№ 5 (112), май 2011

Истинное искусство – это таинство собрания, которое так давно забыто людьми. Именно оно и свершилось 5 марта в Рахманиновском зале. А поводом стал концерт клавесинной и камерной музыки эпохи барокко, организованный вдохновенным музыкантом и замечательным педагогом, доцентом консерватории Т. А. Зенаишвили.

Класс Татьяны Амирановны необычный. В нем студенты Историко-теоретического, Дирижерского и Фортепианного факультетов обучаются параллельно со своей специальностью. Но пестрая программа концерта показала, что подход к своему «хобби» у них самый что ни на есть профессиональный.

Первое отделение – «В итальянской манере» – открыло выступление опытной клавесинистки, аспирантки ИТФ Софьи Гандилян. Исполненная ею Седьмая токката из II книги токкат Джироламо Фрескобальди погрузила публику в атмосферу далекого XVII века. Изысканными украшениями концерта стали ансамблевые номера. Так, сопрано Варвара Чайкова спела под аккомпанемент Марии Одинцовой сложнейшую арию «Cosi me disprezzate» («Вы презираете меня») в непривычной для нас аутентичной манере без вибрато. Иного характера была Соната соль мажор для двух флейт и continuo И. С. Баха: виртуозное исполнение Ольги Дедюхиной и Жанны Тереховой в ансамбле с С. Гандилян привело публику в полный восторг. Концерт ре минор А. Марчелло в обработке И. С. Баха очень эмоционально сыграла Елена Лагутина. Под ее пальцами клавесин превратился в невероятно певучий инструмент, особенно в Adagio. Итальянский концерт фа мажор И. С. Баха прозвучал в великолепном исполнении Веры Алмазовой.

(далее…)

№ 5 (112), май 2011

Вечером 7 апреля в Молодежном историко-культурном центре «Особняк купца В. Д. Носова» играли в бридж. Были сыграны две небольшие – по 10 минут – партии, присутствовавшая публика осталась в восторге. Так прошел первый спектакль Оперной мастерской Московской консерватории — камерная опера С. Барбера «Игра в бридж».

Вокалисту никак не обойтись без знания репертуара оперного театра, без навыка игры на сцене. И, конечно, в консерватории практически с момента основания существует оперная практика. В 1933 году официально создана Оперная студия, в 2000-м она переименована в Оперный театр. Здесь регулярно осуществляются новые постановки при обязательном участии студентов-вокалистов III-IV курсов, проводятся дипломные спектакли для выпускников. Но в силу естественных причин время и репертуар ограничены и театр предназначен только для студентов.

Инициатива создания Оперной мастерской на базе аспирантуры вокального отделения принадлежит преподавателю Московской консерватории М. В. Максимчук, дирижеру Театра им. К. С. Станиславского и Вл. И. Неми-ровича-Данченко. Идея была осуществлена при поддержке ректора проф. А. С. Соколова и декана Вокального факультета проф. П. И. Скусниченко. Основное направление развития мастерской – постановки камерных опер старинных и современных композиторов. При этом особое внимание уделяется изучению стилей различных эпох, привлечению специалистов, молодых режиссеров, постоянному пополнению и обновлению репертуара.

Мастерская приступила к работе в начале 2011 года. И уже весной на суд публики был вынесен первый спектакль: Мария Максимчук (музыкальный руководитель и дирижер), Екатерина Захарова (режиссер), Елена Зорина (фортепиано) и солисты Николай Карцев, Ольга Пятницких, Илья Ушуллу и Татьяна Фильчакова в небольшом, но уютном зале старинного особняка представили две чудесные «партии в бридж»: на английском и русском (перевод Е. Захаровой и М. Максимчук) языках.

Четыре человека за круглым столом на авансцене гостиной на протяжении получаса приковывали к себе неослабевающее внимание – особенно заметно это было во время паузы между оригинальным и переводным вариантом. Казалось, все, кто находился в зале, замерли, проживая вместе с исполнителями перипетии судьбы. Впечатление усиливала интересная расстановка участников: на сцене – герои, чуть сбоку – рояль, а дирижер – за зрительным залом, и из этой всеобъемлющей точки, незримо для публики, исходила вся энергетика действия.

(далее…)

№ 5 (112), май 2011

22 апреля в Белом зале состоялся очередной концерт кафедр композиции и инструментовки. Он не предусматривался планом, и играли на нем не только произведения нынешних студентов. Озаглавленный как кафедральный, концерт на самом деле был первым полномасштабным выступлением в консерватории нового камерного оркестра под громким названием «Гроссо».

Оркестр, организованный третьекурсником Композиторского факультета Рачья Есаяном из студентов Гнесинского колледжа еще три года назад, прошел гигантский путь, прежде чем заслужить собственный концерт в консерватории. И вот свершилось. Многочисленные короткие выступления участников в родном колледже, в детской музыкальной школе Подольска, в усадьбе Ивановское, в галерее А. Шилова привели, наконец, коллектив к этому достойному появлению на сцене Зала имени Н. Я. Мясковского.

Программа концерта была весьма насыщенной. Он открывался прекрасным вступительным словом композитора III курса Павла Алексеева. Красочное, образное и богатое цитатами выступление (как потом выяснилось, отчасти экспромтное из-за опоздания одного из оркестрантов) могло бы стать примером для многих теоретиков.

(далее…)

№ 5 (112), май 2011

4 апреля, в завершение Второго международного фестиваля Мстислава Ростроповича, в Москве состоялся концерт одного из могикан дирижерского дела – с небезызвестным оркестром «Maggio Musicale Fiorentino» на сцену Концертного зала им. Чайковского вышел Зубин Мета.

Концерт выдающегося дирижера с именитым солистом Денисом Мацуевым собрал в зале Филармонии невероятный аншлаг: если бы слушателям разрешали сидеть на ступеньках, то стремящимся выйти из зала пришлось бы летать. Из-за огромного количества слушателей начало концерта довольно сильно задержали, но главная причина, очевидно, была все-таки в ином: этот вечер украсила своим присутствием почетная гостья — несравненная Галина Вишневская, каждый шаг которой сопровождался стоячими овациями всего зала.

В программу концерта, обещавшую увертюру к «Свадьбе Фигаро», были внесены изменения – вместо нее концерт открыла увертюра к опере «Сила судьбы» Верди, написанная в свое время специально для постановки в Мариинском театре. Другим важным событием первого отделения стал Третий фортепианный концерт Бетховена. Второе отделение было отдано Концерту для оркестра Белы Бартока и бисам.

Слушая оркестр под управлением Зубина Меты невозможно не удивляться: кажется, что это единый организм, в котором все находится на своем месте, никто из исполнителей не стремится пробежать вперед или, наоборот, отстать. Удивительная прозрачность и четкость фактуры ощутимы до такой степени, что поражаешься – в том ли зале Чайковского в Москве ты находишься? И если это так, то отчего не приходилось слышать ничего подобного раньше?!

Если, читая книги по музыкальной литературе или знакомясь с событиями музыкальной истории, нам приходилось слышать о выдающихся событиях музыкальной жизни, то этот концерт – доказательство, что подобные знаменательные моменты случаются и сейчас. Наверное, оркестр такого уровня должен стать образцом для подражания под лозунгом: ни ноты мимо, ни ноты зря. И совершенно не важно, где слушать подобное исполнение – будь то директорская ложа или последний ряд балкона. Важно, что и сейчас, в наш не слишком богатый на великие события век, можно прийти в концертный зал и почувствовать ни с чем не сравнимое наслаждение. Такое ощущение обязательно останется в памяти как одно из самых значительных – ощущение сопереживания чему-то поистине Настоящему и Великому.

Виктория Иванова,
студентка III курса

№ 5 (112), май 2011

У молодого композитора Николая Попова – без пяти минут выпускника Московской консерватории (класс проф. В. Г. Агафонникова и проф. И. Л. Кефалиди) – уже сегодня богатый «послужной список». Он постоянно принимает участие в композиторских конкурсах, музыкальных фестивалях, мастер-классах. Среди его последних достижений третья премия на международном конкурсе композиторов «Посвящение Чайковскому», первая – на международном конкурсе композиторов им. А. Дворжака (Прага, Чехия) в 2010 году. Его сочинения – это в основном камерная музыка. Несколько опусов включают такой инструмент как баян, а одно под названием «kraMP» написано для электронных и акустических звуков. Произведения Николая постоянно исполняются как в России, так и за рубежом (Испания, Италия, Португалия, США). Мне удалось побеседовать с Николаем, и первый вопрос был традиционен:

— Почему ты решил выбрать профессию композитора?

— Я вообще учился в музыкальном лицее в Уфе, по классу баяна. В классе восьмом, когда я жил в интернате, моим соседом по комнате оказался Руслан Латыпов, который занимался композицией. Меня увлекала его личность – он был довольно оригинальный и неординарный человек. И первые мои композиторские опыты – это когда мы с ним закрывались ночью в комнате (чтобы никто из воспитателей не заметил), выбирали какую-то тему и писали на нее вариации. Вскоре он меня познакомил со своим педагогом. Таким образом, я постепенно втянулся, хотя и не осознавая, что хочу быть композитором. Тогда я писал прелюдии и фуги в каких-то нереальных количествах. Все это было по наитию и при этом довольно хорошо сделано.

— Наверно это было связано с твоим слуховым опытом и с изучением произведений известных композиторов?

— Я очень много слушал музыки, и мне вообще все было интересно. Больше всего я слушал в классе десятом-одиннадцатом. Тогда мне открылось, что, слушая сочинение, можно понимать и радоваться тому, что там происходит. Это счастье.

— И кого ты предпочитал слушать?

— В те годы мне очень нравился Мусоргский – «Ночь на лысой горе», «Картинки с выставки» в оркестровке Равеля… Позже был Шостакович, я играл его прелюдии и фуги на баяне. Все фуги, которые я писал, были каким-то образом связаны с его стилем.

(далее…)

№ 5 (112), май 2011

Мы знакомы семь лет. Обаятельный и одаренный музыкант, студент композиторского факультета, балалаечник, эрудит и юморист – это все он, мой друг Павел Алексеев. Он пишет не только музыку, но и стихи: грустные и смешные, серьезные и сатирические – разные. А еще он, при всей открытости и добродушии, очень скромен в отношении к себе и своим достижениям и этим тоже выделяется среди сверстников, коллег по цеху. О его школьной золотой медали я узнала случайно, так же как и о недавней победе на композиторском конкурсе в Санкт-Петербурге. У него совсем нет желания покрасоваться, зато есть огромное стремление развиваться, большая требовательность к себе. И большая внутренняя свобода.

Среди плеяды молодых авторов для небольшой творческой зарисовки мне захотелось выбрать именно его. Встретившись, мы разговариваем о музыке и поэзии, о прошедшем и настоящем, о мировых музыкальных гениях и о том, по какому пути может дальше пойти искусство.

На вопрос о том, кто из великих композиторов повлиял на его становление как музыканта, кто особенно близок и любим, он первым называет Петра Ильича Чайковского. И ударяется в воспоминания о том, как еще в школе, вдвоем с замечательным педагогом Павлом Петровичем Переходовым (просит – «О нем напиши обязательно!») пробовали играть в четыре руки Четвертую симфонию, как впервые узнал Пятую и Шестую…

Рассказывая о своих впечатлениях от знакомства с музыкой, мой собеседник добавляет, что еще одним серьезным потрясением для него были произведения Сергея Сергеевича Прокофьева с их удивительным оптимизмом, с разными гранями искрометного юмора, а также творения Николая Яковлевича Мясковского, полные благородства, искренности и глубины. А когда речь зашла о том, насколько в его собственных сочинениях слышно преклонение перед гениями русской музыкальной культуры, отвечает: «Я никогда не ставил целью копировать кого-то, писать “в стиле” какого-либо композитора…»

(далее…)

№ 4 (111), апрель 2011

Тот же класс. Тот же рояль. Те же портреты на стенах. Но нет главного – человека, который вносил смысл в существование этого класса и рояля. Прошло три года, а ученикам и коллегам до сих пор кажется, что Татьяна Андреевна Правоткина только на минуту вышла из класса и сейчас снова войдет, неся с собой безграничную энергию и жизнерадостность. Подвинет стул к роялю, откроет ноты и спросит: «Как дела с программой?».

Ученикам Татьяны Андреевны посчастливилось общаться с человеком, имеющим природный дар отдавать свои знания и не требовать ничего взамен. Отдавать себя без остатка людям – такова была ее цель, и она не задумывалась, стоит ли жить ради нее. Татьяна Андреевна была человеком, склонным не к размышлениям, а к действию, причем действию энергичному и часто реформаторскому. Она организовывала студенческие научно-практические конференции, фестиваль «Молодые пианисты Оренбуржья», вела класс специального фортепиано, историю исполнительства и методику преподавания. Была куратором детских музыкальных школ не только города, но и области, выезжала с концертами и мастер-классами… Но, казалось, ей всего этого было мало – энергии оставалось еще на что-то большее. И Татьяна Андреевна, не жалея, отдавала ее своим воспитанникам.

(далее…)

№ 4 (111), апрель 2011

Имя Перси Уитлока (1903–1946) в России, к сожалению, почти не известно. Он был блестящим органистом-виртуозом, композитором, создавшим произведения разных жанров светской и духовной музыки. Не удивительно, что особой популярностью стали пользоваться, в первую очередь, его сольные органные сочинения, которые прочно вошли в репертуар английских исполнителей.

Перси Уитлок родился в городе Чатем в семье музыкантов. Первые сочинения были написаны им уже в возрасте 7 лет, а с 13 лет, благодаря незаурядным способностям в игре на органе, он заменял главного органиста собора. После окончания Кафедральной хоровой школы Рочестерского собора Уитлок продолжил свое образование: в Королевском колледже музыки в Лондоне (1920–1924) учителями по композиции и органу были Ральф Вогуэ Вильямс и Генри Лей, которые всячески способствовали раскрытию таланта молодого музыканта. В результате активной концертной и композиторской деятельности имя Перси Уитлока получило широкую известность в стране – появились многочисленные записи на радио BBC, а с 1927 года Oxford University Music Department начал публиковать его органные сочинения. Но в 1928 году здоровье музыканта резко пошатнулось, и в мае 1946 года, в возрасте 43 лет, он умер от туберкулеза…

(далее…)

№ 4 (111), апрель 2011

Фигуры пианистов, дирижеров и, пожалуй, скрипачей всегда привлекают к себе внимание публики, журналистов, музыкальных критиков. Солирующие исполнители возбуждают интерес к себе – рождают «информационный повод». Не зря в статьях все чаще появляются слова «маэстро», «гений», «личность», «творец» – когда масштаб личности поражает, то начинаешь автоматически подбирать достойные этого явления выражения. Однажды, услышав в одном из камерных залов Москвы выступление пианиста Сергея Соболева, мне тоже захотелось найти какие-то особые слова.

Необычайно стремительная карьера пианиста сложилась очень рано. С. Соболев родился в 1982 году. С 1997 г. он стипендиат Международной благотворительной программы «Новые имена», лауреат премии Президента РФ и обладатель 1-й премии Международного конкурса «Николай Рубинштейн и Московская композиторская школа»; в 2002-м – стипендиат фирмы «Yamaha», в 2003-м – лауреат Молодежной премии «Триумф». В 2005 г. с отличием окончил Московскую консерваторию, а в 2008-м и аспирантуру в классе профессора М. С. Воскресенского. Он участвует в конкурсах в России и за рубежом, всякий раз возвращаясь с победой. Важной вехой в творческой биографии пианиста становится лауреатство на XIII конкурсе им. П. И. Чайковского в 2007 году, где Сергей получил 4-ю премию.

(далее…)

№ 4 (111), апрель 2011

Имя Беата Фуррера (р. 1954) является знаковым для людей, интересующихся современной музыкой. Он один из самых известных и уважаемых в Западной Европе композиторов нашего времени. Многим россиянам Фуррер стал известен в связи с нашумевшей в 2007 году премьерой оперы «Фама» в Москве. Стиль композитора как нельзя лучше репрезентирует пьеса «still» (1998), написанная для камерного ансамбля из 24-х участников. Ее премьера, состоявшаяся в Цюрихе, была далеко не единственным исполнением – в следующем году вышел CD, большой фрагмент исполнения «still» можно посмотреть и на видеохостинге Youtube. Но в России, к сожалению, исполнения пока не было.

Название «still», на первый взгляд, очень естественно, если не знать, что композитор имел в виду не только немецкое, но и английское слово. «Тихий» – это первая приходящая на ум трактовка названия; она вполне соответствует типу композиции пьесы, которая основывается на чередовании крупных разделов по принципу «тихо – громко». Каждый нечетный раздел приводит к кульминации, а на четные приходится динамический спад. При этом в сочинении нет разделов, выполненных одинаково – все нечетные отличаются друг от друга, так же как и четные. Кардинальное различие не затрагивает лишь главного – динамической направленности: переходы от тишины к полнозвучию и, наоборот, от плотного к бесплотному – предмет мастерской композиторской работы. Фуррер достигает при этом колоссального разнообразия эффектов, динамических оттенков и приемов звукоизвлечения.

Такая разработанность, тонкость и многообразие средств выдают любовь Фуррера к самому звуку. Его энергичная тишина (или скрытое спокойствие) – не пустая и не статичная, а полная звуков, пусть и не сразу и не полностью слышимых нами. Она «дышит». На слух некоторые моменты могут показаться практически беззвучными, но на самом деле – и это видно при первом взгляде на партитуру – все «тихие» разделы разработаны, пожалуй, даже еще более разнообразно, чем «громкие». Для того чтобы получить такую «тишину», потребовалось немало композиторской выдумки и фантазии, а еще – композиторского мастерства. Кроме того, здесь сказался и опыт дирижерской деятельности Фуррера, ведь на протяжении многих лет он был главным дирижером и художественным руководителем Klangforum Wien, ансамбля солистов для исполнения современной музыки, который до сих пор пользуется мировой славой и считается одним из лучших в области исполнения Новой музыки. (далее…)