№1 (225), январь 2024 года

6 декабря 2023 года в Концертном зале им. П.И. Чайковского Московской филармонии состоялся концерт барочной и современной музыки. Сочинения Георга Фридериха Генделя и Леонида Десятникова были представлены оркестром La voce strumentale Нижегородского театра оперы и балета под руководством Дмитрия Синьковского. Молодой дирижёр, скрипач и вокалист привез программу, состоящую как из шедевров прошлого, так и новой музыки, ранее не звучавшей в Москве.

Подготовить слушателя к погружению в мир барочного музицирования был призван вступительный комментарий ведущего концерт Ярослава Тимофеева. Он рассказал, что «Балет-опера» – это сочинение Леонида Десятникова, написанное по заказу миланского театра Ла Скала 10 лет назад. Сегодня оно впервые прозвучало в Москве. Партитура балета представляет собой музыкальное приношение опере seria. Когда Десятников готовился к сочинению, он изучил творчество множества барочных композиторов, но главным ориентиром для него стал Гендель. «Балет‑опера» – это, по сути, зеркало, поставленное напротив великого композитора, подчеркнул ведущий.

С музыкой Десятникова слушатели имели возможность познакомиться во втором отделении. А в первой части концерта исполнители решили продублировать структуру балета, состоящего из увертюры и каталога арий, номерами самого Генделя из разных его сочинений. Таким образом, по словам Тимофеева, великий композитор прошлого в этот вечер стал отражением Десятникова.

Энергичный ауфтакт Синьковского – и вот перед нами первые звуки Симфонии из знаменитой «Мессии». Руководитель разделял с оркестрантами исполнительские обязанности: дирижёр и скрипач в одном лице, первый среди равных. Присутствующие чувствовали полное единение музыкантов во имя барочного искусства красоты.

Каталог арий включал знаменитые номера: «Every valley shall be exalted» («Всякий дол да наполнится») из «Мессии», «Piangerò la sorte mia» («Я буду плакать о своей судьбе») из оперы «Юлий Цезарь в Египте», «Un pensiero nemico di pace» («Мысль, враждебная миру») из оратории «Триумф Времени и Разочарования».

Публика высоко оценила работу музыкантов с технически сложной программой. Много теплых слов можно было услышать в антракте об исполнителях. «Спасибо Синьковскому и Годину. Это было прекрасно!» – прокомментировал один из слушателей.

Сочинение Десятникова, представленное во втором отделении концерта, с первых минут звучания провоцировало на вопросы. Насколько искренен автор? Это добрый юмор или постмодернистская издевка над старинными первоисточниками? Вероятно, многие из слушателей согласились с ведущим, охарактеризовавшим «Балет-оперу» как «кривое, перфорированное зеркало, поставленное напротив Генделя». Перешептывания в зале – намек на то, что дискуссии вокруг музыки будут вестись не один вечер.

В любом случае это было ярко. Блеск барочной оперы с ароматом новой гармонии, стильное звучание оркестра, красивые голоса, перевоплощение дирижера в контратенора не могли оставить слушателя равнодушным. Подтверждение тому – громкие аплодисменты в благодарность музыкантам за профессионализм и эмоциональную отдачу.

Семён Суханов, IV курс НКФ, музыковедение

Фото: пресс-служба Московской филармонии

№1 (225), январь 2024 года

21 декабря предновогодняя суета захватила жителей столицы, а в Концертном зале имени П.И. Чайковского стояла благоговейная тишина. Только что прозвучали последние ноты 24-го концерта Моцарта. Многочисленная публика затаила дыхание, пытаясь удержать в памяти отзвук последних аккордов, когда на сцене были оркестр «Musica Viva» и его художественный руководитель Александр Рудин, за фортепиано – Алексей Любимов.

В тот вечер в Филармонии звучало именно фортепиано. Не привычные рояли Steinway или Kawai,сверкающие под светом софитов черным глянцем, взрывающие тишину зала звонкими пассажами, а «Блютнер» 1868 года. Впервые в КЗЧ исполнялся Концерт Моцарта на историческом инструменте. «Освободить слух от постоянного доминирования современных больших роялей», – вот задача, которую поставил перед собой и своими коллегами профессор Алексей Борисович Любимов.

Личность Маэстро для развития исторически информированного исполнительства в России является знаковой. Профессор Московской консерватории, один из инициаторов создания Факультета исторического и современного исполнительского искусства (ФИСИИ) и его первый декан, он стал проводником нового исполнительского направления в нашей стране. «Привести эту [XVI–XIX веков] музыку к непосредственной, интимной сообщительности, достижимой на инструментах XIX века, – задача номер один для музыкантов, которым важно понятие музыки в истории», – так комментирует собственную деятельность А.Б. Любимов.

На сцене Маэстро предельно спокоен. В его игре нет ни одной лишней ноты или нюанса, нет суеты бегущих пассажей, привычного публике грохота и блеска аккордов. Моцарт Любимова – камерный и умиротворенный. Оркестр под управлением профессора А.И. Рудина, также включающий исторические инструменты, всецело поддерживает эту атмосферу, сливаясь с солистом в едином, несколько необычном для современного уха звучании.

Второе отделение было посвящено концертному исполнению драмы Геблера с музыкой Моцарта «Тамос, царь Египта». Это произведение в России полностью звучало впервые. Зал несколько редеет: поклонники Любимова, для которых его выступление ознаменовало конец музыкального вечера, покинули Филармонию, однако оставшаяся публика имела возможность насладиться захватывающим сюжетом в исполнении актера Театра имени А.С. Пушкина Александра Арсентьева. 

По велению его голоса слушатели переносятся в далекие времена Египетского царства, окунаются в пучину политических и любовных интриг, с нетерпением ждут счастливой развязки, оказывающейся весьма неожиданной. Выразительное чтение актера чередуется с множеством музыкальных номеров, исполняемых увеличившимся в составе оркестром и вокальным ансамблем «Intrada» (художественный руководитель Е. Антоненко).

В завершении концерта в качестве эмоциональной разрядки от только что пережитых волнений за египетских царей и полководцев звучит кардинально отличающийся от всех произведений этого вечера мотет Моцарта «Ave verum corpus». Время останавливается и зал вновь замирает, вслушиваясь в послание гениального венского классика, чтобы затем взорваться громом аплодисментов, отблагодарив композитора и исполнителей за доставленное наслаждение и моменты спокойствия в бурном потоке современной суетной жизни…

Елена Арутюнова, IV курс НКФ, музыковедение

Фото: пресс-служба Московской филармонии

№9 (224), декабрь 2023 года

«Импровизатор не ошибается». Эта провокационная мысль, высказанная Даниилом Крамером, – емкая и точная характеристика импровизаторского искусства. Можно ли назвать ошибкой случайно взятый «си-бемоль» вместо «ля», за секунду превращённый опытным музыкантом в элегантный пассаж?

Вечером 15 сентября в Малом зале Московской консерватории состоялся концерт джазовой музыки. Проводниками в мир колоритных гармоний и ритмов стали Народный артист России Даниил Крамер и лауреат международных конкурсов Валерий Гроховский. В течение полутора часов дуэт пианистов предлагал слушателю пообщаться с музыкой, которая нечасто звучит в стенах Консерватории.

Для академической концертной площадки мероприятие было достаточно необычным. Афиша концерта интриговала отсутствием каких-либо указаний на программу. По этой причине никто из слушателей не мог точно сказать, что же прозвучит. Были лишь догадки и предположения, а также ожидания грядущих восторгов и удивлений.

После третьего звонка на сцене появились артисты. Торопливыми шагами они направились к своим инструментам, сели. Незамедлительно зазвучала музыка. Крамер задает темп аккордами в левой руке, Гроховский подхватывает. Начинается совместная импровизация.

Поразительно, насколько слаженно могут действовать два музыканта в условиях, когда есть лишь самая общая схема джазового стандарта! Тема I’ll remember April, знакомая ценителям классического джаза, расцвечивается изысканными опеваниями, колорируется до состояния неузнаваемости, а затем вновь возвращается к слушателю в привычном виде. Исполнители чередуют роли: пока один держит ритмический и гармонический остов композиции, другой демонстрирует слушателям мастерство своей мелкой техники.

Уже по ходу первого номера программы начинает ощущаться принципиальное различие в характерах исполнителей. Крамер находится в постоянном движении: правая нога отбивает доли такта, а в мимике читается очередной лавинообразный пассаж. Музыкант отдаётся стихии джаза полностью, без возможности ограничить себя в самовыражении через движение.

Гроховский же, в противоположность своему партнёру, крайне скуп на жестикуляцию: лишь беглые пальцы правой руки выдают высочайшую физическую активность исполнителя. Возможно, именно принципиальное различие в характерах и подходах позволяет музыкантам добиться столь слаженного взаимодействия. Как известно, единение противоположностей рождает гармонию.

После нескольких совместных импровизаций пианисты представили сольные номера, где каждый продемонстрировал искусство работы со знаменитыми первоисточниками. Импровизация на тему «Вечная любовь» в исполнении Гроховского отличалась смысловой углублённостью, тогда как Крамер предложил образец изысканной тематической комбинаторики, объединив джазовую мелодию Yesterday с пьесой «Октябрь» Чайковского из «Времён года».

Завершающая часть концерта вновь была посвящена совместному творчеству. Здесь тоже не обошлось без классики: гости получили возможность услышать импровизацию на тему Этюда E-dur Шопена.

Финал, как это часто происходит, сопровождался громкими и продолжительными аплодисментами. Музыканты решили напоследок порадовать аудиторию ещё одной импровизацией на классическую мелодию. «Эта тема всем очень хорошо известна <…> Бабушки её любят все», – сказал Крамер, после чего сел за инструмент и со своим партнером исполнил джазовую версию… Свадебного марша Мендельсона!

Люди, покидавшие концертный зал, выглядели счастливыми и удовлетворенными. Они на полтора часа вырвались из привычной жизни, чтобы приобщиться к магии джазового искусства. Особо пытливые, однако, могли задаться вопросом: всегда ли пианист попадает по нужным клавишам, создавая музыку из головы, здесь и сейчас? Ответ на него, конечно же, утвердительный, потому что импровизатор, как известно, не ошибается.

Семён Суханов, IV курс НКФ, музыковедение

№8 (223), ноябрь 2023 года

16 сентября в Концертном зале имени Н.Я. Мясковского состоялся концерт класса доцента А.К. Санько «Учитель и ученики». На общей сцене выступили известный композитор и только начинающие свой профессиональный путь учащиеся Академического музыкального училища при МГК и его Детской музыкальной школы.

На протяжении практически всей жизни человек не перестаёт учиться, расширяя таким образом границы своего сознания. В особенности это касается нас, людей искусства. В ходе своей профессиональной деятельности мы совершаем «полный круг обучения»: сначала наследуем знания от мудрых учителей, а затем самостоятельно обдумываем и качественно преобразуем концепции, чтобы в итоге передать полученный уникальный опыт увлеченным ученикам. Результат преподавательской самоотдачи в полной мере показал классный вечер А.К. Санько.

Анатолий Константинович – член Союза композиторов России, доцент кафедры теории музыки МГК им. П.И. Чайковского, преподаватель сольфеджио, гармонии и музыкальной формы, руководитель педагогической практики студентов и ВКР ассистентов-стажеров. Но в этот вечер он предстал перед слушателями в первую очередь в роли учителя, который с любовью и трепетом развивает творческие способности молодых дарований.

Произведения учителя и учеников исполняли Иван Буланкин (тенор), Полина Перовская (сопрано), Эрнест Сулейманов (тенор), Светлана Маренкова и Михаил Гарсиа (флейта), Инна Шегай (фагот), Надежда Семёнова(арфа), Денис Чефанов (фортепиано), а также концертмейстеры Юлия Мусаева и Оксана Рындина. Ведущей концерта выступила студентка III курса научно-композиторского факультета Анна Коломоец.

Сочинения А.К. Санько – финал Сонаты для фортепиано, фрагмент кантаты «Душа на перепутье», романсы «Пушкинские березы» и «Весны отраженье», «Морской пейзаж» памяти Дебюсси, пьесы для флейты, фагота и арфы, вальсы памяти Шопена и Штрауса – были окружены творческими опытами молодых авторов, словно теплым, семейным кругом обступили его одаренные ученики.

Юные композиторы не побоялись обратиться к музыкальным решениям, выходящим за традиционные рамки. Одно за другим перед слушателем представали произведения, различные по жанрам, форме, идеям, музыкальному стилю. В концерте прозвучали: Обработка для фортепиано русской народной песни «Во поле береза стояла» Златы Политовой, II часть Сонатины для фортепиано и Экспромт Ирины Поликарповой, Две прелюдии для фортепиано и Пьеса для скрипки и фортепиано Егора Ющенко, «Звёздное небо» для фортепиано Беаты Дзен, «Воспоминание» для фортепиано и Пьеса в стиле барокко для флейты и фортепиано Армена Габриеляна, Вариации на тему «Во поле берёза стояла» для фортепиано Ильи Созуракова, Токката для фортепиано Александра Комиссарова.

Концерт, скромно определенный А.К. Санько как «показ первых ростков творчества учащихся и исполнение нескольких произведений их учителя», вышел за эти рамки. Слушатели в дружелюбной художественной атмосфере познакомились с музыкальными воплощениями интересных задумок. Желаем молодым авторам дальнейших успехов и с нетерпением ждем новых творческих достижений. 

Семён Суханов, IV курс НКФ, музыковедение

№7 (222), октябрь 2023 года

2 сентября новый концертный сезон в Большом зале Консерватории традиционно открыл ставший международным фестиваль «Творческая молодежь Московской консерватории». Вниманию меломанов была представлена программа «Участников XVII Международного конкурса имени П.И. Чайковского». На концерте услышали: Константина Хачикяна (фортепиано), Андрея Андресюка (тромбон), Данилу Владыко(виолончель), Инну Якушеву (скрипка), Олега Соломахина (кларнет), Михаила Усова (скрипка), Валерию Алесюк (гобой), Анну Савкину (скрипка), Александра Ключко (фортепиано).

Заявленный в программе концерта калейдоскоп тембров оправдал себя и привлек внимание публики. Среди слушателей были совершенно разные люди: и не связанные с искусством, и многочисленные учащиеся музыкальных школ, и студенты творческих вузов, и никто не остался равнодушен к представленному мастерству. Каждый исполнитель был награжден щедрыми аплодисментами, нередко подкрепляемыми восторженными «брависсимо». Один лишь печально отрешенный гобойный номер окончился молчанием в ожидании следующего – два романса для гобоя и ф-но Шумана (ор. 94, №1 и №3) в исполнении В. Алесюк были восприняты единым циклом, что безусловно подчеркивает глубину ее трактовки и образованность публики. Мастерство артистки позволило прочувствовать искреннюю лирику Шумана без отвлечения на всю сложность игры на инструменте.

Чарующе звучал тембр кларнета, но что самое удивительное – не менее впечатлил тембр тромбона. В пьесе Жозефа Ропарца для тромбона и ф-но в исполнении А. Андресюка солирующий инструмент приблизился по звучанию к благородному тембру трубы. Виртуозным откровением стала Фантазия Александра Розенблата на темы из оперы «Кармен» для кларнета и фортепиано – О. Соломахин представил весь потенциал своего инструмента.

Вариации Паганини на одной струне ор. 24 на тему из оперы Россини «Моисей в Египте», исполненные виолончелистом Д. Владыкой, вызвали интонационные потери – это было, очевидно, связано с чрезвычайной фактурной сложностью переложения. Скрипачи порадовали публику виртуозными пассажами и чистыми флажолетами: блестяще прозвучали Соната ор. 27 для скрипки соло Изаи в исполнении И. Якушевой и знаменитые Интродукция и Рондо каприччиозо ор. 28 Мендельсона, представленные А. Савкиной.

Скрипач М. Усов не стал финалистом Конкурса Чайковского, но по результатам II тура был отмечен жюри. Молодой человек выступал на Конкурсе в фортепианном сопровождении своей мамы – Людмилы Усовой, опытного концертмейстера. Давно сформировавшийся семейный дуэт и на концерте отличился невероятной цельностью в трактовке Вальса-скерцо Чайковского ор. 34.

Пианисты образовали арку концерта. Открыл программу К. Хачикян, исполнивший Вторую сонату Скрябина ор. 19, а завершил А. Ключко, исполнив Скерцо из Шестой симфонии Чайковского в переложении С. Фейнберга. Пианист переосмыслил трактовку этой пьесы, и на этот раз она прозвучала более удачно и легко, чем на II туре Конкурса.

Концерт открыл учебный год в МГК имени П.И. Чайковского. Желаем творческого вдохновения и профессионального роста всем участникам фестиваля «Творческая молодежь Московской консерватории».

Виктор Череповский, IV курс НКФ, музыковедение

№7 (222), октябрь 2023 года

В рамках ежегодного фестиваля «Творческая молодежь Московской консерватории» можно встретить студенческие оркестры. В начале этого сезона на сценах консерватории выступили такие молодые коллективы как Ad Parnassum Валерия Попова, Vera Arte Искандера Ахмедова, Enquentro Минхо Сона, Ars Cordis Михаила Бута и Чжана Сицына. 15 сентября на сцене Рахманиновского зала состоялось выступление камерного оркестра Prometheus под управлением Михаила Калицкого. Студенческий коллектив исполнил сочинения Пендерецкого, Вивальди, Пелециса и Таривердиева.

Первый выход на сцену этого струнного оркестра (изначально выступавшего под названием Animata sonus) состоялось летом 2022 года, когда была исполнена моноопера «Ожидание» Микаэла Таривердиева. За прошедшее время коллектив успел сыграть в Консерватории две сюиты «Пер Гюнт» Эдварда Грига и «Крымские песни» Константина Макарова-Ракитина, а также выступить на других московских площадках, в том числе, в Большом зале Консерватории. Программа недавнего концерта обратила на себя внимание двумя моментами: три из четырех представленных сочинений были написаны композиторами XX века, а также в большинстве произведений присутствовали солисты.

Программу обрамляли Чакона Кшиштофа Пендерецкого и Концерт для альта «В романтическом стиле» Микаэла Таривердиева. Первая, в свое время добавленная композитором к «Польскому Реквиему», была тонко и точно исполнена. Концерт же Таривердиева, написанный по заказу Юрия Башмета, впечатлил слушателей активной игрой альтистки Маргариты Пичужкиной, исполнившей свою хроматизированную партию контрастно туттийным тремоло, эффектно звучавшим в акустике зала.

Центральными в программе оказались сочинения, в исполнении которых присутствовали другие инструменты, помимо струнных. В Концерте для двух виолончелей Антонио Вивальди участвовали солистки Анна Рене Строжевская и Елена Алексеева, а также исполнительницы на клавесине и теорбе Анастасия Соколоваи Елизавета Алексеева, добавившие немного барочной краски в опус. Появившийся бас-континуо в некоторых местах Концерта частично выполнял функцию дирижера, в том числе, в медленной части. «Белоклавишный» Concertino bianco Георга Пелециса ярко исполнила пианистка Анастасия Караулова. Благодаря ее игре слушателям удалось погрузиться в созерцательное настроение, а во время бодрого финала в зале образовалась оптимистичная атмосфера.

После слов ведущего Николая Манакова «Вместо тысячи слов…» девять инструменталистов на бис исполнили Мелодию из «Иронии судьбы…», которая принесла Таривердиеву широкую известность. Пьеса в обработке дирижера органично завершила концерт, вызвав финальные аплодисменты публики и стала подарком супруге композитора, Вере Таривердиевой, которая присутствовала в этот вечер в зале. Тот факт, что Таривердиев предстал как классик XX века, наряду с Пендерецким и Пелецисом, значим сам по себе. Пусть дальнейшие выступления молодого оркестра Prometheus и их руководителя Михаила Калицкого содержат открытия не меньших размеров.

Виталий Захаров, IV курс НКФ, музыковедение

№7 (222), октябрь 2023 года

8 сентября на сцене ДК «Рассвет» выступил вокальный ансамбль Intrada. В одной концертной программе встретились Жоскен де Пре, Пьер де ла Рю, Антуан Брюмель и… современный американский композитор Дэвид Лэнг.

Четыре солиста ансамбля Intrada, чьи фигуры выхвачены ярким светом софитов: Дарья Хрисанова(сопрано), Екатерина Коломина (меццо-сопрано), Михаил Нор (тенор), Глеб Кардасевич (бас) выступают под руководством молодого педагога Московской консерватории и выпускницы Кельнской высшей школы музыки, дирижера Екатерины Антоненко. Именно ее силами в 2006 году был создан коллектив профессиональных певцов, которых объединило страстное стремление творить, любовь к старинной западной музыке и интерес к новым явлениям искусства.

Intrada начала с исполнения ренессансных и барочных партитур, а впоследствии обратилась к музыке современности. Она представляла отечественной публике премьерные сочинения Стива Райха, Дэвида Лэнга, Мередит Монк, а также российских композиторов. В разное время в их репертуар входили и сочинения таких именитых мастеров, как Бах и Гендель, Гайдн и Моцарт, Мендельсон и Брамс. Нередко ансамбль сотрудничал и с другими коллективами высокого уровня, например, с Московским камерным оркестром Musica Viva, с Государственным академическим камерным оркестром России под управлением Алексея Уткина, с Российским национальным оркестром под управлением Михаила Плетнёва. Однако вечером 8 сентября слушатели не услышали громогласной мощи симфонического оркестра: звучали лишь четыре человеческих голоса, с высочайшим мастерством сплетавшиеся в тонкую полифоническую ткань, а также несколько ударных инструментов.

Программа концерта в некотором отношении отразила творческую биографию самого камерного хора: слушатели прошли путь от музыки мастеров ренессансной полифонии до произведений современного американского постминимализма. В начале вечера прозвучал мотет Tu solus qui facis mirabilia («Ты один творишь чудеса») одного из крупнейших композиторов позднего Возрождения Жоскена де Пре. К творчеству этого мастера ансамбль в этот вечер обратился дважды: чуть позже был также исполнен его мотет Ave Maria. Своеобразным лейтмотивом концерта стала анонимная французская шансон эпохи Возрождения L’Homme armé («Вооруженный человек»). Именно она дала название этому концерту. Эта песня прозвучала и как самостоятельное произведение, и в качестве первоисточника в Agnus Dei из одноименной мессы Пьера де ла Рю. В программе концерта есть еще одна параллель: григорианский хорал Da pacem Domine («Дай мир, Господи») перекликается с двойным каноном Антуана Брюмеля на тот же латинский текст.

Неожиданно вместе с исполнителями мы перенеслись в совершенно иную, современную нам эпоху. Вместо строгих благозвучных вертикалей – сложные и разнообразные созвучия; вместо сдержанного аскетизма – многообразие эмоциональных оттенков. Однако, образное содержание произведений Дэвида Лэнга, которые были преподнесены публике в этой части концерта, не вступало в противоречие с уже отзвучавшей музыкой. Премьерное исполнение его композиции 2016 года Make peace («Установи мир»), основанной на тексте заупокойной молитвы, поразило искренностью и глубиной. 

Кульминационным завершением вечера стала известная камерная оратория Лэнга Little Match Girl Passion(«Страсти девочки со спичками», 2007). В ней автор обратился к известной сказке Андерсена о маленькой продавщице спичек. Он совместил это произведение с Евангелием от Матфея и текстами, написанными для баховских «Страстей». Лэнг видит в этой истории притчу и проводит параллель между судьбой бедной девочки, замерзающей в канун Нового года, и страданиями Иисуса Христа. Результат вышел настолько убедительным, что автор был награжден Пулитцеровской премией за текст оратории и премией «Грэмми» за музыкальную составляющую.

Произведение изначально создавалось именно для четырех исполнителей, хотя оно нередко звучит в хоровом варианте. Intrada в этом отношении следует оригинальной задумке автора, и именно этот камерный состав наиболее подходит такой личной истории. К тому же, впервые в зале зазвучали не только человеческие голоса, но и ударные инструменты, на которых предписано играть самим певцам, что внесло некоторую тембровую свежесть. Исполнение получилось впечатляюще проникновенным, эмоционально наполненным, поражающим тонкостью нюансировок.

Публика очень тепло встретила артистов и щедро отблагодарила их цветами и овациями. Исполнителей долго не хотели отпускать со сцены, и Intrada на бис еще раз исполнила сочинение Лэнга Make peace.

Анна Курова, IV курс НКФ, музыковедение

Фото: Александр Панов

№6 (221), сентябрь 2023 года

В галерее ГРАУНД Солянка в продолжение фестиваля «Свет Фест» прошел концерт «Внутренний свет» с музыкой современных композиторов. Концерт был реализован средствами инструментального театра «НИТЬ» авторского проекта композитора Александры Кобриной. 

 Александра отчасти продолжает линию, найденную Маурисио Кагелем. Однако в отличие от немецкого автора, она подчиняет все происходящее на сцене драматическим законам. «НИТЬ» воплощает концепцию «безмолвной оперы», где текстовый нарратив полностью замещается музыкой. Может ли музыкант-инструменталист стать актером, доступны ли ему те же возможности, что и актеру в драматическом театре – эти и другие вопросы составляют основной вектор творческих поисков коллектива.

Большая часть работ, представленных на «Свет Фесте», рассматривает свет как физический процесс на примере фотографий, инсталляций и видеоматериалов. Для Александры свет интересен как явление метафорическое и поэтическое. Программа концерта «Внутренний свет» объединила весьма разнородную по генезису музыку, однако связанную общей художественной идеей. 

Открыла вечер пьеса Sunrise, редко звучащий в России поздний опус Артура Лурье в исполнении потрясающей флейтистки Марии Корякиной. Импрессионистичное соло флейты хорошо дополнило спектральное трио Ins Licht Георга Фридриха Хааса (Феодосия Миронова, Александра Кобрина, Андрей Забавников). Так первая половина концерта образовала своеобразный микроцикл, живописующий движение от появления света до погружения и пребывания в нем.

Сердцевиной вечера стал «Счастливый Принц» Оскара Уайльда на музыку Александры Кобриной и в ее постановке. Сочинение было избавлено от текстового нарратива, однако отчасти присутствовавшего в виде субтитров. Сказка есть воплощение высокой простоты: это история о подлинной любви и безвозмездном самопожертвовании во благо страждущих. Главные герои – навеки прикованная к месту статуя Счастливого Принца и одинокая в своей свободе Ласточка – изображены с помощью тембров кларнета (Игнат Красиков) и флейты (Мария Урыбина). Немного тесное пространство ГРАУНД Солянки и соответствующая ему лапидарность постановки создали совершенно особую, камерно-чуткую атмосферу, в которой только и дозволено звучать этой сказке. 

Каждый исполнитель проявлял искреннее участие по отношению к своему герою и всему происходящему, что чувствовалось как на уровне целого, так и в деталях. Фабула решена музыкальными средствами. Так, партия Ласточки пронизана импрессионистическими мотивами в духе Дебюсси, что одновременно вносит восточный колорит (ведь Ласточка изначально держала путь в Египет) и отсылает ко времени Оскара Уайльда, с которым композитор посещал одни и те же кружки Парижа. В свою очередь, в партии Принца присутствует своеобразный лейтмотив «страдания», неоднократно звучащий по мере развития сюжета и представляющий собой один из самых ярких фрагментов постановки. Другие герои также смотрелись весьма эффектно: от беззаботно общающихся горожан (Мария Корякина, Алексей Крохин) до изнемогающей от тяжелой работы швеи (Александра Кобрина) и ее больного ребенка (Мария Корякина). 

Особое музыкальное решение было найдено и для финальной сцены. Здесь, окруженные полной темнотой, на пьедестале остаются сердце Принца (мундштук кларнета) и труп Ласточки (флейта). Именно эти сакральные предметы представляют наивысшую ценность у Уайльда, и именно они «источают свет» в постановке Александры – будто из них, подобно высеченной в камне эпитафии, звучит строго-возвышенный дуэт в стиле средневекового органума. Если с технической точки зрения в постановке удалось и не все (что не есть зазорно, а скорее нормально для молодого коллектива!), то общее впечатление и долгое приятное послевкусие не оставили публику равнодушной.

Ярким контрастом интимному нерву сказки стала Luci II, поздняя пьеса Франко Донатони, своим движением напоминающая конструктивисткие perpetuum mobile начала XX века (исполнители: Вероника Карчемкина и Алексей Крохин). А замыкала программу сценическая премьера «Фимбулвинтер» Александры Кобриной (Мария Корякина, Игнат Красиков, Ксения Мельник, Алексей Крохин). Пьеса стала своеобразным «конспектом» музыки всего вечера – ледяной мрак постепенно сменяет здесь животворящий свет.

«НИТЬ» видится весьма интересным и перспективным проектом. Это единственный в Москве коллектив, специализирующийся на инструментальном театре.

Феликс Канатбаев, II курс НКФ, музыковедение

Фото: Полина Капица

№6 (221), сентябрь 2023 года

Вселенская боль и ужасы, зубовный скрежет и крики о безысходности, дисгармония сфер мироздания, мелькающие огни, напоминающие звезды, заполнили все концертное пространство, окутанное темно-зеленой холодной дымкой… Какими выдались две музыкальные премьеры, рассказывает наш корреспондент.

В ушедшем концертном сезоне филармонический абонемент «Другое пространство. Continuo» завершился поистине историческими премьерами. Впервые в России на сцене Московской филармонии прозвучали «Реквием» Дьёрдя Лигети и «Сферы» Алексея Сысоева.

Исполнение «Реквиема» Лигети, знакового в истории музыки XX века сочинения, было приурочено к 100-летию со дня рождения композитора, ярчайшего представителя послевоенного европейского авангарда. В этом произведении Лигети воплотил свои переживая по поводу ужасов Второй мировой войны: вся его семья погибла в фашистских концлагерях. Заслуживает огромной похвалы, что инструментальные и хоровые коллективы взяли на себя ответственность исполнить такое масштабное произведение, которое представляют большую сложность из-за так называемой «микрополифонии» – визитной карточки композиторского метода Лигети. Пару «Реквиему» составила другая премьера, причем мировая – «Сферы» известного отечественного композитора Алексея Сысоева, сочиненные по заказу Московской филармонии. 

Оба произведения потребовали грандиозного состава – более двухсот исполнителей. В концерте приняли участие Российский национальный молодежный симфонический оркестр (РНМСО), Госкапелла России имени А.А. Юрлова, Госхор имени А.В. Свешникова, солисты – Македа Монне (сопрано), Полина Панина (меццо-сопрано), Юрий Фаворин (фортепиано) и Андрей Волосовский (перкуссия). Дирижировал этим огромным составом Филипп Чижевский. 

В фойе филармонии перед концертом царил большой ажиотаж: огромное количество публики стало соучастником большого события. Надо сказать, что публика состояла не только из меломанов, не пропускающих исполнение современной музыки, существенную ее часть составила интеллектуальная элита – профессора и композиторы музыкальных учебных заведений, в том числе и Московской консерватории (Л.В. Кириллина, М.И. Катунян, Ф.К. Караев и многие другие), а также студенты.

Концертный вечер состоял из двух отделений, где в первом прозвучали «Сферы», а во втором – «Реквием». Концерт вел Ярослав Тимофеев, сказавший перед началом каждого из произведений довольно большую, но необходимую вступительную речь. «Сегодняшняя программа напрямую связана с категорией пространства, – отметил ведущий, – Любые пространства, которые человек выстраивает в своем воображении, так или иначе являются проекцией реальности, пусть и видоизмененной. И сегодня будет звучать музыка, связанная с катастрофами этого реального пространства».

«Сферы» были написаны не просто по заказу Филармонии, но вообще специально для нее, а именно – для самого Концертного зала имени Чайковского. «Он выстроен в квазисферической форме, что, возможно, и подсказало композитору такое название – Сферы», – отметил ведущий. Таким образом, сам зал выступил в своеобразной роли акустического «инструмента».

С точки зрения жанра, произведение Сысоева – Двойной концерт для фортепиано, вибрафона и большого симфонического оркестра. Композитор не мыслил эту музыку как программную, однако черты программности все же присутствуют. Выразилось это, например, в «говорящих» ремарках партитуры, которая ими очень богата: «янтарный клич трубы» или «ледяной дождь фортепиано и струнных». 

Обратил на себя внимание и необычный состав оркестра. Помимо традиционных инструментов были задействованы 8 велосипедов, 120 смартфонов и детские неваляшки. Все эти «инструменты» были призваны создать нетривиальное звучание, с которым наш слух почти не встречается в академическом звуковом пространстве. 

«Сферы» начались резким тутти, где и солисты, и оркестр составили единое целое. Шум крутящихся колес велосипедов, треск неваляшек и повторяющиеся музыкальные паттерны родили в воображении замкнутый круг, а лучше сказать – сферу. Затем последовал более спокойный раздел медитативного характера. Таким противопоставлением «громко-тихо» был задан ритм музыкальной формы. Отметим также, что в первые минуты публика была в недоумении, поскольку в программе был заявлен двойной концерт, а на деле принципа концертности не оказалось. Алексей Сысоев, видимо, решил выйти за рамки традиционного представления о жанре. 

Завершение произведения произвело на слушателей большое впечатление: постепенно исполнители закрывали на пюпитрах свои партии и, спускаясь со сцены, расходились по периметру зала в строго заданном направлении – одни шли направо, другие налево. На сцене остались только два человека – солисты. Важно также отметить, что оркестранты двигались, держа в руках смартфоны с включенными фонариками. В конечном счете зал погрузился в полную темноту, а взору публики предстал звездный ореол, что опять-таки связанно с концепцией сочинения.

Никита Зятиков, V курс НКФ музыковедение

Фото: пресс-служба Московской филармонии

№6 (221), сентябрь 2023 года

18 апреля уже второй раз в рамках юбилейного проекта «Рахманинов – 150» в Концертном зале «Зарядье» прозвучало «Всенощное бдение». Ожидалось по меньшей мере грандиозное исполнение усилиями огромного сборного коллектива, но что-то пошло не так…

Первое исполнение «Всенощного бдения» Рахманинова состоялось более века назад, 10 марта 1915 года, в Большом зале Благородного собрания в Москве. Пел Синодальный хор под управлением Н.М. Данилина. Желающих присутствовать на премьере было настолько много, что пришлось распахнуть окна – чтобы музыка была слышна и тем, кому не удалось попасть в зал. Успех был очень велик.

Концертное исполнение духовной музыки всегда наводит на размышление о проблеме авторского и канонического. Насколько велика степень композиторской свободы в области духовной музыки – тем более, когда к этой области обращается светский композитор? Рахманинов под влиянием Кастальского подошел к этой проблеме с позиции нового направления духовной музыки.

Композитор обращается к подлинным церковным распевам (знаменному, греческому, киевскому), но он далек от простой гармонизации: распевы становятся интонационной основой для сложно переплетенной многоголосной фактуры. Это стержень, соединяющий все аспекты музыкального языка – а язык здесь, в сущности, абсолютно современный. С точки зрения стиля Всенощная становится точкой, в которой сходятся три вектора: традиционный церковный распев, поиски «нового канона» в духовной музыке того времени и собственные композиторские устремления Рахманинова. Поэтому его Всенощная действительно во многих отношениях крайне трудна, в начале XX века лишь немногие хоры могли подступиться к ней. А последующие исторические события крайне затруднили ее сценическое распространение. Зато в наше время к «Всенощному бдению» стали обращаться самые разные хоровые коллективы, и его можно слышать относительно часто.

Нынешнее исполнение громко окрестили исторической реконструкцией премьеры 1915 года, потому что вопреки сложившейся практике верхние голоса пели не женщины, а мальчики – так, как это было при Рахманинове. Отличалось от привычного и количество участников: организаторы собрали 9 хоровых коллективов из разных городов и даже стран. «Хоровая сборная» насчитывала 310 человек – от множества людей на сцене немного рябило в глазах.

Концертный зал тоже был переполнен. Длительные, почти ритуальные выходы на сцену и уходы со сцены нескольких сотен человек поддерживались массивными аплодисментами. Восторг и умиление публики возрастали на протяжении вечера: сначала после самого исполнения, потом после биса (повтор последнего песнопения «Взбранной воеводе») и в кульминации: после выхода на сцену всех дирижеров и речи Георгия Сафонова – главного дирижера и художественного руководителя проекта.

Речь была, что называется, пламенной: о трудности условий исполнения, о подвиге мальчиков, о смене поколений… И, конечно, о грандиозности действа. «Девять коллективов не смогли приехать. Мы надеемся, что, если будет такое же желание услышать это великое произведение, а это вершина Московской Синодальной школы, вершина творчества Рахманинова как духовного композитора, то при вашей поддержке мы соберем на этой сцене, возможно, и тысячный хор, который исполнит это произведение» – заверил зрителей Георгий Сафонов.

Возникает лишь один вопрос: зачем? Ради историчности? Нет, поскольку количество людей на сцене, наоборот, противоречит заявленной историчности – такой огромный состав просто не мог быть на премьере. Или, может быть, ради особенно хорошего исполнения? К большому сожалению, тоже нет. Количество и качество – все-таки разные категории.

Добиться стройности, ровного звучания и рахманиновских хоровых красок от такого сложно составленного хора даже если и возможно, то только при условии большого количества репетиций. Но это просто нереально с такой географической разбросанностью коллективов. О многом говорит то, что некоторые хоры прибыли на общую репетицию лишь в день выступления. В результате главную изюминку – хор мальчиков (с которыми, к слову, провели большую работу и которые пели достойно) – местами просто не было слышно из-за несбалансированности звука, а солисты вынуждены были петь в микрофон, что далеко не всегда помогало перекрыть звучание хора.

В связи с этим хочется вернуться к тому самому, ныне реконструируемому исполнению «Всенощного бдения» и привести слова самого Рахманинова: «Не могу не признаться, что первое исполнение ее московским Синодальным хором дало мне час счастливейшего наслаждения… Всенощная трудна во многих отношениях: она предъявляет большие требования к вокальным возможностям и технике исполнителей. Тем не менее, великолепные синодальные певчие воспроизвели все эффекты, какие мне воображались, и временами даже превосходили идеальную звуковую картину, рисовавшуюся у меня в мыслях, когда я сочинял произведение». Трудно представить более положительную композиторскую оценку. И, пожалуй, стремление к такому качеству исполнения могло бы стать настоящей, подлинной историчностью, о которой так много говорилось.

Дана Денисова, V курс НКФ, музыковедение