтью Залкинд, Якоб Кораньи (из-за травмы не сумевший сыграть второй тур), Александр Рамм и Давид Эггерт. Каждый из них запомнился не сногсшибательной техникой, а необыкновенно яркой, эмоциональной игрой.

Третий тур стал кульминационной точкой конкурса. Государственный академический симфонический оркестр имени Е. Светланова под управлением Михаила Агреста и Павла Смелкова чутко аккомпанировал солистам, позволяя им полностью раскрыться в своем репертуаре. И финалисты Норберт Ангер, Нарек Ахназарян, Умберто Клеричи, Иван Каризна, Эдгар Моро делали это с полной отдачей. На протяжении трех дней каждый вечер Концертный зал имени П. И. Чайковского наполнялся живой – проникновенной и энергичной, страстной и нежной, порывисто-резкой и утонченно-трепетной – Музыкой. Поистине финал не просто подвел итог напряженных недель конкурса, но превратился в прекрасный праздник искусства.

Нарек Ахназарян

Но самое волнующее – объявление результатов – оставалось впереди. Почти всегда это самый спорный и тонкий момент, но только не на этом конкурсе: победителя, на мой взгляд, можно было угадать еще на первом туре. Нарек Ахназарян не просто исполнял конкурсную программу; его игра – это пение души, выраженное через волшебный звук виолончели. Пожалуй, не будет преувеличением сказать, что каждый раз во время выступлений Нарека весь зал замирал в единении, – вдохнув, чтобы выдохнуть лишь в конце, разразившись аплодисментами (недаром Нарек получил приз зрительских симпатий!). В первых турах в его выступлениях поражал необыкновенно слаженный, как единое целое, дуэт виолончели и фортепиано (концертмейстер Нарека Оксана Шевченко получила приз лучшего концертмейстера). Но не менее чудесным был диалог солиста с оркестром.

Конкурс закончился и уже стал историей. А нам остался ряд замечательных имен, которые, хочется верить, зазвучат на мировой арене еще не раз, даря миллионам слушателей настоящую музыку.

Ольга Ординарцева,
студентка III курса ДФ

№ 7 (114), октябрь 2011

Прохладным осенним вечером 2 октября в театре «Новая опера» шла опера Леонкавалло «Паяцы». Зал был переполнен. Причина ажиотажа заключалась не только в популярности этой оперы во всем мире уже на протяжении более ста лет, но и в выступлении в главной роли знаменитого русского тенора Владислава Пьявко.

Приходя в «Новую оперу», традиционных трактовок ожидать не приходится – в этом театре режиссеры всегда поражают неожиданностью решений, зачастую идущих вразрез с оригиналом. Но не в этот раз! Подход финского режиссера Кари Хейсканена нисколько не исказил смысл веристской оперы. Вот как он сам описал свой замысел: «…Что касается концепции… я решил ввести в спектакль съемочную группу… Для меня кино и телевидение – неотъемлемый и очень важный элемент современной жизни… телевизионная камера для меня – это воплощение современного дня. Текст не претерпел ни малейших изменений. Все, как 110 лет назад. Мы убрали только исторический аспект, изменили место и время. Получается, что все основные изменения касаются формы, а не содержания».

Скромные декорации сцены представляли собой обычную рабочую обстановку киностудии. Так, в первом акте на сцене присутствовали только беспорядочная куча складных стульев, низко опущенный ряд прожекторов и деревянный каркас лестницы с колоннами на заднем плане. Более яркими и подвижными декорации были во втором акте: передвижные макеты кафе и спальни красочно-едких тонов, то опускающийся, то поднимающийся ряд прожекторов. Они дополняли суетливый процесс киносъемки.

Новые амплуа получили и главные герои. По замыслу режиссера уличный актер Канио превратился во владельца провинциальной киностудии, знаменитость и суперзвезду мыльных опер. Он, как и другие исполнители, был одет в современные одежды. Но ни костюмы, ни декорации долгое время не давали зрителям ясного представления – где и когда происходит действие. И лишь во втором акте появившийся оператор с камерой в руках расставил все по местам. Это поистине ценная находка режиссера: прямая видеотрансляция разворачивающегося на сцене съемочного действа с проекцией крупным планом на большой экран в левом углу сцены вкупе с музыкой ввергла публику в океан эмоций!

Актеры пели просто хорошо, и вначале ничего не предвещало каких-либо чудес, столь ожидаемых каждым во время оперного спектакля. Недда в исполнении заслуженной артистки России сопрано Эльвиры Хохловой получилась очень реалистичной – актриска популярного спектакля, не задумывающаяся глубоко о проблемах в жизни и легкомысленно предающаяся своим увлечениям. Ее голос весьма соответствовал образу – без яркого тембра, легкий, мягко-блеклый в низах и звенящий в кульминациях. Певица прекрасно воплотила разнообразие притворных настроений героини: в сценах со своим мужем – равнодушная и ироничная, с калекой Тонио – надменная… Кульминацией в развитии образа стал ее дуэт с возлюбленным Сильвио. Режиссер отразил низость чувств любовников, поставив их на колени – весь дуэт они ползали по полу подобно животным.

В том же ключе был решен и образ Тонио в исполнении баритона Анджея Белецкого. Грубая уличная косуха и бандана сделали и без того подлый персонаж еще более неприятным публике.

(далее…)

№ 7 (114), октябрь 2011

9 сентября в одном из замечательных и известнейших театров столицы – Музыкальном театре им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича—Данченко в честь великого франко-голландского художника—импрессиониста Ван Гога состоялась премьера балета «Винсент». Мне посчастливилось побывать на единственном показе этого спектакля в Москве. Дальше «Винсент» ждут трехлетние мировые гастроли, пунктом отправления которых станет Амстердам.

Спектакль «Винсент» чрезвычайно психологичен. Зритель переживает драму Ван Гога, погружаясь в необычный мир художника, полный ярких красок и глубокого отчаяния. Одновременно с этим явственно ощущается романтическая направленность самой идеи балета, крайне внимательное, трепетное отношение к каждой детали.

Герои различных полотен Ван Гога оживают на сцене благодаря таланту двух замечательных артистов Большого театра – народной артистки РФ Марии Александровой и заслуженного артиста РФ Геннадия Янина. Их умение мгновенно перевоплощаться очень скоро заставляет забыть о том, что это представление. Нам кажется, будто мы – участники событий, порой забавных, порой трагических, проходящих перед нашими глазами.

Хореография сочетает черты как классического, так и современного танца. Хореограф Иоганн Доу, чье имя держалось в секрете до самой премьеры, буквально ошеломил множеством оригинальных находок, среди которых и оживающие картины великого художника, и танец на деревянных башмаках-сабо, и «условное па-де-де» с тенью…

Автор музыки к «Винсенту» – композитор Григорий Варламов, недавний выпускник Московской консерватории по классу Юрия Каспарова. Талант и профессионализм молодого композитора проявляются в каждом номере балета на всех музыкальных уровнях: яркость тематизма, проработанность материала, четко выстроенная форма номеров, сохранение единой стилистики на протяжении всего сочинения. При этом он органично использует стилизации, воссоздавая атмосферу эпохи художника. Некоторые номера балета вполне могли бы украсить программу серьезного концерта.

(далее…)

№ 6 (113), сентябрь 2011

Концерты Юрия Шевчука и его группы ДДТ всегда проходят с аншлагом. Не стало исключением и весеннее выступление прославленного российского рок-музыканта в московском Театре эстрады. Это уже не первый концерт Шевчука, проходящий не в клубе, не в спорткомплексе «Олимпийский», что более типично, а именно в театре. Хотя он уже выступал и во МХАТ’е им. Горького. «С годами начинаешь больше ценить ту публику, которая сидит, а не которая стоит», – шутит музыкант.

Этот человек обладает невероятным обаянием и потрясающей положительной энергетикой. Концерт начался с обычной фразы: «Здравствуйте, дорогие!». Казалось бы, ничего особенного – просто приветствие, но низкий с хрипотцой голос, «пропевание» слов (есть у него такая особенность) – и… вас накрывает волна эмоций, ощущение чего-то очень родного и близкого. Концерт посвящался весне, которую ожидали все с таким нетерпением. И как ни просили из зала спеть «Метель», Юрий Юлианович был непреклонен. «Горсть тепла после долгой зимы…» – звучало в одной из его песен. Весна так весна!

Помимо песен Шевчук читал также свои стихи, что стало обычным явлением на его концертах. Стихотворение на фоне музыкального сопровождения – это своего рода мелодекламация. Известно, что прародителем русской рок-музыки была авторская песня. В ней на первом месте всегда слово, а музыка – незамысловатое дополнение, некий фон, который включает в себя стандартный набор аккордов. Свои ранние песни Шевчук писал именно под влиянием отечественных бардов, в первую очередь В. Высоцкого, Б. Окуджавы и А. Галича, а также русских поэтов Серебряного века – О. Мандельштама, С. Есенина и других. Шевчук продолжал развивать тематику песен Высоцкого, за что его до сих пор нередко сравнивают с великим бардом.

Публика была на подъеме. В концерте звучали и старые песни группы – «Хиппаны», «Ленинград» и т. д. А песня «Просвистела» была исполнена в необычной, более спокойной аранжировке – слушателям не пришлось пускаться в пляс. В середине концерта Шевчук предоставил слово бэк-вокалистке Алене Романовой, которая исполнила русскую народную песню «Брови мои черные».

Юрий Юлианович не скрывает свою гражданскую позицию. Критикует наших политиков, очень нелестно отзывается об отечественном телевидении, в связи с чем написал песню, посвященную Первому каналу, которую исполнил на этом концерте. Публике эта композиция, написанная не без юмора, весьма понравилась. Печально, но все, о чем пелось, – правда: люди перестали думать, а телевидение в большинстве случаев активно этому способствует. Юрий Юлианович заметил: «У нас сейчас Древний Рим – хлеба и зрелищ!» – и исполнил на бис новую песню «Юго-западный ветер», а затем известные хиты «Родина» и «Это всё». После чего под продолжительные овации зал еще долго не отпускал музыкантов со сцены.

(далее…)

№ 6 (113), сентябрь 2011

Живую органную музыку в России можно услышать значительно реже, чем, к примеру, в Западной Европе или в Америке. Там орган есть практически в каждой церкви – даже самой маленькой, провинциальной… Но особенно большая радость для нас, когда приезжают исполнители из других стран: мы обмениваемся опытом, знакомимся с иной манерой исполнения, с творчеством композиторов, которые мало известны в нашей стране. Именно таким запомнился концерт органной музыки в Римско-католическом кафедральном соборе Непорочного зачатия с участием профессора Мартина Зандера. Звучала музыка И. С. Баха, Р. Шумана и М. Регера, а также Ф. Ю. Вольфрума.

Мартин Зандер – профессор Высшей школы церковной музыки в Хайдельберге (Германия) и Высшей школы музыки в Базеле (Швейцария), преподаватель органа в Высшей школе музыки во Франкфурте-на-Майне. Он регулярно проводит органные мастер-классы в различных странах мира, является членом жюри международных органных конкурсов и фестивалей, ведет активную исполнительскую деятельность, осуществляет многочисленные записи. Многие компакт-диски Зандера были отмечены премиями музыкальной критики. Среди его учеников – многочисленные лауреаты международных конкурсов.

Концерт в соборе всегда проникнут особой атмосферой. Чувствуется запах фимиама, еще витающего в воздухе после вечерней мессы, теплятся свечи, царят полумрак и благоговейная тишина. Часто можно увидеть молящихся… Так было и перед концертом Мартина Зандера: несмотря на то что зал был переполнен, было достаточно тихо – атмосфера церкви не располагает к громким разговорам. В кафедральном соборе концерты всегда начинаются со слов: «Слава Иисусу Христу!». Они имеют огромное значение: это своего рода благословение и события, и самого исполнителя, и слушателей. И вот полились божественные звуки органа…

Особое место заняло исполнение Первой органной сонаты Филиппа Юлиуса Вольфрума (1854–1919), имя которого в Москве до этого было практически неизвестно. Благодаря профессору для нас открылась неизведанная область музыкальной сокровищницы позднего романтизма. Немецкий композитор и органист, пианист и дирижер Ф. Ю. Вольфрум посвятил свою жизнь не только исполнительской, но и просветительской деятельности. Он является автором научно-исследовательских работ и основателем Хайдельбергского баховского хора. Его вклад в мировое музыкальное наследие не может остаться незамеченным. Кстати, при жизни Вольфрум пользовался признанием и уважением в музыкальных кругах Германии. Ведь недаром в Бамбергской ежедневной газете, в рецензии на концерт 27 декабря 1881 года, его назвали «душой нашей музыкальной жизни».

(далее…)

№ 6 (113), сентябрь 2011

Ход истории не остановить. Технология, экономика, философия, искусство – все развивается. И чем дальше идет развитие, тем больше исторических богатств остается у нас за плечами. То же самое происходит и в музыке, но в разных странах по-своему. Не все одинаково ценят опыт прошлого.

В Китае, Иране, Японии, Индии и некоторых других странах до сих пор жива традиция. Она смогла измениться и существует в современных условиях. Непрерывная передача знаний от учителя к ученику на протяжении сотен и тысяч лет способствует сохранению древнейших традиций. Сейчас есть возможность услышать высококлассных исполнителей, глубоко погруженных в собственную культуру. Благодаря ежегодным фестивалям «Вселенная звука» (в мае он прошел уже в девятый раз), «Душа Японии» (осенью состоится тринадцатый), «Собираем друзей» (в августе ему исполнится 4 года) и научно-творческой программе «Потомки Арктиды», в Москве и некоторых других городах России можно слушать музыку, сохранившуюся с давних времен. Приятно не только ждать уже знакомых музыкантов, но и знакомиться с новыми.

Традиции сохраняются не везде одинаково. Смысл китайской классической музыки – в воссоздании произведения в неизменном виде: важно, чтобы ученик точно повторил пьесу за учителем. Уже несколько тысяч лет остается постоянным репертуар. В иранской и индийской культуре, напротив, больше распространено музицирование – рождение нового произведения, некая импровизация в соответствии с определенными правилами. Качество такого исполнения зависит от таланта, знаний, эрудиции и опыта исполнителей. Но в любом случае эти музыкальные культуры опираются на древние корни, прошедшие испытание временем.

(далее…)

№ 6 (113), сентябрь 2011

На конкурсе Чайковского постоянно работал пресс-клуб. В его рамках состоялся круглый стол на тему «Музыкальные конкурсы: бизнес или искусство?». Журналисты имели возможность общаться с известными музыкантами, членами жюри разных специальностей. Прошли многочисленные творческие встречи, в ходе которых на вопросы корреспондентов ответили знаменитые пианисты – Ван Клиберн, Барри Дуглас, Питер Донохоу, Дмитрий Алексеев, Мишель Берофф.

Из беседы с Барри Дугласом:

— Барри, нам известно, что Вы регулярно делитесь своими впечатлениями о конкурсе в twitter. Не думаете ли Вы, что тем самым разглашаете секретную информацию о конкурсе?

— Мне кажется, что такой способ общения не несет ничего незаконного, я не рассказываю никаких секретов

— Что оказывается более сложным: играть или судить?

— Конечно, судить. Ведь в данном случае требуется поставить себя на место участника.

— Ваши впечатления о VIII конкурсе Чайковского, в котором вы одержали победу.

— Я помню людей, помню волнение, тот потрясающий контакт с аудиторией, который тогда у меня возник!

— Тогда, на конкурсе в 1986 году, вы играли русскую музыку – «Картинки с выставки» М. П. Мусоргского. Как Вам удалось играть по-русски?

— Я чувствую русскую музыку. Мне кажется, что есть связь между русскими и ирландцами. Так, известно, что Джон Фильд работал в России и воспитал многих русских музыкантов.

— Скажите, а чем отличается поколение музыкантов Вашего времени от современных музыкантов?

— Каждое поколение меняется, меняется и восприятие мира. Сейчас намного больше музыкантов. Конечно, cреди них много таких, которые выигрывают только за счет техники, но есть и музыканты с душой.

— Остались ли какие-нибудь негативные впечатления от Вашего выступления на VIII Международном конкурсе имени П. И. Чайковского?

— Я помню только хорошее. В то время была невероятная страсть к музыке, все буквально сходили от нее с ума. Сейчас не меньше страсти, но в современной жизни больше комфорта, поэтому страсть к музыке уменьшается.

— Как Вам заново открытый Большой Зал?

— Акустика великолепная, но какие-то посторонние шумы в зале постоянно отвлекают.

— Вы сейчас играете русскую музыку?

— Да, недавно в Южной Америке я сыграл все концерты Рахманинова.

— Как Вы оцениваете обязательную пьесу для пианистов – «Чайковский-этюд» Р. Щедрина?

— Я сам ее учу, она у меня с собой в данный момент. Новая пьеса – это как чистый лист, у всех конкурсантов невероятная свобода для интерпретации.

(далее…)

№ 6 (113), сентябрь 2011

Интервью с обладателем золотой медали и Гран-при конкурса
Даниилом Трифоновым

— Даниил, расскажите, пожалуйста, как фортепиано вошло в Вашу жизнь. Это случилось по Вашей инициативе или по побуждению родителей?

— Вы знаете, лет до пяти я не проявлял к этому инструменту вообще никакого интереса, хотя у нас музыкальная семья: мой отец композитор, мама музыковед. Но однажды отец принес в дом синтезатор, и тогда я увлекся не на шутку: у него столько разнообразных тембров! Получилось, что я пришел к фортепиано через синтезатор…

— А Вы не играли еще на каких-либо инструментах, кроме синтезатора и фортепиано?

— Нет, не пробовал, да и не вижу в этом необходимости. Но я хотел бы научиться дирижировать.

— Как рано Вы начали выступать на сцене?

— С самого детства, точно не помню когда. Помню, мне было семь лет, когда я сыграл с оркестром 17-й концерт Моцарта…

— Насколько я знаю, Москва – Ваш неродной город. А с каким городом связаны Ваши детские воспоминания?

— Я родился в Нижнем Новгороде и жил там до девятилетнего возраста. Далее я учился в Москве, в школе при Гнесинской академии, а теперь учусь в Кливленде, в США. У нас там замечательный оркестр, отличная стипендия, а наиболее успешным студентам-пианистам выдают на дом рояли марки «Stainway»…

— Вы впервые принимаете участие в конкурсе имени Чайковского?

— Да. Мне сейчас 20 лет, и я считаю, что раньше двадцати участвовать не стоит. Я выделяю три таких масштабных, серьезных и очень ответственных конкурса: имени Шопена, Рубинштейна и Чайковского.

— Какие у Вас впечатления от игры Ваших конкурентов, Вам кто-нибудь запомнился?

— Нет, я толком никого не слышал – должен был сосредоточиться на своем выступлении. Но я немного находился в зале, чтобы послушать акустику. Она в разных местах зала отличается.

— Скажите, пожалуйста, какие произведения занимают основное место в Вашем репертуаре? Каких композиторов Вы предпочитаете?

— Ну, вообще-то самое любимое мое произведение – это «Поэма экстаза» Скрябина, хотя она и не фортепианная. Меня впечатляет мастерская работа композитора с оркестровыми тембрами. Я очень люблю Скрябина, Шумана, Шопена – они все очень близки мне. Еще я люблю Бетховена и хотел бы чаще играть его произведения, особенно сонаты. Я хочу, чтобы Бетховен стал мне так же близок, как Шуман и Шопен… В целом, основное место в моем репертуаре занимают романтики, но было бы хорошо еще побольше играть классиков.

(далее…)