№ 2 (118), февраль 2012

В последнюю неделю фестиваля современной музыки «Московская осень – 2011» состоялся концерт под названием «Мифы новой музыки». Произведения прозвучали в исполнении Ансамбля солистов «Студии новой музыки» (художественный руководитель В. Тарнопольский) под управлением двух дирижеров – заслуженного артиста России И. Дронова и В. Горлинского, а также при участии «CEAM—ensemble» Центра электроакустической музыки консерватории.

Концерт состоял из двух отделений и длился около трех часов. Интересно, что сначала звучали произведения, которые решены вполне классически. Это была «живая» музыка с музыкальными инструментами, где использовались различные приемы игры: «Незаконченные багатели» Л. Бобылева, «Mainspring» А. Ромашковой, «Aquagraphica» Ю. Воронцова.

Второе же отделение походило больше на конкурс молодых композиторов или парад различных произведений, каждое из которых было направлено на то, чтобы поразить публику. Они отличались между собой и идеей, и составами исполнителей, и способами звукоизвлечения, а также оригинальной трактовкой музыкальных инструментов. Даже их названия пестрили и контрастировали между собой. На некоторых остановим свое внимание.

«Евгеника I. Итальянский концерт» Н. Хруста была пронизана электронной и живой музыкой. Необычность сочинению придавал своеобразный инструментарий. Здесь помимо музыкальных использовались и бытовые «инструменты» – кастрюля, крышки от кастрюли, ведро с водой и тряпкой, бокал с водой, фольга, мячик от настольного тенниса. Всем этим богатством управлял В. Горлинский, а за режиссерским пультом сидел автор – Н. Хруст (было смешно, когда порой мячики падали и свою партию исполняли не вовремя).

«Arkaim» Н. Попова заворожило электронной музыкой, к которой был добавлен и видеоряд. Кроме того, на сцене в полной темноте сидел один музыкант, который выбивал на большом бубне характерный ритм. Эта композиция произвела большое впечатление.

Веселым и необычным эпизодом в этом концерте было сочинение «Blood on the dance floor» А. Васильева. Ансамбль вышел на сцену и стал играть нечто, похожее на всем известную мелодию из американской заставки студии «XX век Fox». После чего компьютерный голос объявил: «Это сочинение состоит из нескольких примеров. Пример 1 – вы услышите исполнение ноты до в различных произведениях» (и здесь стали перечисляться некоторые произведения, после чего у кларнета звучал звук «до»). «Пример 2, – продолжал голос, – первые звуки сонат издателя Д. Гюнтера. Пример 3 – все серии из произведений: Веберн – Симфония ор. 21, Шенберг – “Уцелевший из Варшавы”, Булез – “Структуры”, Штокхаузен – “Группы”». После чего на фоне живой (в исполнении ансамбля) и электронной музыки стал транслироваться прогноз погоды. Однако по причине технических неувязок все неожиданно оборвалось.

Следующим стало произведение А. Чернышева «Хух». Это сочинение удивило своей инструментовкой. У каждого исполнителя помимо своего инструмента была обычная или теноровая туба, в мундштук которой был вставлен длинный шланг. В определенный момент каждый из музыкантов «играл» на ней, выдувая странные бурлящие и булькающие звуки. В финале сочинения почти все исполнители, отбросив свои инструменты дули в тубу, что создавало резкие, свистящие звуки.

Завершило концерт сочинение В. Горлинского «Sun. Disc. Minotus—x». Оно оказалось самым масштабным. Его визитной карточкой был воздушный шарик, который находился почти у всех исполнителей. С помощью этих шариков извлекались резкие неприятные звуки, когда он находился в руках, а также его держали на струнах виолончели и играли по нему смычком. Это смотрелось довольно странно и необычно. Кульминацией и своего рода заключением стал внезапно лопнувший шарик.

Слушателей в зале было мало, в основном – просвещенная публика, молодые композиторы и их преподаватели. Это неудивительно: не всякий может высидеть такой своеобразный концерт, состоящий сплошь из современных произведений! И, несмотря на то что в программе было очень много интересных и даже массово-развлекательных моментов, большинство неискушенных слушателей к такой музыке, видимо, пока еще не готово.

Полина Харитонова,
студентка IV курса ИТФ

№ 1 (117), январь 2012

Итак, дождались! Наконец-то открылась обновленная историческая сцена Большого театра, которая принесла нам и ряд долгожданных премьер. Первой стала опера М. И. Глинки «Руслан и Людмила».

Вот мы входим в зал, который сразу восхищает своим красно-золотым бархатом. Множество огней, свечей и хрустальных люстр создают праздничное настроение. И мы уже предвкушаем пафосное представление русской эпической оперы с ее картинностью и красочностью. Однако это ожидание многих слушателей не оправдалось: постановка оказалась новаторским, «режиссерским» произведением. Она вызвала массу противоречивых отзывов, и уже здесь возникла перекличка с первым появлением оперы Глинки в Большом театре в 1842 году. Но это было единственным, что их связало.

Оригинальная трактовка эпической оперы русского гения режиссером-постановщиком Дмитрием Черняковым ставит много вопросов. Этот режиссер знаменит своим стремлением по-новому воплощать оперные шедевры. Из его многочисленных постановок в новой трактовке предстали перед слушателем «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» Римского‑Корсакова (Мариинский театр, 2000), «Аида» Верди (Новосибирск, 2004), «Жизнь за царя» Глинки (Мариинский театр, 2004), «Тристан и Изольда» Вагнера (Мариинский театр, 2005), «Борис Годунов» Мусоргского (Берлин, 2005-2006), «Евгений Онегин» Чайковского (Большой театр, 2006-2007), «Хованщина» Мусоргского (Мюнхен, 2007), «Игрок» Прокофьева (Берлин, Милан, 2008) «Леди Макбет Мценского уезда» Шостаковича (Дюссельдорф, 2008), «Макбет» Верди (Новосибирск, Париж, 2008-2009), «Воццек» Берга (Большой театр, 2009). И новый «Руслан» в Большом продолжает то же направление «осовременивания» классики.

Озорную юношескую поэму Пушкина сам Глинка трактовал довольно серьезно. Не зря многие критики считали ее больше ораторией, чем оперой. В ней практически отсутствует драматическое действие, необходимое театру. В свое время ставивший ее Б. А. Покровский подчеркивал: «За этой оперой укоренилось всеобщее мнение: она гениальна по музыке, но… громоздка, драматургически рыхла, а потому скучна. С другой стороны, без этой оперы немыслим репертуар Большого театра». Д. Черняков прежде всего стремится отойти от серьезности, и в этом он скорее отталкивается от литературного первоисточника, нежели от оперы Глинки. Однако такой результат не лучшим образом сказался на произведении.

Опера поставлена в полном виде, без купюр (они есть только в музыкальных повторах внутри сцен). Она идет в трех актах с двумя антрактами (I-II и IV-V действия объединены), при этом весь спектакль длится 5 часов. Однако, чтобы облегчить восприятие большого эпического повествования, режиссер решает приблизить сказочный сюжет к нашей реальности. Он переносит время действия в современный мир: обрядовая сцена свадьбы – не что иное как торжество, стилизованное под старину («а ля рус»); «поле, усеянное костями» – горный склон (то ли Кавказа, то ли «Афгана»), покрытый трупами мертвых солдат в камуфляже; похищение славянских красавиц для заведений с сексуальными услугами – все это «дела» наших дней, а не «давно минувших»… Использование широкоэкранных заставок между сценами вообще отсылает зрителя в кинотеатр. Режиссерский замысел развивается подобно остросюжетному фильму: публика увидит здесь намеки и на триллер, и на гротеск, и на психологическую драму, и даже на эротическую комедию.

Один из главных вопросов, который может поставить зритель: о чем эта опера? Кто здесь главный герой? В итоге мы понимаем, что Руслан и Людмила оказываются отнюдь не на первом месте. Они словно персонажи-символы, судьбами которых играют два главных «кукловода» – Финн и Наина. Причем режиссер это подчеркивает визуально. В промежутках между сценами на экране размера с занавес их лица крупным планом ведут долгий немой диалог то на фоне музыки инструментальных эпизодов, то в полной тишине. Это утомляло и даже угнетало присутствующих в зале, которые в результате начинали забывать, о чем, собственно, спектакль.

Есть вопросы и к эпизодам «путешествий» главных героев. Декоративные средства для изображения обители их врагов поражают своей простотой, а в чем-то и пошлостью. Так, замок Наины представлен в виде своеобразного борделя, полного разного рода дам, готовых обольщать и служить посетителям. А палаты Черномора в белом цвете, похожие на апартаменты роскошного особняка, с огромной круглой кроватью создают эффект закрытого спа-салона с массажистами, официантами и прочей обслугой высокого класса.

Не стоит забывать, что искусство оперы – сочетание театрального зрелища и музыки, в данном случае – музыки Глинки, которая несет в себе совершенство классики. Особенностью этой оперы является обилие чистой, бессюжетной музыки. К сожалению, режиссер не смог придумать, чем именно заполнить эту звучащую красоту. И возникает важный вопрос: продумана ли драматургия спектакля как синтез музыки и театрального зрелища, или режиссер решил просто развлечь и шокировать публику?

(далее…)

№ 9 (116), декабрь 2011

В современном мире мы много говорим о культуре и способах ее развития, но почему-то мало затрагиваем вопросы культурного воспитания. А сейчас есть огромные возможности для собственного просвещения: многочисленные театральные постановки, выставки в музеях и картинных галереях позволяют заинтересовать людей своей наглядностью и легкостью восприятия. Сложнее обстоит дело с музыкой.

В культурной жизни Москвы каждый день происходит столько событий, что просто не знаешь, куда пойти и что выбрать. Наряду с яркими, иногда эпатажными мероприятиями, будь то выставка современного художника или новаторская постановка спектакля, есть концерты академические, где звучит классика. Однако вряд ли в концертных залах консерватории можно встретить большое число молодых людей, которые пришли наслаждаться искусством. Основную часть слушателей составляет старшее поколение, пожилые люди. Конечно, это касается не очень «раскрученных» мероприятий. И встает вопрос: почему молодежь не интересуется этим видом искусства? В чем непопулярность классической музыки?

Конечно, ответы можно искать долго… Чаще всего молодежь воспринимает классическую музыку как нечто скучное, устаревшее, немодное, а иногда даже и ненужное! Можно винить в этом современные компьютерные технологии и телевидение, а также другие средства массовой информации, которые развращают молодое поколение. Или систему образования, которая уделяет мало внимания культурному воспитанию. Но мне кажется, этот важный вопрос должен решаться самостоятельно.

Необходимо как-то заинтересовать наших слушателей. Не стоит забывать, что музыка, как и все остальные виды искусства, развивается. На многих академических вечерах звучат не только старинные, но и современные сочинения. Поэтому для пропаганды классической музыки нужны различные программы. Можно, например, раздавать билеты на консерваторские программы студентам других учебных заведений (и это часто делается на массово-развлекательных мероприятиях). И конечно, на любом вечере в зале должно быть определенное количество мест для студентов разных вузов, которые смогли бы не только насладиться хорошей музыкой, но и приобщиться к чему-то новому.

Полина Харитонова,
студентка IV курса ИТФ

№ 8 (115), ноябрь 2011

В начале октября в Крокус Сити Холл прошел концерт Лондонского королевского филармонического симфонического оркестра c программой Symphonic QUEEN. Звучали шедевры популярной британской рок-группы «Queen» в симфонической обработке. Под управлением Мэтью Фримана были исполнены почти все известные хиты – «We Will Rock You», «Bohemian Rhapsody», «We Are the Champions»  и многие другие.

Практика переложения популярных песен для этого коллектива не нова ‑ тем же составом ими исполняются, например, композиции группы «AВВА». И на этот раз, благодаря блеску новых красок и обогащению необычными тембрами, звучание знаменитых хитов в оркестровом изложении приобрело совсем иное качество.

Конечно, концерт был ориентирован на поклонников группы «Queen». Поэтому музыканты и дирижер, как могли, веселили публику, привлекая ее к участию в шоу. Чаще всего зрители, узнав ту или иную песню по первым звукам, начинали аплодировать и свистеть от восторга. Однако далеко не все было так легко узнаваемо.

Многие действительно известные хиты, как, например, «Bohemian Rhapsody», немного «пострадали» из-за не слишком удачной инструментовки: в тех фрагментах, где тема должна звучать ярко, мелодия либо была поручена тихому инструменту (флейте, кларнету), либо просто не качественно исполнена. Это также можно объяснить не вполне добротной работой звукорежиссера, поскольку многие композиции были заглушены басовыми инструментами.

Не стоит забывать и о вокальной природе инструментальных обработок ‑ не все песни могут звучать так же хорошо, как в оригинале. Вероятно, это отразилось и на выборе репертуара – видимо, по этой причине так и не прозвучал долгожданный «The Show Must Go On»…

Классический оркестр, безусловно, получал огромное наслаждение от исполнения популярной музыки. Вполне оправданно выглядел его состав, где, кроме основных инструментов и усиленной партии контрабаса, были привлечены электрогитара, синтезатор и ударная установка. Особую роль играл ансамбль вокалистов, который, одновременно, выполнял тембральную функцию и, как носитель вокального начала, участвовал в припевах.

(далее…)

№ 7 (114), октябрь 2011

Интересно, куда приводит судьба современных отечественных композиторов? Как изменяется их жизнь после обучения в alma mater? Связана ли она с музыкой или нет? Каково их место в современном обществе, каков их голос в музыкальном мире? – вот вопросы, на которые хотелось бы найти ответ.

Многие уезжают за границу. Среди них и Елена Соколовская. Она – член Союза композиторов России, Германии и Израиля, ее сочинения звучат в концертных залах разных стран, включая, конечно, Израиль, где она сейчас живет. Ее творчеству посвящены статьи и исследования, она является лауреатом международных конкурсов, в ее активе много премий, в том числе премия премьер-министра Израиля, которая ежегодно вручается лучшим композиторам страны.

Е. Соколовская принадлежит к четвертому поколению в семье Бекман-Щербины. Закончив Московскую консерваторию (1994) у проф. А. И. Пирумова, где также консультировалась у проф. Э. В. Денисова, затем прошла стажировку у проф. Х. П. Дитриха в консерватории им. Ганса Эйслера в Берлине, а позднее у проф. М. Копытмана в Академии им. Рубина в Иерусалиме. Она с легкостью работает как в камерной музыке, так и в полномасштабных симфонических и кантатно-ораториальных жанрах. Почти все издания отмечают новизну, своеобразие стиля. Но и некоторую эклектичность: впитав глубокие русские традиции и опираясь на классико-романтическую основу, композитор сегодня погружена в новый музыкальный мир.

(далее…)

№ 5 (112), май 2011

В современном мире мы много говорим о культуре и способах ее развития, но почему-то мало затрагиваем вопросы культурного воспитания. А сейчас есть огромные возможности для собственного просвещения. Так, многочисленные театральные постановки, выставки в музеях и картинных галереях позволяют заинтересовать людей своей наглядностью и легкостью восприятия. Сложнее обстоит дело с музыкой.

В культурной жизни Москвы каждый день происходит столько событий, что просто не знаешь, что выбрать. Наряду с яркими, иногда эпатажными мероприятиями, будь то выставка современного художника или новаторская постановка спектакля, есть концерты академические, где звучит классика. Однако вряд ли можно встретить в концертных залах консерватории большое число молодых людей, которые пришли наслаждаться искусством. Старшее поколение, пожилые люди собственно и составляют основную часть слушателей. Конечно, это касается не очень «раскрученных» мероприятий. И встает вопрос: почему молодежь не интересуется этим видом искусства? В чем непопулярность классической музыки?

Конечно, ответы можно искать долго… Молодежь чаще всего воспринимает классическую музыку как нечто скучное, устаревшее, немодное, а иногда даже и ненужное! Можно винить в этом современные компьютерные технологии и телевидение, а также другие средства массовой информации, которые развращают молодое поколение. Или систему образования, которая так же мало внимания уделяет культурному воспитанию. Но мне кажется, этот важный вопрос должен решаться особым образом.

Необходимо как-то заинтересовать наших слушателей. Не стоит забывать, что музыка, как и все остальные виды искусства, развивается. На многих концертах звучат не только старинные, но и современные сочинения. Поэтому нужны различные программы для пропаганды классической музыки. Можно, например, раздавать билеты на консерваторские концерты студентам других учебных заведений (это часто делается для массово-развлекательных мероприятий). На любом концерте должно быть определенное количество мест для студентов из разных вузов. Они смогли бы не только насладиться хорошей музыкой, но и приобщиться к чему-то для себя новому.

(далее…)

№ 3 (110), март 2011

Действительно, настоящий «парад» прошел в Московском международном доме музыки в рамках фестиваля «Арт-ноябрь». Зрелище было необычным – все-таки на одной сцене 5 роялей и 10 известных пианистов! Вечер был посвящен великому музыканту – композитору, пианисту, общественному деятелю Антону Рубинштейну. В «Stanway-параде» участвовали как маститые музыканты, так и молодые таланты из разных стран: Николай Петров, Александр Гиндин, Алексей Володин, Константин Лифшиц, Петр Лаул, Альба Вентура (Испания) и знаменитый American Piano Quartet (США). Командовал парадом музыкальный критик и телеведущий Артем Варгафтик.

Концерт получился ярким и неповторимым. Были исполнены «Посвящение Антону Рубинштейну» для пяти фортепиано В. Мартынова, Концертный парафраз П. Пабста для двух фортепиано на темы «Евгения Онегина» Чайковского, «Триана» Альбениса из сюиты «Иберия» для фортепиано, «Мазепа» Листа (в транскрипции А. Курбатова для трех фортепиано). Вершиной вечера стала Ода «К радости» Л. Бетховена в транскрипции А. Курбатова для пяти фортепиано и десяти пианистов (двадцати рук!). Ее фортепианное звучание вполне могло бы соперничать с оркестровым, настолько это было мощно. Публика в полном восторге после финальных аккордов взорвалась в овациях.

(далее…)